Фриз жизни: поэма о любви, жизни и смерти — цикл работ норвежского художника Эдварда Мунка, задуманный им с целью отобразить все основные аспекты человеческого бытия. Первые работы цикла были созданы им в начале 1890-х годов, однако в таком виде, каким его задумал художник, фриз демонстрировался только в 1902 году в галерее Берлинского сецессиона.

В этот замечательный день, я хочу ознакомить вас с историей самой центральной картины всего цикла - "Танец жизни" и показать картины первой и самой прекрасной части цикла - "Рождения Любви".

Танец Жизни 1899-1900 год. C 1910 года находится в Национальной галерее в Осло.

На картине изображён летний праздник: юноши и девушки танцуют парами на берегу моря в лунную ночь (на картине узнаётся реальное место в Осгорстранне, где регулярно устраивались танцы). Среди празднующих выделяются три женские фигуры в платьях символических цветов — белом, красном и чёрном. Девушка в белом стоит слева, поодаль от танцующих, рука её тянется к цветку на высоком стебле. Женщина в красном танцует с мужчиной, которому художник придал собственные черты: они изображены в самом центре картины. Наконец, женщина в чёрном стоит возле правого края картины: у неё, как и у девушки в белом, нет партнёра, и она ревниво смотрит на танцующих. Сюжетно такая композиция перекликается с другой картиной Мунка — "Тремя возрастами женщины" (известной также как Сфинкс), которой в первоначальном варианте Фриза жизни предназначалось место, впоследствии занятое "Танцем жизни": женщина на ней изображена в трёх ипостасиях — как юная девственница в белом, соблазнительная обнажённая красавица и скорбная бледная фигура в траурном одеянии.

Исследователи творчества Мунка предполагают, что сюжет новой картины был подсказан Мунку пьесой датского символиста Хельге Роде «В вихре вальса». Сам художник утверждал, что в основу «Танца жизни» легли воспоминания о его первой любви, Милли Таулов: "В центре большой картины, написанной этим летом, я танцую со своей первой любовью; эта картина — воспоминание о ней. Слева белокурая девушка с улыбкой безнаказанности тянется за цветком любви. Справа женщина в трауре тревожно следит за танцующей парой. Она исключена из веселья — как был исключён и я, когда они танцевали". Биограф Мунка Атле Нэсс, однако, полагает, что большее влияние на содержание полотна должны были оказать отношения художника с Туллой Ларсен, ещё продолжавшиеся на момент написания картины: женские фигуры справа и слева каждая по-своему...в деталях напоминают её портрет, написанный Мунком в начале их отношений... Женщина в белом, стоящая слева — это молодая Тулла, которая всё еще надеется с помощью своей всепоглощающей любви выманить его наружу... Женщина в чёрном, постарше — это Тулла, признавшая своё поражение.

Список картин первой части фриза жизни, Рождение Любви:

Голос 1893 год.

Красное и белое 1894 год.

Глаза в глаза (известна также как Влечение) 1895 год.

Танец на берегу 1900 год.

Поцелуй 1892 год.

Мадонна 1894 год.

          P.S. Уважайте, любите, берегите и цените свои половинки, несмотря ни на что и будьте счастливы, ведь жизнь так коротка... С Днём Святого Валентина, пипмэйнеры! <3 Ах да, чуть не забыл.. и со средой мои чуваки.

Константин Флавицкий прожил короткую жизнь. В 35 лет, в 1866 году, он умер от чахотки, зародившейся в Италии и развившейся в петербургском климате. Художник мечтал о славе, о бессмертии, о картине, которая оставила бы о нём память на века. Но он не знал, что такой картиной станет его последнее произведение которое он писал уже безнадёжно больным. Это всем хорошо известная картина "Княжна Тараканова".

Константин Флавицкий. Княжна Тараканова, 1864 год. Третьяковская галерея.

Картина была написана в 1864 году, и в этом же году впервые выставлена на выставке Академии художеств. Владимир Стасов, известный критик того времени, назвал полотно Флавицкого "чудесной картиной, славой нашей школы, блистательнейшим творением русской живописи".

Полотно сразу заметил Павел Третьяков и захотел купить его для своей коллекции. Он предлагал художнику 3000 рублей (очень большие деньги по тем временам), но тот хотел не меньше 5000, нужны были средства на лечение в Европе. Третьяков не сдавался, стоял на своём, но они так и не смогли договориться. После смерти Павла Флавицкого, Третьякову поступило предложение от братьев художника. За картину теперь просили не меньше 12 с половиной тысяч рублей, но Третьяков снова не соглашался. В итоге он всё же купил картину, братья художника оказались на гране нищеты и продали её за 2.500 рублей.

Сейчас она занимает почётное место в знаменитой Третьяковской галерее в Москве. Многие её видели, все её знают, но не всем, вероятно, известен тот факт, что Флавинский создал несколько вариантов Княжны Таракановой. В Третьяковсой галерее находится самый поздний вариант картины, ещё один принадлежит Пензенской областной картинной галерее имени К. А. Савицкого, она меньше по размеру той, что в Третьяковке. А вот на право владеть, предположительно, первоначальным вариантом картины, написанном в 1862 году, выступает Екатеринбургский музей изобразительных искусств.

Константин Флавицкий. Княжна Тараканова, 1862 год. Екатеринбургский музей изобразительных искусств.

На обеих картинах, на первый взгляд очень похожих, изображен один и тот же сюжет. Смерть княжны Таракановой, самозванки, выдававшей себя за дочь императрицы Елизаветы Петровны, в казематах Петропавловской крепости. Не буду пересказывать историю жизни этой, как её называют, авантюристки, о ней много написано и без меня, не буду также определять правдивость и историческую достоверность того, что изобразил Флавинский, об этом тоже много сказано. Хочу только сравнить эти две картины, так похожие и вместе с тем, не похожие друг на друга. Между их созданием лежит два года, первую Флавинский писал сразу после возвращения из Италии, когда болезнь только-только начинала давать о себе знать. И первая картина получилась более светлой и красочной, вторая - более мрачная, более трагичная. Художник уже чувствует приближение и своего конца, пугающего и всё-таки дающего надежду освобождения от муки болезни.

Посмотрите на окна каземата, на первой картине всего лишь серый, мрачный, пасмурный петербургский день. А из окна на второй картине словно льется яркий свет, какой-то потусторонний, зовущий. Да и образ самой героини картины изменился.

Если на первой картине мы видим пышущую здоровьем даму, написанную в стиле Брюллова, которым Флавинский восхищался и которого пытался превзойти, то на второй - Тараканова предстаёт перед нами измождённый, потерявшей всяческую надежду. Достаточно сравнить лишь лица, на втором уже виден явный отпечаток смерти.

И ещё одна интересная деталь. Предметы, стоящие на столе, на второй картине хлеб и кружка внизу словно прозрачные. Это не брак репродукции и это не случайность, перед нами символ уходящей жизни, растворение в небытие.

Недаром и сама Тарканова одета в белое, подвенечное платье. Она - невеста смерти а красная накидка - это символ мученичества. Так что под маской исторического сюжета Флавицкий создал нечто большее. Он написал картину о победе над страхом смерти, историю о собственной борьбе, о надежде, что там, за чертой, ждёт что-то светлое.

Нейросеть сгенерировала арт изображая его старым. Такие люди несомненно заслуживают на долгую и счастливую жизнь.

В великой войне богов, которую ныне называют титаномахией, как известно, победу одержали олимпийцы во главе с Зевсом. "Историю пишут победители"... Вот и историй о победителях сохранилось значительно больше, чем о побежденных. Да и что о них писать. Олимпийцы одержали победу с помощью циклопов и гекатонхейров, а побежденных титанов Зевс с помощью Афины, Аполлона и Артемиды, сбросил прямиком в Тартар. Всех, да не всех. Из участников сражения на земле остался Атлант, которому Зевс положил на плечи и голову небесный свод.

Гверчино. Атлант 1646 год.

Римский писатель Гигин в своих Мифах пишет:

• Атланту же, который был их вождём, он бросил на плечи небесный свод и тот, как говорят, до сих пор поддерживает небо.

Кем же был Атлант? Сведений о нем сохранилось немного, да и те, что сохранились во многом разнятся. Но наиболее популярной является та, в которой сообщается, что Атлант был сыном титана Иапета и океаниды Климены, т.е. титаном во втором поколении. И если придерживаться этой версии, то родным братом всем известного Прометея, кстати выступившего на стороне Зевса и поэтому не сброшенного в Тартар. У Прометея тоже в последствии оказалась нелегкая судьба, но её не сравнишь, конечно, с тяжелой судьбой Атланта,  причем, тяжелой в самом прямом смысле. Держать на своих плечах небо - та еще задачка.

Рубенс 1636 год.

Бернар Пикар, Атлант держит небеса на своих плечах 1731 год.

Тим Хильдебрандт.

Борис Валеджо.

В греческой мифологии имя Атланта встречается в двух мифах. Во-первых, в мифе о Персее. После того, как Персей победил Медузу Горгону, судьба его занесла к Атланту. Он приказал не мешать ему и уходить, но Персей, гордый своей победой над Горгоной, показал ему страшную голову и превратил Атланта в каменную статую. Атлант окаменел, волосы с бородой превратились в леса, плечи и руки в горный хребет Атласских гор, а голова стала горной вершиной.

Эдвард Бёрн-Джонс, Серия «Персей: Атлант, обращенный в камень» 1878 год.

Гиллис Койнет. Персей и Атлант 16 век.

Второй миф связан с другим известным древнегреческим героем - Гераклом, с его подвигом по похищению яблок Гесперид. Атлант был отцом Гесперид и стоял с небом на плечах недалеко от волшебного сада Гесперид.

Джон Сингер Сарджент. Атлант и Геспериды 1925 год.

Геракл, проходя мимо Атланта, предложил ему подержать за него небосвод.

Уолтер Крейн. Геракл и Атлант 1852 год.

За это он просил его достать золотые яблоки, что Атлант и сделал. Но когда он принес яблоки, подумал, что держать небесный свод ему больше не хочется.

Лукас Кранах Старший. Геракл и Атлант 1537 год.

Тогда Геракл попросил на время его сменить, чтобы сделать себе подушку под голову. Атлант положил яблоки на землю и заменил Геракла. Тот в свою очередь забрал их и ушёл, оставив обманутого Атланта и дальше удерживать небосвод. Вот так и держит, говорят, до сих пор.

Стэнтон Макдональд-Райт. Атлант 1965 год.

Томас Макнайт. Атлант 20 век.

Это картина нидерландского художника Питера Ластмана (1583-1633), известного тем, что у него композиции и живописному историческому повествованию учился сам Рембрандт. Картина называется "Юнона обнаруживает Юпитера с Ио" нарисована в 1618 году. Сейчас она находится в Национальной галерее в Лондоне.

Сюжет картины, думаю многим известен. Сластолюбец Юпитер (он же - Зевс) воспылал страстью к дочери речного бога Инаха по имени Ио, бывшей жрицей его жены богини Юноны (она же - Гера). Согласно мифу, Юпитер превратился в облако, опустился к Ио и овладел ею. Влюбчивым был Юпитер, потому и "злой шутник, озорник" Купидон всегда поблизости.

Но причём тут изображённая на картине корова? Темболее она почти главный персонаж картины. Ведь только корова смотрит прямо на зрителя, словно говоря с ним, рассказывая свою историю.

Посмотрите, какие красивые и печальные у коровы глаза. Недаром часто её называют "Самая красивая корова". А потому что это и есть та самая Ио, которую возжелал Юпитер а потом превратил в корову.

А всё потому, что его, как сейчас говорят, "застукала" жена, ревнивая Юнона.

На колеснице, запряжённой павлинами (павлины - символ Юноны), обманутая жена прорвалась через облако и гневно воззрилась на супруга.

Струхнул конечно Юпитер. Он хотя и главный бог, но жену свою побаивался. Очень уж виноватым он выглядит на картине.

Чтобы скрыть от жены свои шалости, быстро превратил Ио в белую корову. И на вопрос жены: "А это кто?", находчиво ответил: "Красивая корова". Соврал шельмец. И чтобы показать, что Юпитер врёт жене, глядя прямо ей в глаза, Ластман изобразил рядом с ним мужчину, Аллегорию Обмана.

На лице у мужчины маска лжи, вместо пояса - лиса, символ обмана. "Ах, значит красивая корова, - воскликнула умная Юнона, сытая по горло враньём мужа. - Тогда подари мне её". И ничего не оставалось Юпитеру, как подарить корову жене. И начались после этого мучения бедной Ио, которой ревнивая Юнона жестоко мстила. А ведь невиновной была девушка, да разве с богами поспоришь?

А вот ещё произведение в виде стиха:

Эдвард Мунк родился 12 декабря 1863 года в Лётене, Хедмарк - это норвежский живописец и график, один из первых представителей экспрессионизма. Его творчество охвачено мотивами смерти, одиночества, но при этом и жаждой жизни. Самым узнаваемым образом стала картина "Крик" о которой и пойдёт речь в данной статье.

Этот непреходящий образ получил наследие ужасов благодаря повторяющимся чертам в популярной культуре и послужил источником вдохновения для множества различных средств массовой информации. Даже в 21 веке шедевр ужасов Мунка всё ещё жив и вероятно, будет существовать ещё много столетий.

Существует пять различных версий "Крика": три картины, пастель и литография, созданные между 1893 и 1917 годами. Они были частью серии картин, известной как "Фриз жизни".

С самого раннего возраста Эдвард Мунк был поглощён горем и несчастьем, которые повлияли на его годы становления и часто обременяли его глубокой депрессией. Его собственное душевное состояние часто отражается в его работах, в которых регулярно фигурируют темы страха, боли и смерти. Источник вдохновения для сцены на картине был подробно описан самим художником в дневниковой записи от 22 января 1892 года. Согласно этой записи, Мунк гулял с двумя друзьями во время заката и внезапно остановился, чтобы поглядеть красный цвет неба. Его сердце наполнилось тоской и болью, и он был вынужден прислониться к забору, дрожа от беспокойства. Именно в этот момент он почувствовал великий, бесконечный крик, пронзающий природу.

Это почти в точности та сцена, что изображена на картине, где под кроваво-красным небом можно увидеть центральную фигуру, стоящую у забора и пытающуюся заткнуть уши, чтобы заглушить звук крика. В то время как некоторые интерпретируют эту сцену как имеющую некоторую связь с извержением вулкана Кракатау в 1883 году и возникшими в результате природными явлениями, другие видят в ней просто излияние экзистенциальной тревоги, возникшей в результате измученного и беспокойного душевного состояния художника. Леденящее кровь, ужасающее лицо на картине, лишённое большинства человеческих черт, устрашающе похоже на мумию народа чачапойя в Перу. Ещё интереснее то, что подробные сканы версии картины «Крик», выставленной в Норвегии, обнаруживают надпись в верхнем левом углу «Может быть написана только сумасшедшим», которая, как позже выяснилось, была написана самим Мунком. Учитывая критику и общественное сомнение в отношении его здравомыслия после того, как картина была впервые показана, это кажется саркастическим поклоном художника своим критикам.

Шедевр ужасов Мунка неоднократно проникал в массовую культуру, как благодаря вдохновлённым  произведениям в различных средах, так и захватывающей истории самой картины, которая была украдена не один а два раза. Самой известной производной работой, безусловно, будет «Крик (по мотивам Мунка)» Энди Уорхола, урезанная версия картины, созданной в стиле Уорхола. Пожалуй, самая известная и самая устойчивая дань уважения картине Мунка "Крик" принадлежит кинорежиссеру Уэсу Крэйвену и его серии фильмов ужасов "Крик". Как гласит история, ужасающая маска-скелет, которую знают и любят поклонники ужасов во всем мире, изначально была разработана Бриджит Слейртен, создательницей костюмов, как дань уважения видению Мунка. Уэс Крэйвен, столкнувшийся с этим творением, сразу увидел его потенциал и оно стало основным реквизитом для его хоррор-пародии "Крик". Именно устойчивый образ этой пустой, бездушной маски закрепляет наследие живописи Мунка в поп-культуре ужасов.

Помимо Крэйвена, другие режиссёры также по-своему отдали дань уважения Мунку. Примечательно, что Тим Бертон помнит и вспоминает шедевр Мунка в своём фильме 1982 года «Винсент» . Ещё один важный намёк можно увидеть в популярном сериале «Доктор Кто», где злодеи-гуманоиды, известные как «Молчание», являются почти реальным изображением картины. На самом деле, многие люди также предполагают, что Лорд Волан-де-Морт, наводящий страх злодей из серии о Гарри Поттере, также был смоделирован по образцу главного героя из "Крика" Мунка. Помимо фильмов, картина много раз упоминалась в мультфильмах, анимационных сериалах, манге и других средствах массовой информации и даже послужила источником мемов и товаров, таких как пальчиковые куклы.

Оказывается существует проект как "Выставка кошачьего искусства", я первый раз слышу о нем сегодня, поэтому не смог пройти мима и не поделиться. Так вот,  чтобы отметить свои 10 лет существования выставка возвращается в Лос-Анджелес, и дарит тепло и пушистость всего кошачьего. “Грация, их постоянно меняющихся личности в сочетании с красотой внешности дают художникам богатый материал для работы”, - говорит куратор и основатель Сьюзан Михалс. Каждый год часть средств выручки идет на помощь организациям которые помогают пушистикам.

За один уик-энд посетители смогут ознакомиться с работами почти 50 художников со всего мира, среди которых Мэтью Грабельски или Колин Робертс. Ну а мы сможем увидеть, благодаря интернету конечно, многоглазого котенка Лолы Дюпре по кличке “Сквитс” и дружелюбных “мисс Питч и Ферл” Энни Монтгомери, и других кошастых  такими как “раздраженный разрушитель мебели” Ванессы Стокард или "Une Chat".

Выставка кошачьего искусства проходит с 19 по 21 января в Wallis Annenberg PetSpace в Лос-Анджелесе. 

Ванесса Стокард, “Доверяйте процессу”.

Бритт Эрингер, “Коби врывается в королевство котят”

Лола Дюпре, “Сквитс”

Лола Дюпре, “Сквитс” (детали)

Энни Монтгомери, “Мисс Питч и Фурл”

Лео Форест, “Кошка”

Клеон Паттерсон, “Сделка”

Колин Робертс, “Чеширский кот”

Юсуке Ханаи, “Рика и Окаю”

Эрик Хейз, “Одноглазый Джек”

Ночной дозор — название, под которым известна знаменитая картина Рембрандта "Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга". Картина написана в 1642 году. Это одна из самых известных и самая большая (379,5 × 453,5 см) картина золотого века голландской живописи. Экспонируется в отдельном зале Рейксмюсеума в Амстердаме.

Картина была заказана в 1639 году капитаном Франсом Баннингом Коком и семнадцатью его кловенирами, членами отряда Стрелкового общества гражданского ополчения Нидерландов. Восемнадцать имён заказчиков начертаны на щите, добавленном в 1715 году в правой части картины. Всего изображено 34 персонажа. Рембрандту заплатили за картину 1600 гульденов, что по тем временам было большой суммой. Это была одна из семи картин, заказанных разным художникам ротами стрелков, пожелавшими украсить своими групповыми портретами недавно построенное здание Зала встреч стрелков-ополченцев в Амстердаме.

«Ночной дозор». Скульптурная композиция А. Таратынова и М. Дронова на площади Рембрандта в Амстердаме. 2005 года.

Историки предполагают, что поводом для заказа Рембрандту и другим художникам групповых портретов стал визит в Амстердам в 1638 году французской королевы Марии Медичи. Несмотря на то что королева вынуждена была бежать из Франции, её прибытие было встречено с большим энтузиазмом.

Картину Рембрандта вначале поместили в Большом зале или Доме встреч стрелков-ополченцев в Амстердаме. В 1715 году картину перенесли в здание городской Ратуши, из-за чего она была обрезана с трёх сторон. Предположительно, это было сделано для того, чтобы картина поместилась между двумя колоннами. Обрезка картин была обычной практикой того времени. Это изменение привело к потере двух персонажей с левой стороны, верхней части арки, балюстрады и края ступеньки. Сохранилась копия картины XVII века живописца Геррита Люнденса (хранится в Лондонской Национальной галерее), по которой можно судить об утраченной части картины.

Когда Наполеон Бонапарт в 1806 году оккупировал Нидерланды, магистраты переместили картину в Триппенхёйс (здание семьи оружейников в Амстердаме). Наполеон приказал вернуть картину, но после того, как в 1813 году оккупация закончилась, произведение Рембрандта снова поместили в Триппенхёйс, где разместилась Голландская академия наук. Картина оставалась там до тех пор, пока не переехала в новый Рейксмюсеум, после того как его строительство было закончено в 1885 году.

В сентябре 1939 года с началом Второй мировой войны картину вынули из рамы, свернули в рулон и вывезли, но она попала в руки нацистов. Некоторое время находилась в свёрнутом виде в специальном хранилище, устроенном в пещерах горы Св. Петра в Маастрихте. После окончания войны полотно было отреставрировано и возвращено в Рейксмюсеум.

Когда в апреле 2013 года был завершён ремонт помещений музея, картина после пребывания в разных помещениях была помещена в специальный Зал Ночного дозора. На протяжении большей части своего существования картина была покрыта тёмным лаком, что создавало неверное впечатление, будто на ней изображена ночная сцена, что и привело к названию, под которым она теперь широко известна. В июле 2019 года началась долгая и кропотливая реставрация. Она проходила публично, в специально построенном стеклянном футляре, размещённом в музее, и транслировалась в прямом эфире.

В 2021 году картину в течение трёх месяцев демонстрировали посетителям с воссозданными фрагментами: как она выглядела до обрезки, с использованием свёрточных нейронных сетей, алгоритма искусственного интеллекта, основанного на копии Люнденса.

Интересная деталь, продемонстрировавшая открытость Рембрандта к экспериментам. В картине Ночной дозор во время очередного научного исследования обнаружили свинцовый слой – это дало ответ на то, откуда на поверхности произведения периодически появлялись кристаллы свинца. Исследователи впервые применили вместе рентгеновские лучи, спектроскопию образца краски и цифровую 3D-реконструкцию. Говорят, это первая картина Рембрандта, в которой обнаружили свинцовый слой.

Рембрандт и его современники-художники обычно начинали работу над картиной с того, что покрывали холст слоем клея для придания жесткости, а затем наносили базовый слой пигмента для грунтовки холста. Но на картине Ночной дозор клеевого слоя не было. Возможно, вместо него Рембрандт использовал свинцовый слой, который дополнительно защищал холст от разрушения. По словам ведущего автора исследования Фредерика Броерса, научного сотрудника отдела микроскопии Рейксмюсеума в Амстердаме, где выставлен Ночной дозор, идея укрепить холст свинцом могла прийти Рембрандту из публикации о химии живописи, написанной примерно в то время врачом из Женевы Теодором де Майерном, или из разговоров с коллегами, которые обсуждали данный метод.

До Интернета… до телевидения… когда люди, конечно, читали, но печатный станок все еще был чем-то новым. Людям приходилось получать свое врожденное стремление к ужасам разными способами. И черт возьми, я думаю, что много раз старая добрая воскресная церковная служба была одним из основных способов добиться этого. Религия полна ужасов, когда дело доходит до искусства, эпические религиозные картины, которые поражают воображение и "Сад земных наслаждений" Кия Иеронима Босха именно одна из таких.

Написанный между 1490-1510 годами "Сад земных наслаждений" Иеронима Босха представляет собой триптих, написанный маслом, который, как принято считать, изображает небо, землю и её многочисленные плотские удовольствия и конечно же, ад и то, к чему приводят эти плотские удовольствия, это увлекательно во многих отношениях.

Как вы понимаете, в этой картине происходит очень много всего. На протяжении сотен лет люди анализировали огромное количество символов, разбросанных по холсту. Чтобы найти много сексуальной символики, не потребуется много времени, поэтому существует широкое мнение, что речь идет в основном о похоти. Но нужно время, чтобы принять во внимание другие смертные грехи. Как писал историк искусства Людвиг фон Бальдасс, картина показывает, как грех пришел в мир через сотворение Евы, как плотские похоти распространились по всей земле, продвигая все смертные грехи, и как это обязательно ведет прямиком в ад.

Глядя на Ад в саду земных наслаждений, мы видим многие традиционные вещи, которые можно увидеть в классической живописи. Мы видим армии и войну, озеро крови, людей, выполняющих любой труд существующий в аду. Но мы также видим одну фигуру, стоящую в ярко освещенной комнате, из-за которой проникают светящиеся лучи. Это зловеще и это заставляет нас думать, что здесь происходит гораздо больше.

Глядя на лишь небольшую часть Ада, мы видим, что он состоит из огромного количества деталей… деталей, которые показывают, кто там оказался и почему. Среди тех, кого можно назвать только армией обнаженных мужчин, есть один, получивший ножевое ранение в спину. А другому человеку отрубают голову, при этом ему завязывают глаза. Другой, он закрывает глаза существом на спине с покрывалом на голове, напоминающим религиозное украшение головы. Идея здесь в целом в том, что хотя люди и оказываются в аду из-за войн, которые разжигались на земле, многие из них были всего лишь пешками.

Но да, от всего секса также трудно избежать. Необычная фаллическая волынка, много обнаженных тел и употребление фруктов. Если рассматривать переход от рая к аду, то это деградация от добродетельной и безмятежной наготы к адскому пейзажу потребления и срыгивания во всех возможных отверстиях.

Один из центров росписи – птица, её обычно считают фигурой "Принца ада".

Примечательно, что он находится на троне с горшком вместо короны. Этот принц, отвечающий за ад, думает только о чахотке, даже с кувшином на голове. Он является символом богатых и могущественных, подобно вороне или стервятнику, питающемуся только смертью других.

          " А остаток был заколот мечом Сидящего на коне, который выходил из уст Его, и все птицы наполнились их плотью. "

   -  Откровение 19:21

Глядя на пейзаж из «Сада земных наслаждений» Иеронима Босха, трудно не найти много интересных подробностей о том, что та или иная культура и художник думали об аде. Вот на что способно искусство, изображающее ужасы. В конечном счете то, что мы думаем об аде, многое говорит о том, кто мы есть.

Листая давеча гугл в поисках известного мема «Хоспаде, а разговоров-то было…», я обнаружила, что на картине в правом верхнем углу есть круг из звёзд. Мне стало интересно, что это такое – символ? Престолы Яхве? Инопланетяне? Какой тайный смысл в нём сокрыт?

В общем, результаты моих поисков я несу вам – а то чего это я одна потратила полчаса своей жизни на сию бесполезную информацию.

Как многим, наверное, известно – это картина итальянского художника Гвидо Рени, написанная в 17-м веке. Называется она «Вакх и Ариадна» и изображает довольно популярный в живописи сюжет из греческой мифологии.

Ариадна, как известно тем, кто усердно учился в пятом классе и читал сборники Куна, помогла Тесею выбраться из лабиринта Минотавра, дав ему клубок ниток, чтобы отмечать пройденный путь. С её помощью герой победил челобыка и, прихватив с собой влюблённую в него Ариадну, уплыл с острова.

А вот что было дальше каждый древний грек описывал по-своему. Одни писали, что Ариадна жила с Тесеем долго и счастливо до первых родов, во время которых и умерла. Другие — что её застрелила Артемида за то, что парочка недостаточно уважала богов.

Однако нас интересует версия, которая изображена на картине. Согласно ей, Тесей оказался неблагодарным ушлёпком. Потешившись вволю с беззащитной девушкой, он бросил её одну на маленьком острове и уплыл на поиски приключений.

Собственно, белые треугольнички у правого края – это корабли Тесея, покидающие остров.

На счастье Ариадны мимо проходил Бахус (он же Вакх, он же Дионис) – бог вина, вдохновения и беспорядочных половых связей. А разве может греческий бог равнодушно пройти мимо обнажённой женщины?

Картина Гвидо Рени изображает их первую встречу.

Посмотрите на эту позу:

Уверенность, мощь, красный плащ победителя, пухлые бочка, свидетельствующие о том, что у их владельца нет проблем с финансами – парниша явно подкатывает к даме. Согласно мифу, он приехал к ней на колеснице, запряжённой тиграми, намекая, что он лучше какого-то жалкого смертного Тесея.

И намерения у него тоже серьёзные – влюбившись в Ариадну с первого взгляда, Бахус сразу предложил ей свадьбу. Что для бога вакханалий и вакханок уже нечто немыслимое.

Поза Ариадны, вопреки расхожему мнению и сути мема, отнюдь не выражает её отношение к размерам достоинства жениха. Вся её фигура обращена к уплывающим кораблям – она ещё горюет по бросившему её Тесею и тянется к нему. Однако взгляд Ариадны обращён в небо – на тот самый круг из семи звёзд.

Далее по сюжету мифа она согласится на предложение Бахуса. Боги устроят шикарную свадьбу. Богиня красоты Афродита (или Гефест – тут греки снова не определились с каноном) подарит ей сияющий венец, сам Зевс сделает её бессмертной, и будет она жить со своим мужем долго и счастливо, пока её не убьёт мимопроходящий херой Персей.

После чего умирающую Ариадну (или только её венец, или её, венец и Бахуса – снова расхождения в каноне) боги унесут на небо, где она станет созвездием – Северной короной, венцом Ариадны.

Девушка на картине всё ещё тянется к Тесею, но взгляд её обращён в небо, где она видит круг из звёзд – знамение будущего, счастливой жизни вместе с Бахусом и вполне приемлемой по меркам древнегреческих мифов смерти.

Намёк, что несмотря на тоску по бывшему и маленькость Бахуса, она уже готова согласиться на его предложение руки и сердца (или что там предлагали древние греки).

Звёздная корона часто встречается в картинах с этим сюжетом (а их много, очень много). Где-то таким же созвездием в небе – как, например, на картине Тициана, который изобразил её в перспективе под наклоном, то бишь овалом.

На ней же Бахус явился Ариадне при полном параде, вместе с колесницей, вакханками, фавнами, свиной ножкой и странным чуваком, который решил вместо одежды использовать змей.

У других художников Бахус сам даёт Ариадне корону из звёзд, как доказательство своих серьёзных намерений.

Некоторые изображали крону более физической — не звёзды в небе, а обычный металлический венец. А заодно заменяли вакханок на похотливых фавнов.

А кто-то делал и то, и другое. Ещё один итальянец — Франческо Солимена – изобразил как Афродита дарит Ариадне свадебный венец, а корона из звёзд сияет в небе.

Иронично, что в его версии Тесей даже не успел далеко уплыть – стоит в правой части картины и офигивает от того, что стоило только отвернуться, как к его девушке набежали боги и устроили вакханалию.

А вот на некоторых мемах короны из звёзд нет.

Отчасти потому, что и на оригинальной картине она едва видна — стоит чуть потыкать настройки яркости/контрастности, пережать во славу места на сервере и вот уже корона исчезла. Отчасти потому, что некоторые берут для мема не оригинал, а современные копии картины Гвидо Рени. А копировальщики почему-то часто пропускают эту деталь. Отчасти потому, что и те и другие часто обрезают верхний край картины, делая её более квадратной.

Иоганн Генрих Фюсли (Генри Фюзели), Биография художника, полного ужаса и интенсивности.

На протяжении веков многие художники обращались к мрачному и наполняли свои работы сценами дурных предчувствий и ужасов. Среди них одним из самых выдающихся является Генри Фюзели, художник XVIII века, чьи работы выдержали испытание временем как одни из самых тревожных, интенсивных и ужасающих произведений искусства.

Фюзели хорошо известен как художник первоначально в романтической школе искусства, а затем в прото-романтическом немецком художественном движении «Штурм и натиск». Благодаря своим высококвалифицированным работам, изображающим жуткие темы и визуальные эффекты, он также считается одним из главных пионеров художников-сюрреалистов 20-го века.

Любая биография Генри Фюзели должна начинаться в Швейцарии, поскольку он родился в Цюрихе в 1741 году в семье родителей, страстно интересовавшихся искусством. Его отец был коллекционером произведений искусства, и с самого раннего возраста Фюзели проявлял способности к рисованию и зарисовке, копируя произведения из коллекции своего отца. Его отец, однако, не одобрял искусство как карьеру и предпочел бы, чтобы Фюзели стал ассоциироваться с церковью в качестве министра.

Во время учебы Фюзели увлекся литературой и философией и в конце концов был рукоположен в священники. Однако, когда ему было двадцать с небольшим, он был вынужден покинуть свою родную страну и отречься от престола и уехать в Германию, где он подвергся сильному воздействию немецкого движения Просвещения.

Он провел значительное время в Лондоне в качестве переводчика, выполняя переводы, которые заставили его взглянуть на свою собственную веру и отказаться от нее после знакомства с крупными философами Просвещения и их работами. Именно в это время его жизнь изменилась, когда один из благотворителей вдохновил его начать конкретное занятие искусством, что он инициировал, переехав в Италию.

Именно в Италии Фюзели разработал свой знаменитый мрачный стиль живописи. В этом стиле использовались искажения, искривленная схема освещения светотеней и ракурс фигур. За прошедшие годы он выставил множество известных картин и в будущем увлекся портретами обнаженной натуры. У него была долгая карьера художника, преподавателя рисования и переводчика. Фюзели был несколько раз женат и имел репутацию ловеласа, его картины часто смешивали жуткую с эротическими темами, создавая уникальный стиль, который стал источником вдохновения для многих молодых художников будущего.

Самая важная и известная из картин Фюзели — «Кошмар» , леденящая кровь визуальная интерпретация сцены, выполненная в его фирменном стиле. Эта картина, созданная маслом на холсте, соответствует теме готического ужаса и соответствует линиям По и Мэри Шелли. Картина пользовалась огромной популярностью и считалась новаторской и опередившей свое время.

На картине мы видим женщину, лежащую без сознания и растрепанную в постели, с вялыми руками, свисающими с края кровати. На вершине женщины сидит фигура, похожая на гоблина, а голова лошади с большими глазами наблюдает за сценой из угла. Гоблина интерпретировали как мифическую фигуру инкуба, который сидел на жертвах-женщинах, пока они спали, и передавал темные мысли, которые приводили к кошмарам и сонному параличу. Некоторые также обнаружили сексуальную тему в расположении персонажей с головой лошади, означающем проникновение.

Работа имела огромную популярность и позже была использована в качестве вдохновения Уильямом Блейком в его знаменитой книге "Иерусалим".

Другая известная мрачная картина Фюзели — «Ночная ведьма в гостях у лапландских ведьм» , изображающая повествование из «Потерянного рая» Милтона. Фактически, он часто использовал моменты из литературы как вдохновение для своих картин. Это вершина его мастерства в технике освещения светотенью и творческая и мрачная интерпретация повествования Милтона в эффективном готическом искусстве ужасов.

На картине изображена сцена принесения в жертву ребенка ведьмами. Ведьма впереди, кажется, была отвлечена появлением ночной ведьмы, воплощением Гекаты, которую привлекал запах детской крови. Фон представляет собой искаженную комбинацию больших адских псов, стоящих по стойке смирно, в то время как ведьмы танцуют и празднуют предстоящее жертвоприношение.

Самая зловещая часть картины — поднимающаяся с краев в нижнем углу картины бестелесная рука, держащая кинжал и ожидающая завершения жертвоприношения. Резкая, ужасающая природа фигур на картине смешивается с размытым фоном, создавая поистине жуткую сцену, которую Уильям Блейк снова использует в качестве вдохновения для книги "Оберон, Титания и Пак с танцующими Феями".

Это краткий обзор биографии Генри Фюзели, освещающей его жизнь и искусство. Он был одним из самых ярких художников, которые приняли жуткое и создали шедевры ужасов, которые до сих пор могут сбивать с толку и пугать людей.

Дорогие Пипмэйнеры, вы как и я наверняка слыхали о Дне Мертвых, видели эти красочные образы по телевизору или в интернете, но не все как и я углублялись в историю этого праздника и его традиции. Поэтому в очередной раз случайно наткнувшись, я решил немного изучить сам и поделится с вами об этом одновременно прекрасном и жутком, многодневном празднике памяти в мексиканской традиции.

День Мертвых – один из самых ярких и самобытных праздников Мексики. Его корни уходят в языческие верования коренных народов страны и насчитывают несколько тысячелетий.

Например, в жизни ацтеков и майя культ Смерти и ритуалы, посвященные почитанию умерших предков, занимали особое место. Эти традиции были настолько сильны, что не только продолжились после прихода на американский континент испанских конкистадоров и католической церкви, но и органично интегрировались в современную жизнь людей.

Уникальность этого праздника в 2003 году отметила ЮНЕСКО, присвоив ему особый статус и включив в список нематериального культурного наследия.

День мертвых отмечают два дня подряд, 1-го и 2-го ноября. Эти даты совпадают с двумя важными католическими праздниками: Днём Всех Святых (1 ноября) и Днём Всех Душ (2 ноября). Такое соседство придало особый колорит празднику, в котором мистика и атрибуты язычества смешались с символами католичества. Дополнительные краски Дню Мертвых придает еще один сосед – Хэллоуин (31 октября).

Несмотря на похожесть праздников, они существенно отличаются друг от друга по сути. Хэллоуину присущи театральность и щекотание нервов от страха перед потусторонними темными сущностями, в то время как День Мертвых у мексиканцев – это время вспомнить умерших родственников и семейные традиции, а также попутно – отличный повод посмеяться над Смертью и активно наслаждаться, превращая День Мертвых в настоящий Праздник Жизни, что очень по-мексикански. Для этого нужно тщательно подготовиться, причем не просто убрать и украсить дом, а сделать специальный алтарь. Главная часть алтаря – фотографии умерших членов семьи и близких друзей. Нужно никого не забыть, всем приготовить угощение из любимых блюд и напитков, а остальное пространство богато украсить цветами, зажженными свечами, перфорированной бумагой с сатирическими сценками о Смерти. Дополнительно важно положить ритуальные сладости в виде ярко раскрашенных черепушек и особый сдобный хлеб для мертвых.

Чем богаче алтарь и чем больше на нем угощений, любимых предметов ушедших родственников – тем больше вероятность того, что они придут в День Мертвых пообщаться с вами.

Чествование усопших и традиции. Один день в городе Мексики, Оахаке.

Калавера Катрина берет свое начало от гравюры на цинке, выполненной мексиканским гравером, иллюстратором мультфильмов и литографом Хосе Гуадалупе Посада в начале 20 века. Это был сатирический портрет тех мексиканских аборигенов, которые, по мнению Посады, стремились перенять европейские аристократические традиции в дореволюционную эпоху. Ла Катрина стала символом мексиканского Диа де Муэртос.

Теджате — безалкогольный напиток из кукурузы и какао, который традиционно производят в Оахаке, Мексика, и возник еще в доиспанские времена. Основные ингредиенты включают поджаренную кукурузу, ферментированные какао-бобы, поджаренные косточки мамей и фло де какао (также известный как розита де какао). Их мелко измельчают в пасту. Паста смешивается с водой, обычно вручную, и когда она готова, фло де какао поднимается наверх, образуя пастообразную пену.

В Мексике трудно пойти на вечеринку или посетить уличный фестиваль и не столкнуться с папье-маше. Красочная поделка из бумаги, известная как Ла картонериа (от испанского слова «картон»), посвящена скелетам и потусторонним существам во время Дня мертвых. Это еще один взгляд на культовую Катрину.

Во время Диа-де-лос-Муэртос в пекарнях по всей Мексике готовят сотни видов пан-де-муэрто. Однако в Оахаке все немного сложнее, и пан-де-муэрто не является исключением. Сорт Оахакан сделан с добавлением яичных желтков и имеет антропоморфный дизайн, дополненный маленькой съедобной куклой, олицетворяющей мертвых.

Папель Пикадо изготавливается ремесленниками, которые укладывают цветную папиросную бумагу в десятки слоев, а затем перфорируют слои молотком и долотом. Папель Пикадо не используется исключительно во время Дня мертвых, но он играет важную роль в празднике.

Цветы кемпасучили, помещенные на дверной косяк, призваны взывать к умершим и вести их домой. Говорят, что аромат этих ярко-оранжевых и желтых цветов, часто называемый «цветами мертвых», привлекает души к алтарю, дому или могиле.

Художественная галерея в центре Оахака-Сити представлена на тему Дня Мертвых с огромным алтарем из черепов. Местная культура черепов и богини смерти Миктекасиуатль распространена в доколумбовом искусстве. Повелительница Мертвых, Миктекасиуатль, была хранительницей костей в подземном мире и председательствовала на древних ацтекских фестивалях, длившихся целый месяц, в честь умерших. Начиная с доколумбовой эпохи , мексиканская культура сохраняла определенное почтение к смерти.

Копаловые благовония сжигали в Мезоамерике в древние времена и до сих пор сжигают для особых церемоний и часто размещают на алтарях Дня Мертвых или рядом с ними в качестве еще одного обонятельного элемента, привлекающего духов. Слово копал происходит от слова науатль «copalli», что означает «благовония». Это высушенная ароматическая смола копалового дерева.

Молодая девушка позирует с цветком кемпасучила. Смесь ацтекского и европейского символизма придает смысл рисункам на лице. Эта традиция представляет собой смесь католических верований с религией коренных жителей Мексики.

Об этом безусловно красочном, духовно богатом празднике с его традициями можно рассказывать вечно, но полностью ощутить эту атмосферу можно только побывав непосредственно в выре этих событий...

P.S. Очень старался совместив и переведя с двух источников, не судите строго :)

Для поклонников ужасов, которые любят ужасающие произведения искусства, возможно, нет художника более интригующего, чем Теодор Жерико. Теодор Жерико — французский художник, наиболее известный своими драматическими и очень реалистичными работами. От раннего шедевра «Плот Медузы» до более поздних анатомических произведений, искусство Теодора характеризовалось насыщенной тематикой и мощным эмоциональным воздействием. Мало того, его искусство часто содержало тревожные графические образы, которые действительно тревожили зрителей. Давайте же взглянем на жизнь и творчество этого эксцентричного французского художника.

Жерико родился в 1791 году в Руане, Франция. Он вырос в богатой и влиятельной семье и рано проявил талант к рисованию и живописи. В 16 лет его отправили в Париж изучать искусство, и вскоре он был принят в престижную Школу изящных искусств.

Ранние работы Жерико находились под влиянием неоклассического стиля того времени и содержали исторические и мифологические сюжеты. При этом он вскоре начал исследовать более современные темы и стал известен своими очень реалистичными и драматическими картинами.

Одна из самых известных его работ — «Плот Медузы», которую он завершил в 1819 году. Картина изображает трагическую историю «Медузы», французского военного корабля, потерпевшего кораблекрушение у берегов Сенегала в 1816 году. Экипаж корабля, состоявший в основном из солдат и осужденных которые застряли на импровизированном плоту на 13 дней без еды и воды. Из первоначальных 147 пассажиров выжили только 15.

На картине Жерико изображены выжившие с «Медузы», цепляющиеся за плот, окруженные телами своих попутчиков. Картина представляет собой мощное, тревожное изображение ужасов кораблекрушения и получила широкую оценку за свой реализм и эмоциональное воздействие.

«Плот Медузы» стал поворотным моментом в карьере Жерико и положил начало его исследованию более темных и тревожных тем. В последующие годы Теодор все больше интересовался смертью, разложением и хрупкостью человеческого существования. Этот интерес очевиден во многих его более поздних работах.

В последние годы своей карьеры Жерико увлекся смертью и разложением, создав серию анатомических произведений, исследующих эти темы. Эти работы были очень подробными и графическими, в них были изображены расчлененные тела и другие жуткие предметы.

Одна из самых известных его анатомических работ  — «Лошадь, напуганная молнией», которую он завершил в 1821 году. На картине изображена лошадь, пораженная молнией и лежащая на боку с обнаженными внутренностями. Картина представляет собой яркое и жуткое изображение силы природы и вызывала в то время большие споры – примерно так же, как сейчас в государственных школах.

Еще одно известное анатомическое произведение Жерико — «Рассеченное тело», которое он завершил в 1822 году. На картине изображено расчлененное человеческое тело с отогнутой кожей и мышцами, обнажающими внутренние органы. Картина представляет собой детальное и научное изображение анатомии человека и вероятно, была основана на собственных анализах и исследованиях автора.

Искусство Теодора Жерико отличается интенсивностью и реализмом. Его картины , от «Плота Медузы» до анатомических произведений, часто бывают тревожными и графическими и исследуют темы смерти, разложения и ужаса человеческого существования. Несмотря на такой характер своего творчества, Теодор пользовался большим уважением современников и считался одним из ведущих живописцев своего времени. Его картины широко выставлялись и восхищались своим техническим мастерством и эмоциональной силой.

Он был особенно известен своей способностью очень реалистично и детально передавать эмоции и выражения лиц своих героев. Его картины часто изображали искривленные и искаженные фигуры и передавали чувство ужаса и отчаяния. Эта способность передавать эмоции была ключевой частью художественного стиля Жерико и помогла сделать его работы такими мощными и впечатляющими.

Сегодня считается, что работы Теодора Жерико оказали большое влияние на более поздних художников, а его картины продолжают изучаться и восхищаться искусствоведами и коллекционерами. Его шедевр «Плот Медузы» остается одной из самых известных и мощных картин в истории искусства и является свидетельством мастерства и видения Жерико как художника.

В заключение отметим, что искусство этого художника отличается интенсивностью и реализмом. Картины Жерико, начиная с его раннего шедевра «Плот Медузы» и заканчивая более поздними анатомическими произведениями, мощны и тревожны и продолжают очаровывать и ужасать публику и сегодня. Его работы остаются ценным и важным вкладом в историю искусства. Кроме того, Жерико по сей день остается одним из самых любимых художников ужасов во всем мире, которого с любовью помнят за его знаменитые и устрашающие произведения.

Ни для кого не секрет, что фотография обладает способностью сохранять мгновение, чтобы в будущем было проще его вспомнить. Художница Джульетта Шрекингер при помощи туши и графита создаёт свои сюрреалистические картины, имитирующие зернистость черно-белых фотографий, тем самым заигрывая со зрителем, подсовывая ему фотографии фантастических миров, выдавая это за настоящие фотки.

Всё детство Шрекингер была свидетелем того, как ее мать делала бесчисленные фотографии на семейных событиях, которые затем оказывались в рамках на стенах. “Я постоянно видела важные моменты, которые я разделила со своими близкими, эдакие бесцветные капсулы времени”, - говорит художница. “Позже я стала испытывать глубокое желание воссоздать подобные капсулы времени в своих работах, но при этом изобразить на них сцены которые никогда не могли бы произойти в нашей действительности”.

Имитируя световые и тональные контрасты фотографических изображений сделанных ее матерью, Шрекингер сочетает анатомически точное изображение существ с потусторонним. Подобная точность изображений животных результат множества исследований и путешествий, где художница делала фотографии, которые затем служили отправными точками для создания картин.

Большинство животных, изображенных в работах Шрекингер, находятся под угрозой исчезновения или в опасности, и она обеспокоена уничтожением окружающей среды обитания многими видами. И главная миссия ее работ - обратить внимание зрителя к этой проблеме.

67 КАРТИНОК - PblBlya, ОДУМАЙСЯ, НЕ ОТКРЫВАЙ ЭТОТ ПОСТ! LONGPOST IS SO LOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOONG!

А вот в этой деревне я думаю бывали очень многие:

Автор - Владислав Данилов (felicini)

Автор - Fatih öztürk