Мир знает немало ярких портретов, интересных образов и пейзажей, запечатлённых на картинах, но настоящей редкостью являются картины, пронизанные драматизмом и движением. Именно таким можно назвать творение Карла Брюллова «Последний день Помпеи».

Источником вдохновения для создания этой картины стали исторические события, произошедшие за много столетий до рождения художника. Несмотря на это, воображение Брюллова и его высокое мастерство сотворили истинный шедевр, наполненный динамикой, эмоциями и множеством образов. Какой же он – «Последний день Помпеи»? В декабре 1799 года в семье скульптора французского происхождения родился седьмой ребёнок, которого назвали Карл. Братья мальчика в дальнейшем стали живописцами и архитекторами, однако именно Карлу Брюллову судьба предоставила возможность прославиться благодаря своим шедеврам.

В июле 1827 года художник впервые посетил Неаполь, он побывал около вулкана Везувий, что и стал причиной трагедии, развернувшейся в далёкой древности. На тот момент история о гибели целого города находила отражение в творениях многих именитых мастеров. Когда в 1748 году военный инженер Рокке де Алькубьерре приступил к археологическим раскопкам, произошло открытие Помпеи, что была погребена под вулканическим пеплом и застывшей лавой. В начале XIX века появляются опера и роман, посвящённые этой трагедии.

Карл Брюллов. Дагерротип из собрания Эрмитажа.

Оказавшись на месте раскопок, Брюллов и предположить не мог, что история Помпей отразится в его творчестве, хотя не отметить особой атмосферы этого места он не мог.

«Нельзя пройти сии развалины, не почувствовав в себе какого-то совершенно нового чувства, заставляющего всё забыть, кроме ужасного происшествия с сим городом», – именно так писал Брюллов в своих заметках.

Я не сомневаюсь, что это жуткое ощущение и породило идею написать работу, посвящённую Помпеям. Решив приступить к созданию полотна, посвящённого этой непростой исторической теме, живописец детально изучал археологические источники. Более того, в самом творении Брюллов несколько отходит от привычного ему стиля, склоняясь к романтизму. Его картина рассказывает о трагедии не одного человека, а целого народа, города, заживо погребённого разрушительной мощью Везувия. В построении композиции заметны традиционные особенности классицизма.

Эскиз картины.

Брюллов, что было ему свойственно, старается заключить каждый небольшой сюжет в визуальный треугольник. Это помогает вникнуть в историю каждого персонажа. В процессе написания картины художник старался стоять лицом к вулкану, чтобы тот был виден на холсте (ведь именно он являлся причиной трагедии). Для образов картины «Последний день Помпеи» Брюллов использовал не только вымышленные портреты. Во время той судьбоносной поездки в Неаполь он познакомился с княгиней Юлией Самойловой, которая впоследствии была изображена в трёх образах.

Искусствовед Галина Леонтьева в своих очерках о Брюллове отмечает, что тогда, отправляясь в поездку, ни сам живописец, ни его спутница и представить не могли, что "это нечаянное путешествие приведёт художника к самой высокой вершине его творчества — созданию монументального исторического полотна «Последний день Помпеи»”. В 1833 году работа над полотном была завершена. Из Франции Брюллов отправил работу в Санкт-Петербург, где была преподнесена императору Николаю I, а затем размещена в Эрмитаже. Сегодня же она находится в Государственном Русском музее.

Карл Брюллов «Последний день Помпеи» Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

Далеко не все знаменитые картины наполнены таким количеством интереснейших, живых образов, какие продемонстрировал нам Брюллов в своём творении. Левая часть полотна открывает нам историю нескольких людей у гробницы Скавра. Рядом с ними – женщина, в глазах которой застыл ужас. Возле неё находится художник с красками в ящике, что поставил на голову, – это автопортрет Брюллова. Ближе к центру мы видим семейную пару с детьми. Мужчина пытается укрыть жену и малышей от разрушительной силы природы, но становится ясно, что все эти усилия не принесут результата.

В глубине картины – римский жрец, что пытается спасти ценные ритуальные предметы. Всадник с трудом удерживает коня, что поднялся на дыбы. Неподалёку от него можно увидеть испуганного жениха, что пытается привести в чувство свою невесту, на голове которой виден венок роз. Особенно пронзительными и драматичными мне кажутся образы двух сыновей, что несут своего старого отца на руках. Возле них мы видим юношу, что умоляет свою мать подняться и бежать от этого ужаса. Интересно, что в нём Брюллов показал Плиния Младшего, который действительно сумел спастись из обречённого города.

Спутница художника, Юлия Самойлова, была изображена в трёх ипостасях – разбившейся женщины, упавшей с колесницы, женщины с кувшином и матери, что обнимает двух своих дочерей. Все герои картины создают невероятное ощущение реалистичности происходящего. Зритель сопереживает каждому из участников этой трагедии, ведь кажется, что через мгновение тьма и пепел поглотят весь город, написанный на полотне.

Тот самый Плиний Младший, ставший свидетелем событий в Помпеях, позднее писал о них:

«Слышны были женские вопли, детский писк и крик мужчин, одни окликали родителей, другие детей или жен и старались узнать их по голосам. Одни оплакивали свою гибель, другие гибель близких, некоторые в страхе перед смертью молились о смерти».

Эмоции на картине «Последний день Помпеи».

Всё это мы видим на картине Брюллова «Последний день Помпеи», что переносит нас в далёкий 79 год, когда крупный и процветающий римский город навсегда исчез с лица земли, оставшись в истории и произведениях искусства.

Из серии триптих "Ад Барлоу"

Что вы представляете себе при слове Ад? 9 кругов Данте, где каждому кругу соответствуют свои грехи, а может набор арен, соединенных узкими коридорами, где вы в броне палача рока сокрушаете орды демонов? Или рождественский эпизод Звездных Войн? Так или иначе, Уэйн Барлоу имеет собственное, весьма жуткое, надо сказать, видение этой концепции.

Если вдруг вам покажется, что демоны из галереи выше выглядят как-то знакомо, то вы по сути не ошибаетесь. Если вы смотрели такие фильмы как «Блэйд» или «Хэллбой» от Гильермо дель Торо, то знайте – именно Барлоу приложил руку к дизайну персонажей этих франшиз. Его наиболее известной работой является триптих «Ад Барлоу», с которым вы уже ознакомились выше.

Работы Дариуша Завадского

Польский сюрреалист Дариуш Завадский (1958 года рождения) с самого детства воспринимал мир через призму фантазий, навеянных картинами сюрреалистов вроде Дали, чьими картинами был наполнен дом, а также книгами из родительской библиотеки. Преобладающим мотивом в творчестве художника является тема биомеханики как связующего звена между живым, органическим миром и миром машин.

И если при словах польский киберпанк вам представляется наполненный неоном город будущего, окруженный дикими степями, где балом правят кочевые племена, то у Дариуша Завадского другое мнение на этот счет. Особенностью его творчества также можно назвать и то, что вдохновение для своих работ он черпает исключительно из окружающего мира, а не из фильмов или книг. То, какой будет законченная картина, приходит к художнику не сразу, а в процессе ее создания, поэтому процесс создания больше напоминает проявку фотопленки.

Работы Стефана Койдль

Стефан Койдль – популярный художник-иллюстратор из Австрии. У себя на родине Стефан Койдль является очень востребованным иллюстратором, а его работы широко известны ценителям жанра по всему миру. Тема страха пропитывает их, и даже если вам кажется, что на первый взгляд на картине все нормально, то нужно лишь получше присмотреться, чтобы увидеть, что все не так, как может показаться. Картины художника вдохновлены городскими легендами, рассказами о существах из иных миров, классическими фильмами ужасов, лиминальными пространствами и прочими пугающими, но от того не менее притягательными явлениями, что будоражат умы любителей пощекотать себе нервы и просто случайных зрителей.

...Про свои картины метр говорил: «Я хотел бы рисовать в такой манере, словно это сфотографированные сны».

В конце 90-х годов для художника наступил крайне трагический период. В 1998 году умерла его жена София, которую он любил, а год спустя покончил с собой сын Томаш.

Тело сына нашёл сам Здзислав Бексиньский. Бексиньский не смог примириться со смертью сына и хранил конверт «для Томека в случае, если я протяну ноги» прикреплённым к стене.

22 февраля 2005 года художник был найден мёртвым в своей квартире в Варшаве. На теле Бексиньского было обнаружено 17 колотых ран, две из которых были смертельными. Вскоре после этого были арестованы несовершеннолетний сын коменданта его дома и его друг, которые позднее были признаны виновными. Известно, что незадолго до своей смерти Бексиньский отказался дать деньги в долг этому юноше.

Картина ниже была последней художника, он закончил её в день смерти. Может он предчувствовал свою смерть? Именно такие мысли посещают меня при просмотре его последнего полотна, спокойные тона и умиротворение.

Художник не получил специального образования в области художественного искусства. На самом деле Бексиньский изучал архитектуру в Кракове. В 50-х годах он несколько лет работал на различных строительных площадках в Кракове и Жешуве, проектировал корпусы автобусов и микроавтобусов на заводе Autosan.

Автобус SFW-1 – дизайн Бексиньского

Хотя работы Бексиньского часто выглядят мрачно, сам он был человеком приятным, остроумным и немного застенчивым. О нём больше говорили как о художнике, хотя Бексиньский был также фотографом, иллюстратором, скульптором и графическим дизайнером. Вот некоторые из его работ.

Портрет жены (фотомонтаж)

"Корсет садиста"

"Колыбельная"

"Зона II"

До середины 1980-х годов художник пребывал в периоде, который назвал «фантастическим». В это время он создал свои наиболее известные творения с тревожными образами в сюрреалистической и постапокалиптической среде с очень детализированными сценами смерти, распада и искажёнными фигурами.

На этой картине художник изобразил четырёх всадников, знаменующих Конец света. До сих пор нет единого мнения, что именно олицетворяет каждый из всадников, однако их часто именуют Чума, Война, Голод и Смерть. Эти воины призваны сеять хаос и разрушение в мире.

Виктор Васнецов «Воины Апокалипсиса», 1887 год.

Всадник Чума или Завоеватель восседает на белом коне. Оценка этого образа самая неоднозначная из всех. По одной из версий, этот наездник послан Иисусом для распространения веры. Однако, исходя из того, что остальные всадники явно олицетворяют зло, и принимая во внимание общий стиль появления и описания воинов, многие исследователи делают вывод, что первый всадник тоже олицетворяет зло.

Цитата из библии:

• «И я видел, что Агнец снял первую из семи печатей, и я услышал одно из четырёх животных, говорящее как бы громовым голосом: иди и смотри. Я взглянул, и вот, конь белый, и на нём всадник, имеющий лук, и дан был ему венец; и вышел он как победоносный, и чтобы победить».
• — Откр. 6:1-2

Второй всадник олицетворяет войну. Он мчит на огненно-рыжем коне, размахивая мечом, а за ним разгорается кровавый месяц.

Этот наездник подталкивает людей рваться в бой ради убийства своих собратьев, что приносит человечеству слёзы, боль и разрушения.

В Откровении Иоанна Богослова так рассказывается о нём:

• «И вышел другой конь, рыжий; и сидящему на нем дано взять мир с земли, и чтобы убивали друг друга; и дан ему большой меч».

Третий всадник олицетворяет голод. Его глаза безумны, тело худое и костлявое, напоминающее внешний облик и муки людей, умирающих такой кошмарной смертью.

• «И когда Он снял третью печать, я слышал третье животное, говорящее: иди и смотри. Я взглянул, и вот, конь вороной, и на нём всадник, имеющий меру в руке своей. И слышал я голос посреди четырёх животных, говорящий: хиникс пшеницы за динарий, и три хиникса ячменя за динарий; елея же и вина не повреждай». — Откр. 6:5-6

Замыкает четвёрку всадников Смерть, которая не щадит ни молодых, ни старых, ни бедных, ни богатых, ни грешников, ни праведников.

Каждый попадёт под копыта страшного коня этого воина. Его путь устлан мертвецами, а саван Смерти развевается подобно победному знамени Апокалипсиса.

• «И когда Он снял четвёртую печать, я слышал голос четвёртого животного, говорящий: иди и смотри. И я взглянул, и вот, конь бледный, и на нём всадник, которому имя «смерть»; и ад следовал за ним; и дана ему власть над четвёртою частью земли — умерщвлять мечом и голодом, и мором и зверями земными».
• — Откр. 6:7-8

Картина Виктора Васнецова «Воины Апокалипсиса» действительно вызывает массу эмоций, помогает находить немало важных деталей и символических образов. Несмотря на мрачный сюжет, она заставляет нас понять, насколько ценна жизнь, насколько важно любить её и радоваться возможности встречать каждый новый день.

Васнецов написал картину в 1887 году, когда уже являлся почётным членом Общества передвижников. Творение было преподнесено в качестве дара великому певцу Фёдору Шаляпину, о чём свидетельствует надпись: «Ф.И. Шаляпину В. Васнецов 1887 г.» В настоящее время полотно является частью коллекции Государственного музея истории религии в Санкт-Петербурге.

Как думаете, что выйдет, если совместить мифологию и новейшие достижения науки? Вероятно, нечто совершенно неожиданное и Сальвадор Дали демонстрирует нам пример такого дикого симбиоза. Его картина «Атомная Леда» кажется одним из самых удивительных творений – как среди прочих работ Дали, так и вообще в мировой живописи. Леда, героиня древнегреческих преданий, на полотне Дали прекрасно сочетается с символами совершенно новой, другой эпохи. Вот только автор собирался показать вовсе не контрасты или продвижение технического и культурного прогресса. Идея Дали была куда глубже, причём она остаётся актуальной и в наши дни. Так что же зашифровал живописец на своей картине и о чём предупреждает нас «Атомная Леда»?

«Атомная Леда», это необыкновенное произведение Дали, после своего появления на свет немало удивило даже ценителей творчества мастера. Гладкие линии, томность и изысканность, некая математическая правильность позы – всё это было так несвойственно испанскому сюрреалисту. Интересно, что прежде живописец предпочитал писать лишь фрагменты тел, некие детали, не составляющие единого целого, но пребывающие в некой гармонии друг с другом. Здесь же всё-таки можно увидеть немало логичных и узнаваемых элементов, причём образ Леды кажется полностью завершённым и правильно выстроенным. Но что заставило художника отказаться от прежних принципов?

Сальвадор Дали, 1939 год / © Карл Ван Вехтен.

В 1940 году Сальвадор Дали отправился в Америку, его знакомые говорили, что за океан уехал сюрреалист а возвратился исследователь и философ. Вероятно, так оно и было. В те бурные, сложные и даже страшные годы живописец многое переосмыслил, поменялись его взгляды на жизнь и конечно, это отразилось в творчестве. Ни для кого не секрет, что прошлый век стал порой технического развития и научных достижений. Дали решил отразить всё это, теперь, после возвращения из Америки, он заявил, что объединит классицизм, религию и… квантовую физику. Да-да, он не скрывал, что последнее прямо-таки очаровывает его:

«Меня завораживает всё непонятное. В частности, книги по ядерной физике – умопомрачительный текст».

Сальвадор Дали «Атомная Леда», 1949 год. Местонахождение: Театр-музей Дали, Фигерас, Испания.

Но если в квантовой физике Дали не слишком разбирался, то геометрию можно по праву назвать его сильной стороной. Созданная им «Атомная Леда» отвечала не только принципам живописи, но и неким математическим основам, использованным Дали. Интересно, что фигура Леды размещена на картине так, что если поместить её в пентаграмму, она идеально впишется. Дали всегда придерживался правила золотого сечения, причём гордился своим умением сочетать художественное мастерство и геометрию. Есть предположение, что рождение «Атомной Леды» было своего рода реакцией художника на известие о бомбардировке Хиросимы и Нагасаки. Теперь мир видел, что человечество изобрело поистине страшное оружие, способное в одно мгновение уничтожить миллионы людей. Это осознание отражено и на картине, сам Сальвадор Дали писал:

«Эти взрывы потрясли меня до самых глубин моего естества. Отныне любимой моей темой сделался атом. Многие из пейзажей, написанных мной в тот период, отчетливо выражают глубочайшее чувство страха, который я испытал, узнав о взрывах».

Вдохновлённый информацией о структуре атома, частицы которого разделяет пустота, причём они никогда не соприкасаются, Дали решил создать нечто подобное и в живописи. Посмотрите на «Атомную Леду» – на картине предметы находятся в воздухе, они не наложены друг на друга (как на многих других полотнах мастера). Здесь даже море отделено от земли, что выглядит странно, но вполне логично, если следовать атомной теме.

Бомбардировки Хиросимы и Нагасаки потрясшие Дали.

Изображённая на полотне Леда, персонаж древнегреческих мифов, является возлюбленной Зевса, который обратился в лебедя, чтобы соблазнить свою избранницу. Можно заметить, что от фигуры Леды (писал её Дали, конечно, со своей музы и супруги Галы) и лебедя исходит свечение. Чем дальше от них, тем темнее становятся тона, они – символ жизни и света. При этом пространство вокруг Леды явно напоминает нам о хаосе и разрушениях, которые может вызвать атомный взрыв.

Со своей картины Сальвадор Дали словно бы обращается к каждому из нас, предупреждая: с открытиями и научными достижениями следует быть крайне осторожными, ведь среди них есть те, что способны погубить человечество и вообще всё живое на нашей планете. При этом Дали не пытается нас устрашать или рисовать жуткие образы последствий ядерного удара. Нет, однако в его случае образы столь красноречивы, что прочесть их можно без знания принципов художника.

Так, например в «Атомной Леде» мы видим трон, на котором восседает сама красавица, вот только он парит над землёй. Так мастер показывает разорванность атомной материи, здесь же присутствует разбитая яичная скорлупа. Она служит и олицетворением расщепления атомного ядра при взрыве, и символом уничтоженной жизни.

Конечно, Сальвадор Дали – один из самых необычных и уникальных художников в истории всей мировой живописи. Порой на его картинах можно увидеть сложные, трудночитаемые и фантастические образы. Но как раз в «Атомной Леде» он предельно открыт с каждым из нас. С помощью полотна Дали предостерегает людей от скоропостижных решений и роковых шагов. Атомные технологии прекрасны, как та самая Леда, они открывают новые возможности, но могут оказаться губительными для всего на земле и об этом никогда нельзя забывать.

Выставка "Атомная Леда" и другие образы Гала. Музей Фаберже.

Честно признаюсь, что увидев впервые картину Уильяма Блейка «Великий архитектор», я был и поражен, и восхищён одновременно. Яркость красок и столь необычная подача образа здесь действительно производят ошеломляющее впечатление. Каких только отзывов не получала эта гравюра! Её называли и шедевром, и богохульством, однако Блейку удалось главное – он не оставил равнодушным никого из тех, кому хотя бы раз доводилось видеть «Великого архитектора». И хотя основой сюжета произведения мастера является религиозная тематика, Блейк сумел виртуозно продемонстрировать ветхозаветную историю – так, как не делал никто. Итак, кто же изображён на картине «Великий архитектор» и каковы в этом творении главные изюминки Блейка?

Уильям Блейк был знаменитым английским поэтом, художником и гравером. Он не приобрёл признания при жизни, однако стал популярен уже после смерти. Этот тот самый случай, когда творческий человек поражает нас романтизмом своего мастерства, находящегося где-то между созиданием и разрушением. Известно, что у него случались галлюцинации и странные видения, некоторые из которых он переносил на свои полотна и гравюры. Как истинный творец, Блейк искал новые техники. Он изобрёл рельефный оттиск, который использовал для своих книг и картин. Самой известной серией работ в таком стиле стали многочисленные иллюстрации к Библии.

Томас Филлипс, Портрет Уильяма Блейка, 1807 год. Местонахождение: Национальная портретная галерея, Лондон, Великобритания.

В 1794 году у Уильяма Блейка родился замысел изобразить того, кто и является тем самым «Великим архитектором», а именно – Бога. Первоначальным названием гравюры стало «Ветхий днями» (The Ancient of Days). Это не просто красивое определение, а одно из имён Бога, которое можно встретить в книге пророка Даниила. Именно там указывается настолько подробное описание Творца, что просто поражает воображение:

“Видел я, наконец, что поставлены были престолы, и воссел Ветхий днями; одеяние на Нём было бело, как снег, и волосы главы Его — как чистая волна; престол Его — как пламя огня, колёса Его — пылающий огонь”.

Уильям Блейк «Великий архитектор», 1794 год. Местонахождение: Британский музей, Лондон, Великобритания.

Вторым названием картины стало «Великий архитектор». Здесь, наверное, объяснять не стоит – Бог действительно является создателем Вселенной. Вот только у Блейка мы видим крайне необычное его воплощение. Более того, сам художник называет его Уризен. Это имя – производное от английского слова, означающего разум. Выходит, что в интерпретации Блейка создателем является как сам Господь, так и некий высший разум, воплощением которого Бог является.

Картина «Великий архитектор» – это не просто одно из произведений мастера, а сложное и невероятно гармоничное выражение всех его религиозных чувств. Поразительно, что при жизни автора на эту гравюру практически не обращали внимание, заинтересовались «Великим архитектором» позднее. При этом современные искусствоведы заявляют, что часто замечают в этом творении Блейка новые детали и символы, которых прежде учёные не видели. Вот уж поистине – особенное произведение! Чем же интересна его картина? Первое, что поражает в ней – образ Бога. Это не величественный создатель, а настоящий мастер во время своего серьёзного дела. Нам приходилось видеть его на картинах других живописцев и расслабленным, и суровым, но Бог в интерпретации Блейка – сосредоточен и погружён в себя. «Великий архитектор» – это изображение Бога в момент наиболее напряжённой и кропотливой работы, требующей абсолютной точности. Поскольку в его руках – измерительный инструмент, можно понять, что именно сейчас Творец занимается тем, о чём сказано в Ветхом завете – созданием мира. Более того, здесь нет и речи о неограниченной свободе. Напротив, Блейк показывает нам, что Бог стремится чётко определить рамки и границы. Именно он устанавливает порядок и принципы, по которым будет существовать Вселенная. Здесь нет речи о полной свободе или, тем более, вседозволенности.

В случае с «Великим архитектором» Блейка заметны и иные интересные особенности. Как может показаться, блейковский Бог более всего напоминает ветхозаветного Яхве. С другой стороны, стоит обратить внимание на задний план гравюры. Мы видим, что Бог показан на фоне солнца, яркого и пылающего. Казалось бы, что здесь общего? Однако именно здесь автор отсылает нас к древнейшим языческим временам, когда верховные божества выступали демиургами. «Все религии одинаковы», – заявлял живописец.

Он явно подразумевал некие общие черты, которые действительно можно проследить во многих религиях мира. Практически в каждой из них есть высший разум, творец, тот самый «Великий архитектор», который некогда сотворил мир. И пусть именуют его по-разному, образ верховного бога не слишком изменился со временем, а в верованиях различных народов не слишком выделяется какими-либо уникальными чертами.

Бог показан на фоне солнца, яркого и пылающего.

«Великий архитектор» – гравюра Уильяма Блейка, которая не оставляет равнодушным ни одного зрителя. И хотя по достоинству она была оценена уже после смерти автора, даже в наши дни продолжаются споры относительно символов, изображённых живописцем, и их трактовки. Подача Блейка и его воплощение Бога до сих пор удивляют нас, а потому «Великий архитектор» не теряет своей популярности, о которой, вероятно, сам автор не мог и мечтать.

Автор - Fatih öztürk

С помощью рисования пером и тушью Вирджиния Мори создает элегантные и сюрреалистические интерпретации прозаического. Итальянский иллюстратор и аниматор тяготеет к изображению повседневности, но при этом превращает обыденные моменты в странные потусторонние сцены. Например, когда персонаж берет книгу с полки, проявляется голова, до этого скрытая за томами, или при прогулке по осеннему парку, желтая листва собирается в тень. Эти работы, часто выполнены в минимальной палитре и пастельных тонах, сочетая в себе чувство тревоги, нерешительности и страха.

Ремедиос Варо - испанская сюрреалистка (1908-1963), была по натуре исследователем с желанием открытия невидимого и малоизвестного, и обладала ненасытным любопытством Интересуясь научными дисциплинами, такими как астрономия, экология и психология, наряду с таро и феминизмом, она хотела расширить границы человеческого восприятия. Её цель была в том, чтобы создавать мистические картины, которые не укладываются в логическое понимание, а показывали интуитивное и иррациональное восприятие

Мария де лос Ремедиос Алисия Родрига Варо и Уранга, родилась в Каталонии, и с детства была прирожденным эрудитом, она интересовалась работой своего отца в качестве инженера-гидротехника, читала научно-фантастические романы французского писателя Жюля Верна. Ее желание учиться и познавать повлияли на то, что стало ее художественной практикой. После нескольких лет жизни и работы в Париже Варо, как и многие ее современницы, бежала из Европы перед Второй мировой войной и переехала в Мехико, где жила до тех пор, пока у нее не случился сердечный приступ и она не умерла в возрасте 54 лет.

Очаровательные работы раскрывают нам эзотерические склонности художницы и изобилуют неожиданной магией. Например, “Сотворение птиц” (первая в подборке), показывает гибридного персонажа, похожего на сову, который, рисует крылатых существ, и оживляет их при помощи света далеких звезд. 

Как и тематика работ, процесс их создания, основан на экспериментах и открытиях. Обычно она создавала эскизы или полномасштабные подготовительные наброски, которые переносила на панель или холст. Такая отрисовка обеспечивает структурную поддержку ее основным приемам рисования, таким как промокание, соскабливание и декалькомания, прижатие окрашенного материала к другой поверхности так, чтобы они временно соединялись слоем влажной краски. При разъединении это создает органические, биоморфные плоскости. Огромное количество текстур придает космическое и чарующее настроение работам Варо, которые она создавала слой за слоем, иногда добавляя в композиции натуральные материалы, такие как перламутр.

Несмотря на небольшую известность в мире, художница хорошо зарекомендовала себя в Латинской Америке. Варо являлась частью трио художниц, получившего название “Три Ведьмы”, наряду с Леонорой Каррингтон и фотографом Кати Хорной

Благодаря поиску трансцендентности и трансформации, картины Варо по праву можно считать актом алхимии.

При помощи акварели и гуаши, художник сюрреалист Грэм Франсиозе (Graham Franciose), создает удивительные миры чудес.

На своей нынешней выставке, которая называется - "Что внутри дерева, то внутри тебя, это внутри меня" и проходит в галерее Ergo в Сиэтле, художник показывает климат Тихоокеанского Северо-запада, где он живет с 2017 года и регулярно совершает походы по тропическим лесам этого региона. “Цикл от жизни к смерти никогда еще не был для меня более очевидным, поскольку его здесь демонстрируют многочисленные ”Брёвна-кормилицы", которые здесь  повсеместно" - говорит автор, и продолжает:

Бревно-кормилица - это упавшее дерево или пень гигантского срубленного дерева, которое при разложении породило новую жизнь. Из останков прорастает новое деревце, корни которого рано или поздно достигают земли, и оно продолжит расти вверх и вокруг разлагающегося комка органического вещества, который помог ему появиться на свет.

Увлечение Франсиозе циклом роста и увядания привело к созданию серии работ, в которых основное внимание уделяется неотъемлемому симбиозу между человеком и остальным миром природы. Персонажи сидят на огромных бревнах, из их тел вырастают растения, или они протягивают руки, формируя на картинах магические метафизические повествования.