Продолжение этого поста

"Ненавистники заливают мою работу зелёнкой"

Автор - Владислав Данилов (felicini)

Главная героиня этого мультфильма, по имени Анна, живет рядом с самым настоящим ураганом. Она ограждает себя от хаоса, запираясь дома на большой засов и занимаясь мелкими работами вроде расстановки книг на полках и выравнивания перекошенных рамок для фотографий на стене.

Но однажды сильный ветер перекосил дом Анны, вынудив ее выйти за входную дверь, и мощный вихрь затягивает ее и ключи в окружающий хаос, теперь она должна столкнуться с непредсказуемостью  реальности.

«Торнадо снаружи» — это работа аниматора Марии Томазу и съёмочной группы из Национальной школы кино и телевидения Англии. Этот отмеченный наградами короткометражный фильм создавался методом покадровой анимации в течение года. По словам Томазу, почти все элементы фильма анимировались в подвешенном состоянии с помощью специальных приспособлений.

Уже третий день новогодних каникул, все объелись и наверно самое время опубликовать работы Кейт Дженкинс, и никто не захлебнется слюной при этом.

Эта британская художница, которая при помощи вязания крючком, из пряжи создаёт работы, которые поразительно похожи на свои съедобные прототипы. Ктото у нас тут любит вязать херы, а Дженкинс особенно любит вязать выпечку: в её недавних работах есть бублики с лососем, булки из цельнозернового хлеба и даже фруктовые тарталетки. Художнича прорабатывает каждую деталь, вплоть до крошечных ягод и каперсов, тонко нарезанного красного лука, киви и семян мака, сделанных из чёрных бусин.

Помимо кулинарных изделий, связанных крючком, Дженкинс много лет училась и работала дизайнером трикотажа в мире моды.

Мир знает немало ярких портретов, интересных образов и пейзажей, запечатлённых на картинах, но настоящей редкостью являются картины, пронизанные драматизмом и движением. Именно таким можно назвать творение Карла Брюллова «Последний день Помпеи».

Источником вдохновения для создания этой картины стали исторические события, произошедшие за много столетий до рождения художника. Несмотря на это, воображение Брюллова и его высокое мастерство сотворили истинный шедевр, наполненный динамикой, эмоциями и множеством образов. Какой же он – «Последний день Помпеи»? В декабре 1799 года в семье скульптора французского происхождения родился седьмой ребёнок, которого назвали Карл. Братья мальчика в дальнейшем стали живописцами и архитекторами, однако именно Карлу Брюллову судьба предоставила возможность прославиться благодаря своим шедеврам.

В июле 1827 года художник впервые посетил Неаполь, он побывал около вулкана Везувий, что и стал причиной трагедии, развернувшейся в далёкой древности. На тот момент история о гибели целого города находила отражение в творениях многих именитых мастеров. Когда в 1748 году военный инженер Рокке де Алькубьерре приступил к археологическим раскопкам, произошло открытие Помпеи, что была погребена под вулканическим пеплом и застывшей лавой. В начале XIX века появляются опера и роман, посвящённые этой трагедии.

Карл Брюллов. Дагерротип из собрания Эрмитажа.

Оказавшись на месте раскопок, Брюллов и предположить не мог, что история Помпей отразится в его творчестве, хотя не отметить особой атмосферы этого места он не мог.

«Нельзя пройти сии развалины, не почувствовав в себе какого-то совершенно нового чувства, заставляющего всё забыть, кроме ужасного происшествия с сим городом», – именно так писал Брюллов в своих заметках.

Я не сомневаюсь, что это жуткое ощущение и породило идею написать работу, посвящённую Помпеям. Решив приступить к созданию полотна, посвящённого этой непростой исторической теме, живописец детально изучал археологические источники. Более того, в самом творении Брюллов несколько отходит от привычного ему стиля, склоняясь к романтизму. Его картина рассказывает о трагедии не одного человека, а целого народа, города, заживо погребённого разрушительной мощью Везувия. В построении композиции заметны традиционные особенности классицизма.

Эскиз картины.

Брюллов, что было ему свойственно, старается заключить каждый небольшой сюжет в визуальный треугольник. Это помогает вникнуть в историю каждого персонажа. В процессе написания картины художник старался стоять лицом к вулкану, чтобы тот был виден на холсте (ведь именно он являлся причиной трагедии). Для образов картины «Последний день Помпеи» Брюллов использовал не только вымышленные портреты. Во время той судьбоносной поездки в Неаполь он познакомился с княгиней Юлией Самойловой, которая впоследствии была изображена в трёх образах.

Искусствовед Галина Леонтьева в своих очерках о Брюллове отмечает, что тогда, отправляясь в поездку, ни сам живописец, ни его спутница и представить не могли, что "это нечаянное путешествие приведёт художника к самой высокой вершине его творчества — созданию монументального исторического полотна «Последний день Помпеи»”. В 1833 году работа над полотном была завершена. Из Франции Брюллов отправил работу в Санкт-Петербург, где была преподнесена императору Николаю I, а затем размещена в Эрмитаже. Сегодня же она находится в Государственном Русском музее.

Карл Брюллов «Последний день Помпеи» Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

Далеко не все знаменитые картины наполнены таким количеством интереснейших, живых образов, какие продемонстрировал нам Брюллов в своём творении. Левая часть полотна открывает нам историю нескольких людей у гробницы Скавра. Рядом с ними – женщина, в глазах которой застыл ужас. Возле неё находится художник с красками в ящике, что поставил на голову, – это автопортрет Брюллова. Ближе к центру мы видим семейную пару с детьми. Мужчина пытается укрыть жену и малышей от разрушительной силы природы, но становится ясно, что все эти усилия не принесут результата.

В глубине картины – римский жрец, что пытается спасти ценные ритуальные предметы. Всадник с трудом удерживает коня, что поднялся на дыбы. Неподалёку от него можно увидеть испуганного жениха, что пытается привести в чувство свою невесту, на голове которой виден венок роз. Особенно пронзительными и драматичными мне кажутся образы двух сыновей, что несут своего старого отца на руках. Возле них мы видим юношу, что умоляет свою мать подняться и бежать от этого ужаса. Интересно, что в нём Брюллов показал Плиния Младшего, который действительно сумел спастись из обречённого города.

Спутница художника, Юлия Самойлова, была изображена в трёх ипостасях – разбившейся женщины, упавшей с колесницы, женщины с кувшином и матери, что обнимает двух своих дочерей. Все герои картины создают невероятное ощущение реалистичности происходящего. Зритель сопереживает каждому из участников этой трагедии, ведь кажется, что через мгновение тьма и пепел поглотят весь город, написанный на полотне.

Тот самый Плиний Младший, ставший свидетелем событий в Помпеях, позднее писал о них:

«Слышны были женские вопли, детский писк и крик мужчин, одни окликали родителей, другие детей или жен и старались узнать их по голосам. Одни оплакивали свою гибель, другие гибель близких, некоторые в страхе перед смертью молились о смерти».

Эмоции на картине «Последний день Помпеи».

Всё это мы видим на картине Брюллова «Последний день Помпеи», что переносит нас в далёкий 79 год, когда крупный и процветающий римский город навсегда исчез с лица земли, оставшись в истории и произведениях искусства.

Из серии триптих "Ад Барлоу"

Что вы представляете себе при слове Ад? 9 кругов Данте, где каждому кругу соответствуют свои грехи, а может набор арен, соединенных узкими коридорами, где вы в броне палача рока сокрушаете орды демонов? Или рождественский эпизод Звездных Войн? Так или иначе, Уэйн Барлоу имеет собственное, весьма жуткое, надо сказать, видение этой концепции.

Если вдруг вам покажется, что демоны из галереи выше выглядят как-то знакомо, то вы по сути не ошибаетесь. Если вы смотрели такие фильмы как «Блэйд» или «Хэллбой» от Гильермо дель Торо, то знайте – именно Барлоу приложил руку к дизайну персонажей этих франшиз. Его наиболее известной работой является триптих «Ад Барлоу», с которым вы уже ознакомились выше.

Работы Дариуша Завадского

Польский сюрреалист Дариуш Завадский (1958 года рождения) с самого детства воспринимал мир через призму фантазий, навеянных картинами сюрреалистов вроде Дали, чьими картинами был наполнен дом, а также книгами из родительской библиотеки. Преобладающим мотивом в творчестве художника является тема биомеханики как связующего звена между живым, органическим миром и миром машин.

И если при словах польский киберпанк вам представляется наполненный неоном город будущего, окруженный дикими степями, где балом правят кочевые племена, то у Дариуша Завадского другое мнение на этот счет. Особенностью его творчества также можно назвать и то, что вдохновение для своих работ он черпает исключительно из окружающего мира, а не из фильмов или книг. То, какой будет законченная картина, приходит к художнику не сразу, а в процессе ее создания, поэтому процесс создания больше напоминает проявку фотопленки.

Работы Стефана Койдль

Стефан Койдль – популярный художник-иллюстратор из Австрии. У себя на родине Стефан Койдль является очень востребованным иллюстратором, а его работы широко известны ценителям жанра по всему миру. Тема страха пропитывает их, и даже если вам кажется, что на первый взгляд на картине все нормально, то нужно лишь получше присмотреться, чтобы увидеть, что все не так, как может показаться. Картины художника вдохновлены городскими легендами, рассказами о существах из иных миров, классическими фильмами ужасов, лиминальными пространствами и прочими пугающими, но от того не менее притягательными явлениями, что будоражат умы любителей пощекотать себе нервы и просто случайных зрителей.

...Про свои картины метр говорил: «Я хотел бы рисовать в такой манере, словно это сфотографированные сны».

В конце 90-х годов для художника наступил крайне трагический период. В 1998 году умерла его жена София, которую он любил, а год спустя покончил с собой сын Томаш.

Тело сына нашёл сам Здзислав Бексиньский. Бексиньский не смог примириться со смертью сына и хранил конверт «для Томека в случае, если я протяну ноги» прикреплённым к стене.

22 февраля 2005 года художник был найден мёртвым в своей квартире в Варшаве. На теле Бексиньского было обнаружено 17 колотых ран, две из которых были смертельными. Вскоре после этого были арестованы несовершеннолетний сын коменданта его дома и его друг, которые позднее были признаны виновными. Известно, что незадолго до своей смерти Бексиньский отказался дать деньги в долг этому юноше.

Картина ниже была последней художника, он закончил её в день смерти. Может он предчувствовал свою смерть? Именно такие мысли посещают меня при просмотре его последнего полотна, спокойные тона и умиротворение.

Художник не получил специального образования в области художественного искусства. На самом деле Бексиньский изучал архитектуру в Кракове. В 50-х годах он несколько лет работал на различных строительных площадках в Кракове и Жешуве, проектировал корпусы автобусов и микроавтобусов на заводе Autosan.

Автобус SFW-1 – дизайн Бексиньского

Хотя работы Бексиньского часто выглядят мрачно, сам он был человеком приятным, остроумным и немного застенчивым. О нём больше говорили как о художнике, хотя Бексиньский был также фотографом, иллюстратором, скульптором и графическим дизайнером. Вот некоторые из его работ.

Портрет жены (фотомонтаж)

"Корсет садиста"

"Колыбельная"

"Зона II"

До середины 1980-х годов художник пребывал в периоде, который назвал «фантастическим». В это время он создал свои наиболее известные творения с тревожными образами в сюрреалистической и постапокалиптической среде с очень детализированными сценами смерти, распада и искажёнными фигурами.

Здзислав Бексиньский (Zdzisław Beksiński, 24 февраля 1929 — 22 февраля 2005 г.) - польский художник и фотограф. Если к творчеству какого-либо художника и можно в полной применить эпитет "мрачное искусство" то это только Здзислав Бексиньский. Каждая его работа это пропитана безысходностью, мраком, ужасом и гнетущей атмосферой, хотя сам автор считал, что многие его работы недопоняты, так как они достаточно оптимистичны и даже забавны. Бексиньский всегда выполнял свои работы в одной из двух манер, которые он называл баро́чной и готической.

Здзислав практически никогда (за редким исключением) не давал названия своим картинам. Обезличивая картины, художник не сковывал фантазию ценителя рамками заложенной идеи и позволил каждому создать свою уникальную интерпретацию.

"Король и королева", исключение

Художник приобрел широкую популярность не только на родине. В 80-х произведения художника получили известность во Франции, и он достиг серьёзной популярности в Западной Европе, Японии и США. Бексиньский единственный современный польский художник, который выставлялся в Музее искусств в Осаке (Япония).

На этой картине художник изобразил четырёх всадников, знаменующих Конец света. До сих пор нет единого мнения, что именно олицетворяет каждый из всадников, однако их часто именуют Чума, Война, Голод и Смерть. Эти воины призваны сеять хаос и разрушение в мире.

Виктор Васнецов «Воины Апокалипсиса», 1887 год.

Всадник Чума или Завоеватель восседает на белом коне. Оценка этого образа самая неоднозначная из всех. По одной из версий, этот наездник послан Иисусом для распространения веры. Однако, исходя из того, что остальные всадники явно олицетворяют зло, и принимая во внимание общий стиль появления и описания воинов, многие исследователи делают вывод, что первый всадник тоже олицетворяет зло.

Цитата из библии:

• «И я видел, что Агнец снял первую из семи печатей, и я услышал одно из четырёх животных, говорящее как бы громовым голосом: иди и смотри. Я взглянул, и вот, конь белый, и на нём всадник, имеющий лук, и дан был ему венец; и вышел он как победоносный, и чтобы победить».
• — Откр. 6:1-2

Второй всадник олицетворяет войну. Он мчит на огненно-рыжем коне, размахивая мечом, а за ним разгорается кровавый месяц.

Этот наездник подталкивает людей рваться в бой ради убийства своих собратьев, что приносит человечеству слёзы, боль и разрушения.

В Откровении Иоанна Богослова так рассказывается о нём:

• «И вышел другой конь, рыжий; и сидящему на нем дано взять мир с земли, и чтобы убивали друг друга; и дан ему большой меч».

Третий всадник олицетворяет голод. Его глаза безумны, тело худое и костлявое, напоминающее внешний облик и муки людей, умирающих такой кошмарной смертью.

• «И когда Он снял третью печать, я слышал третье животное, говорящее: иди и смотри. Я взглянул, и вот, конь вороной, и на нём всадник, имеющий меру в руке своей. И слышал я голос посреди четырёх животных, говорящий: хиникс пшеницы за динарий, и три хиникса ячменя за динарий; елея же и вина не повреждай». — Откр. 6:5-6

Замыкает четвёрку всадников Смерть, которая не щадит ни молодых, ни старых, ни бедных, ни богатых, ни грешников, ни праведников.

Каждый попадёт под копыта страшного коня этого воина. Его путь устлан мертвецами, а саван Смерти развевается подобно победному знамени Апокалипсиса.

• «И когда Он снял четвёртую печать, я слышал голос четвёртого животного, говорящий: иди и смотри. И я взглянул, и вот, конь бледный, и на нём всадник, которому имя «смерть»; и ад следовал за ним; и дана ему власть над четвёртою частью земли — умерщвлять мечом и голодом, и мором и зверями земными».
• — Откр. 6:7-8

Картина Виктора Васнецова «Воины Апокалипсиса» действительно вызывает массу эмоций, помогает находить немало важных деталей и символических образов. Несмотря на мрачный сюжет, она заставляет нас понять, насколько ценна жизнь, насколько важно любить её и радоваться возможности встречать каждый новый день.

Васнецов написал картину в 1887 году, когда уже являлся почётным членом Общества передвижников. Творение было преподнесено в качестве дара великому певцу Фёдору Шаляпину, о чём свидетельствует надпись: «Ф.И. Шаляпину В. Васнецов 1887 г.» В настоящее время полотно является частью коллекции Государственного музея истории религии в Санкт-Петербурге.

Скульптура – не просто один из видов изобразительного искусства. Это – необыкновенная форма передачи идеи мастера, истинное волшебство, при котором неживой предмет, бесформенное сырьё превращается в нечто одушевлённое и прекрасное. Поскольку скульптура существует не на плоскости а в трёхмерном пространстве, она даёт возможность авторам сделать образ более ярким и выразительным.

Однако не стоит забывать, что это – сложнейшая разновидность искусства. А какой может быть скульптура? Какие её жанры и разновидности выделяют специалисты? Я предлагаю получше ознакомиться с принципами ваяния – одного из самых интересных и древних видов искусства

Сказать о том, когда появились первые скульптуры, созданные руками человека, попросту невозможно. Свои умения в области ваяния люди стали проявлять ещё в древнейшие времена. Считается, что таким образом они хотели выразить свои представления, сохранить память об облике божеств или определённых явлений. Несомненно, первые скульптуры были связаны с религиозными культами.

Антуан Луи Бари «Лев и змея», бронза, 1835 год. Местонахождение: Лувр, Париж, Франция.

В дальнейшем скульптуры стали приобретать всё более чёткие формы, реалистичность и гармонию в своём воплощении. Однако религия по-прежнему оставалась господствующим направлением в деятельности ваятелей. Вспомните о знаменитых статуях Древней Греции или Древнего Египта. Практически все они посвящены божествам или царям, которых считали воплощением богов.

Стела Ипи, Древний Египет, вторая половина XIV в. до н.э., известняк.

Постепенно менялся и материал, что использовало большинство скульпторов. Впрочем, у мастеров существовали и личные предпочтения. Мы привыкли, что скульптура – это произведение искусства из камня, но далеко не всегда для создания неповторимого образа использовали мрамор или другие разновидности минералов. Не менее популярным материалом является бронза. И если мрамор прекрасно подходит для создания нежных линий и форм, то бронзовые изваяния могут в полной мере запечатлеть динамику и энергию. Неспроста многих древних героев античные мастера отливали из бронзы, что подчёркивала мужественность и движение.

Грегор Эрхарт «Святая Мария Магдалина», начало XVI век, липа. Местонахождение: Лувр, Париж, Франция.

А вот одним из самых древних материалов стало дерево. Им пользовались ещё на заре существования человечества. Особое уважение к деревянным скульптурам было и в средние века, а в эпоху Ренессанса деревянными творениями нередко украшали кафедры церквей и соборов. Единственным минусом таких изделий стала их недолговечность, из-за чего многие знаменитые творения, описанные в источниках, современные люди так и не смогли увидеть. Помимо этого, распространёнными были изваяния из драгоценных металлов, искусственного камня и стекла. Материалом для создания скульптур могут быть даже растения.

Каждая скульптура имеет своё предназначение. Одна напоминает нам о грозном божестве, некогда существовавшей в религии народа, другая заставляет задуматься о вполне приземлённых вещах, а третья и вовсе открывает нам какой-нибудь известный сюжет. Специалисты условно разделяют скульптуры на три разновидности: монументальную, монументально-декоративную и станковую. Если говорить о первом виде, монументальной скульптуре, то сразу стоит отметить: такие творения должны иметь прямую связь с городской средой или местностью, где установлены, её историей.

Е.В.Вучетич, Н.В. Никитин Знаменитая скульптура Родина-мать зовёт, 1959-1967 годы. Местонахождение: Волгоград, Россия.

Мастер здесь старается передать идею, что будет ясна жителям данной местности. К монументальному типу относится большинство памятников, которые мы знаем. Самым известным примером изваяния такого типа является скульптура «Родина-мать зовёт!» Е.В.Вучетича и Н.В.Никитина.

Монументально-декоративные творения выполняют несколько иную функцию. Их главное предназначение – украшение определённого объекта (здания, фонтана), но при этом подчёркивается масштабность и величие замысла автора. Ярким примером являются все виды садово-парковой скульптуры. Но, пожалуй, самым известным вариантом монументально-декоративной разновидности ваяния стали атланты, установленные на крыльце перед главным входом в Новый Эрмитаж.

Но если предыдущие два вида зависят от окружающей обстановки и связаны с ней, то станковая скульптура принадлежит к совершенно свободному типу. Она может быть выполнена в натуральном или уменьшенном размере, нередко исполняет декоративную функцию, однако совершенно не связана с местностью или местом, где находится. Это – свободный замысел художника. Самый распространённый тип станковой скульптуры – портрет, поскольку такой вариант позволяет зрителю рассмотреть  персонажа со всех сторон, а значит и создать своё впечатление о нём.

Скульптор А. И. Теребенёв, проект Лео фон Кленце. Атланты у главного входа в Новый Эрмитаж, 1842-1851 годы. Местонахождение: Санкт-Петербург, Россия.

Скульптуры могут иметь различную форму, мастера выделяют две главных разновидности: рельефная и круглая. Последний вариант может ввести в заблуждение, вызвав ассоциации с шаром, но это не так. К круглым изваяниям относятся все те, которые можно обойти с трёх сторон и осмотреть. А вот рельеф предполагает изображение, задняя часть которого представляет плоскую поверхность. При этом в горельефе на переднем плане фигуры выступают наполовину, в барельефе – немного меньше, а в контррельефе и вовсе словно утоплены в камне.

Рельеф с Ашшурбанипалом, убивающим льва, 645-635 гг. до н. э. Местонахождение: Британский музей, Лондон, Великобритания.

Скульптура как вид искусства уже давно стала частью нашей жизни. Мы видим их в городских парках и на площадях, они украшают фасады зданий и внутреннее убранство помещений. Изваяния всегда добавляют красоты и осмысленности, создают неповторимый стиль и колорит. А главное – за каждым из этих творений кроются кропотливый труд, неповторимый замысел, воображение и талант мастера.

 «Демон сидящий» написанный Михаилом Врубелем - это произведение признано шедевром, оно действительно способно поразить воображение. При первом взгляде даже кажется, что перед нами не картина а панно – настолько своеобразной кажется техника живописца. Об этом демоническом творении до сих пор идут споры а искусствоведы высказывают новые предположения относительно идеи автора, заложенной в сюжете. Для многих людей «Демон сидящий» – образ борьбы, сомнений, силы человеческого духа. Но при этом он остаётся ярким мифическим персонажем. Что же вдохновило Врубеля написать столь необыкновенного героя, как сложились судьбы картины и художника?

Знаменитая картина русского художника Михаила Врубеля «Демон сидящий» была напрямую связана с юбилейным изданием поэмы М.Ю.Лермонтова «Демон». В 1891 году художник создал три десятка иллюстраций к этому сборнику. Подавляющее большинство творений относилось именно к демонической поэме. Как и любой живописец, Врубель начал написание картины с подготовки эскиза. Тот был создан в 1890 году, а сегодня хранится в Третьяковской галерее. Без сомнения, работа над новым творением вдохновляла художника. Врубель писал:

“Вот уже с месяц я пишу Демона, то есть не то чтобы монументального Демона, которого я напишу еще со временем, а демоническое — полуобнаженная, крылатая, молодая уныло-задумчивая фигура сидит, обняв колена, на фоне заката и смотрит на цветущую поляну, с которой ей протягиваются ветви, гнущиеся под цветами”.

Михаил Александрович Врубель, автопортрет, 1904 год. Местонахождение: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

Сложно дать более точное описание картины, чем это сделал сам её автор. Практически всё полотно занимает могучая фигура Демона. Атлетически сложенный молодой мужчина сцепил руки и вглядывается вдаль. Его глаза полны тревоги, поза крайне напряжённая, однако на фоне терзаний и сомнений чувствуется некая внутренняя сила, что заложена в нём. Вдали виднеются горы на фоне заката, но они не играют ведущей роли. Основа картины – фигура самого Демона. Кажется, она с трудом вмещается в рамки холста, которые слишком тесны для этого героя.

Михаил Александрович Врубель «Демон сидящий», 1890 год. Местонахождение: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

Далеко не всем известно, что у Врубеля была не одна картина а целая серия работ на демоническую тематику. После «Демона сидящего» живописец создаст «Демона летящего» со сверкающим горящим взглядом и «Демона поверженного» с опустошёнными глазами. В каждом из таких персонажей художник видел и стремился показать нечто большее, чем мифическую сущность и принадлежность к иному миру. Врубеля манило всё мистическое, и это прослеживается в его творчестве. Однако он видел таких потусторонних гостей нашего мира страдальцами, скорбящими посланниками, что вынуждены были известить людей о неизбежности чего-то горестного и ужасного.

Сам живописец говорил: “Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всём этом дух властный, величавый”. Согласитесь, подобный подход к демоническим персонажам крайне необычен. Но и судьба самого Врубеля отличалась от многих – увы, в трагическом контексте.

На момент написания «Демона сидящего» психическое состояние Врубеля было относительно нормальным. И всё-таки его знакомые отмечали, что с художником происходит что-то неладное. В письме сестре Надежда Забела, супруга Врубеля, отмечала: “В речах его никогда не было бессмыслицы, он узнавал всех, всё помнил. Он сделался лишь гораздо самоувереннее, перестал стесняться с людьми и говорил без умолку”.

Михаил Врубель со своей женой и музой Надеждой Забелой.

К сожалению, эта активность переросла в болезненное возбуждение. Через некоторое время живописец уже считал себя то Христом, то русским царём, то Пушкиным. Он заявлял, что слышит хоровые песнопения, которые были приняты в эпоху Возрождения, заявлял, будто является Микеланджело и Рафаэлем. Причиной ухудшения здоровья Врубеля, не отличавшегося стойкой психикой, стали перенапряжение, истощение, депрессивные расстройства. В значительной мере повлияло и неприятие обществом его работ. Даже родной отец Михаила, увидев первые наброски Демона, приказал уничтожить подобное творение. Публика находила картины Врубеля дьявольскими и уродливыми.

Однако постепенно общество стало менять своё отношение к работам Врубеля. В поддержку художника Бенуа и Дягилевым была организована выставка его картин, прошедшая в 1902 году. Теперь уже отзывы критиков были менее жёсткими, однако в выздоровление Врубеля мало кто верил. Врачи не давали положительных прогнозов. Тема Демона вновь захватила Врубеля спустя 9 лет.

Незавершённая картина «Демон летящий», 1899 год. Местонахождение: Государственный Русский музей, Санкт-Петербург, Россия.

Через полгода интенсивного лечения живописец, казалось бы, пошёл на поправку. Его состояние стало стабилизироваться, он уже планировал возвращение к нормальной жизни. Но теперь судьба приготовила новые потрясения – смерть сына. Этого удара художник перенести не мог. Он впал в депрессию, морил себя голодом, мечтая свести счёты с жизнью. Погрузившись в пучину безумия и ослепнув, Врубель провёл остаток своих дней в клинике для душевнобольных. До последнего дня он не мог вырваться из постоянных галлюцинаций.

 «Демон поверженный», 1902 год. Местонахождение: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

Несомненно, «Демон сидящий» был особенной картиной как для самого художника, так и для всей его жизни. Страшная судьба живописца и странные образы, созданные им, заставляют задуматься: где же проходит грань гениального и безумного? Какие образы преследовали живописца в последние годы его жизни? На этот вопрос мы не узнаем ответа, но наверняка эти персонажи были бы запечатлены в поистине гениальных и необыкновенных демонических творениях Врубеля.

В течение последних 17 лет Ирина Вернинг (Irina Werning) путешествовала по Латинской Америке, фотографируя женщин и девочек для серии работ "Лас Пелиларгас", или "Длинноволосые". Снятые в цвете и черно-белом варианте, портреты документируют особую культурную практику через объектив и немного сюрреалистический взляд автора. Многие модели скрыты за своими раскошными  локонами, как и их индивидуальность, иногда даже, кажется, что волосы поглощают своих вледелиц.

Вернинг начала эту серию в 2006 году, когда люди общались друг с другом в основном оффлайн. “Тогда, в отсутствие социальных сетей, я ездила в горные городки и оставалась там месяцами, развешивая вывески на рынках, в школах, чтобы найти моделей, и даже организовывала конкурсы длинных волос”.

Во многих общинах коренных народов Аргентины, где проживает Вернинг, и во всей Латинской Америке в целом волосы духовно привязывают женщин к природе и более широким практикам, пропагандирующим уважение и заботу о земле. Как она недавно сказалла в одном из интервью, “Лидер общины Колла (крупнейшего коренного населения Аргентины) однажды сказал мне: "Ваши волосы важны; это ваша связь с землей. Это учение, которое передается из поколения в поколение”.

Несмотря на то, что ее подход к созданию сюжетов и  уникальных способов поделиться своими историями изменились с момента начала проекта, намерение Вернинг осталось неизменным:  рассказать и почтить традицию, смысл которой она описывает словами “их длинные волосы это терпение, любовь и самоотверженность, проявленные в течение многих лет их отращивания”. На фотографиях представлено множество декораций, начиная от пустынных пейзажей и помещения для занятий конным спортом, раздевалки и театральные балконы, и в каждом есть элемент заигрывания со зрителем

Когда вышла новая экранизация «Мастера и Маргариты», по всему интернету вспыхнули горячие обсуждения. И хотя я не смотрела сериал, жар пылающих седалищ был слишком велик, чтобы оставить его без внимания. Одно мнение особенно меня заинтересовало – мол, нельзя так сексуализировать дьявола, он ведь зло. Если коротенько – льзя. Всю историю существования христианского Сатаны люди этим и занимались.

Сразу небольшой дисклеймер: в этой статье я рассматриваю христианство как мифологию, подверженную влиянию других культур, лишённую единого канона и имеющую сотни различных версий. Суть дьявола и причина его свержения с небес неоднократно менялись, и вдаваться в богословские детали – скучно и нудно. Я здесь чтобы показывать нюдисы Люцифера, а не рассуждать о признанных церквями канонах.

Так вот, вернёмся ненадолго к истокам.

Образ бога, свергнутого с небес за какой-то грех, был весьма распространён в культуре южной Европы и того, что сейчас зовётся Ближним Востоком. Считается, что Люцифер пришёл в христианство из греко-римской мифологии, где он был воплощением Венеры – утренней звезды (Венера-планета и Венера-звезда считались разными объектами у древних римлян, поэтому имели разных божеств).

Все же помнят, как греко-римляне изображали своих богов и героев?

Мне не удалось нагуглить статую взрослого греко-римского Люцифера, поэтому вот рандомный фавн для примера.

Дохристианский Люцифер был сыном Кефала – бога настолько прекрасного, что Аврора (Эос), богиня зари, похитила его и спрятала в своих владения, чтобы безраздельно обладать им. Надо полагать, сынок унаследовал черты своих родителей.

Что любопытно, по другим версиям (греко-римская мифология тоже не славится наличием единого канона) сына Кефала и Авроры звали Фаэтон – тот самый, который пытался стать Солнцем, но вёл огненную колесницу слишком низко к земле. От её жара запылали растения, и Зевс, дабы решить проблему, сбросил Фаэтона с неба.

В христианство Люцифер пришёл в первом веке нашей эры, удачно наложившись на уже существовавший еврейский миф о свергнутом с небес ангеле.

Версий, почему же его свергли, было много. То он хотел сам стать творцом, то отказался пасть ниц перед Адамом, не признав человека венцом творения… По одной из них, Сатану и других падших ангелов отправили в ад за то, что они спускались на землю, чтобы блудить с человеческими женщинами.

Так или иначе падение ничуть не повредило внешности Люцифера. В Раннем Средневековье его изображали таким же как и верных ангелов.

Стоит отметить, что когда пала Римская империя и закончился Древний Мир, искусство знатно деградировало, и даже прекрасных ангелов изображали далёкими от стандартов красоты и реалистичности.

Эта мозаика VI века считается первым (сохранившимся до наших дней) христианским изображением Люцифера. В центре Иисус отделяет овец-праведников от козлов-грешников, а справа от него, в синем, сидит Люцифер.

Впрочем, довольно быстро этот образ вытеснило другое представление Сатаны – как рогатого козлоногого чёрта.

Одна из причин этих изменений – подчеркнуть его похоть. Похоть и сексуальность в те времена считались пороком, уродством души. А уродство души должно влечь за собой уродство внешнее.

Добродетель в христианстве соседствовала с целомудрием и целибатом. Чем дальше человек от мирского, тем ближе он к богу. Старцы-скопцы и монахини, до смерти хранившие девственность, стали образцом праведности. Человек должен отказаться от животных позывов сношаться со всеми подряд, а секс должен преследовать только одну богоугодную цель – зачатие детей. Без зачатия и тем более ради удовольствия он греховен.

Соответственно Сатана должен олицетворять противоположность этому – страсть и сексуальность, стремление к низменным животным желаниям и греховным удовольствиям. Пробираться в кельи и соблазнять монашек, тусить на шабашах с ведьмами и уводить от пути божьего благочестивых братьев.

А кто является лучшей иллюстрацией для этого, нежели Пан и его похотливые сатиры? Версия, что греческий бог стал прототипом рогатого чёрта не самая основательная — изображений главного дьявола Раннего Средневековья сохранилось очень мало, и в его истории получился резкий скачок от человекоподобного ангела к звериной хтони.

Однако связь Люцифера с козлоногоми прослеживается и на вышеупомянутой мозаике VI века, где козлами изображены грешники. А ведь царь греха и сам должен им уподобляться. Поэтому художники рисовали его с животными чертами, с каждым веком всё более гротескно и сюрреалистично.

Он обрастал рогами и лицами по всему телу – особенно на заду и в паху, что намекало на «греховный поцелуй» (оральный секс). Сменил крылья из перьев на кожистые как у летучей мыши, чему немало способствовала «Божественная комедия» Данте. Она же популяризировала образ трёхликого Дьявола – насмешку над триединством Бога.

Много веков официальное христианство пыталось донести толпе, что плотские утехи – уродство души, и тот, кто ими увлекается, внешне должен быть столь же уродлив. Впрочем, это не останавливало ни реальных людей от блуда, ни авторов от сочинения многочисленных историй о развлечениях ведьм на шабашах.

А потом Средневековье закончилось, началась Эпоха Возрождения и задала тренды на много столетий вперёд. Церковь с её догматами отошла на второй план, и мирское возобладало над духовным. Дьявол из пугалки для грешников превратился в объект искусства.

А искусство вернулось к истокам – к античным представлениям о красоте.

Кому-то может показаться, что это оргия культуристов, но на самом деле это падшие ангелы - падают. 

Мускулистые качки, минимум одежды и эстетичные позы, чтобы они могли в полной мере демонстрировать накачанность своих мышц.

Церковь и её меценаты, главные заказчики произведений искусства на религиозные темы, внезапно (не очень внезапно на самом деле, период перехода растянулся на несколько поколений) стали совсем не против, а очень даже за то, чтобы расписывать стены изображениями обнажённых молодых людей.

Сексуализировать стали всё. Абсолютно всё. Нарисовать истину или грех в виде обнажённой женщины? Почему бы и да. Использовать своих любовников как натуру для святых? Сам титан возрождения занимался этим. Мифические герои, правосудие, смерть – никто не избежал этой участи.

Даже Иисус.

Что уж говорить про ангелов, которые считались чистейшим образцом красоты.

Не забыли творцы и про Люцифера – хоть он и падший, но всё-таки ангел. А значит выглядеть должен соответствующе. Отчего некоторые фрески и картины, изображающие борьбу добра со злом, начали напоминать сцены из гачимучи (видимо греху чревоугодия предавались только женщины, да и то без энтузиазма).

Немалую роль в сексуализации Дьявола сыграла поэма Джона Мильтона «Потерянный рай». Автор использовал до сих пор обожаемый девочками троп непонятого антигероя, который идёт к благой цели неблагими средствами. В общем, выставил Люцифера страдающим красавчиком, который на самом деле желал добра.

В некотором роде, это задало тон многим последующим произведениям о демонах — от романтизма, вроде лермонтовского «Демона», до «Мастера и Маргариты» или современных сериалов, вроде «Люцифера».

Многочисленные иллюстрации к поэме изображали главаря падших ангелов соответствующе.

Некоторые богословы одобряли такой подход. Появилась даже версия, что дьявол должен быть таким – с идеальным телом, сексуальным и обаятельным, дабы соблазнять людей и уводить их с истинного пути. Он ведь князь лжи, а значит и облик его должен быть фальшивым, прятать рогатую морду под прекрасным ангельским лицом.

Но были и те, кто считал иначе. С тех самых пор ведутся разговоры, допустимо ли делать Люцифера настолько привлекательным. Не приведёт ли это к тому, что зрители и читатели соблазнятся и начнут почитать его больше, чем бога? Не уводит ли к греху чтение книг и разглядывание картин?

По большей части это были споры фанатиков — подобные тому, как сейчас «Гарри Поттера» или видеоигры обвиняют прославлении сатанизма и прочих некультурностей.

Впрочем, некоторые творцы заметно перегибали, и делали владыку ада слишком горячим. Особенно забавным был случай двух братьев-скульпторов Гефсов. Церковь заказала младшему Йозефу поверженного Люцифера для комплекса, который должен был показывать торжество светлых сил над злом. И Йозеф сделал.

«Гений зла» сидел у подножья комплекса, растерянный и печальный. Только «небрежно наброшенный» шарфик прикрывал его наготу.

Шёл XIX век, к стройным обнажённым юнцам в церквях уже все привыкли, и статую приняли без вопросов. Но потом выяснилось, что этот Сатана уж слишком соблазнителен. Молодые прихожанки не могли думать о высоком в его присутствии и предавались греховным мыслям.

Поэтому церковь собрала комиссию для решения – может ли дьявол быть настолько сексуальным. И комиссия постановила – нет, статую надо заменить.

Замену поручили сделать брату Йозефа – Гийому. Но то ли церковь не дала ему внятное ТЗ, то ли скульптор неправильно его понял… Гийом вероятно решил, что первый Люцифер был отвергнут, потому что недостаточно горяч.

Второй «Гений зла» был старше, тряпочка на нём больше и греховных мыслей он наверняка тоже вызывал больше. Однако его церковь заменять уже не стала — то ли не хотела тратить деньги на ещё одного скульптора, то ли её удовлетворило возросшее число прихожан — к тому времени история о слишком горячем Люцифере уже стала известной, и люди шли поглазеть на него из любопытства.

***

Разумеется, это только одна сторона искусства на библейские темы, ограниченная моим опытом. Художников много, и представления о дьяволе были очень разными. Пока одни рисовали его молодым красавцем, другие делали его рогатым и уродливым. Пока одни использовали его для создания романтических сюжетов, другие делали из него устрашение для верующих.

К чему всё это? К тому, сексуализировать дьявола люди начали много веков назад, и новые сериалы лишь продолжают старые традиции. Можно было написать эту мысль и короче, но тогда не хватило бы места для всех этих картин и статуй.

Честно признаюсь, что увидев впервые картину Уильяма Блейка «Великий архитектор», я был и поражен, и восхищён одновременно. Яркость красок и столь необычная подача образа здесь действительно производят ошеломляющее впечатление. Каких только отзывов не получала эта гравюра! Её называли и шедевром, и богохульством, однако Блейку удалось главное – он не оставил равнодушным никого из тех, кому хотя бы раз доводилось видеть «Великого архитектора». И хотя основой сюжета произведения мастера является религиозная тематика, Блейк сумел виртуозно продемонстрировать ветхозаветную историю – так, как не делал никто. Итак, кто же изображён на картине «Великий архитектор» и каковы в этом творении главные изюминки Блейка?

Уильям Блейк был знаменитым английским поэтом, художником и гравером. Он не приобрёл признания при жизни, однако стал популярен уже после смерти. Этот тот самый случай, когда творческий человек поражает нас романтизмом своего мастерства, находящегося где-то между созиданием и разрушением. Известно, что у него случались галлюцинации и странные видения, некоторые из которых он переносил на свои полотна и гравюры. Как истинный творец, Блейк искал новые техники. Он изобрёл рельефный оттиск, который использовал для своих книг и картин. Самой известной серией работ в таком стиле стали многочисленные иллюстрации к Библии.

Томас Филлипс, Портрет Уильяма Блейка, 1807 год. Местонахождение: Национальная портретная галерея, Лондон, Великобритания.

В 1794 году у Уильяма Блейка родился замысел изобразить того, кто и является тем самым «Великим архитектором», а именно – Бога. Первоначальным названием гравюры стало «Ветхий днями» (The Ancient of Days). Это не просто красивое определение, а одно из имён Бога, которое можно встретить в книге пророка Даниила. Именно там указывается настолько подробное описание Творца, что просто поражает воображение:

“Видел я, наконец, что поставлены были престолы, и воссел Ветхий днями; одеяние на Нём было бело, как снег, и волосы главы Его — как чистая волна; престол Его — как пламя огня, колёса Его — пылающий огонь”.

Уильям Блейк «Великий архитектор», 1794 год. Местонахождение: Британский музей, Лондон, Великобритания.

Вторым названием картины стало «Великий архитектор». Здесь, наверное, объяснять не стоит – Бог действительно является создателем Вселенной. Вот только у Блейка мы видим крайне необычное его воплощение. Более того, сам художник называет его Уризен. Это имя – производное от английского слова, означающего разум. Выходит, что в интерпретации Блейка создателем является как сам Господь, так и некий высший разум, воплощением которого Бог является.

Картина «Великий архитектор» – это не просто одно из произведений мастера, а сложное и невероятно гармоничное выражение всех его религиозных чувств. Поразительно, что при жизни автора на эту гравюру практически не обращали внимание, заинтересовались «Великим архитектором» позднее. При этом современные искусствоведы заявляют, что часто замечают в этом творении Блейка новые детали и символы, которых прежде учёные не видели. Вот уж поистине – особенное произведение! Чем же интересна его картина? Первое, что поражает в ней – образ Бога. Это не величественный создатель, а настоящий мастер во время своего серьёзного дела. Нам приходилось видеть его на картинах других живописцев и расслабленным, и суровым, но Бог в интерпретации Блейка – сосредоточен и погружён в себя. «Великий архитектор» – это изображение Бога в момент наиболее напряжённой и кропотливой работы, требующей абсолютной точности. Поскольку в его руках – измерительный инструмент, можно понять, что именно сейчас Творец занимается тем, о чём сказано в Ветхом завете – созданием мира. Более того, здесь нет и речи о неограниченной свободе. Напротив, Блейк показывает нам, что Бог стремится чётко определить рамки и границы. Именно он устанавливает порядок и принципы, по которым будет существовать Вселенная. Здесь нет речи о полной свободе или, тем более, вседозволенности.

В случае с «Великим архитектором» Блейка заметны и иные интересные особенности. Как может показаться, блейковский Бог более всего напоминает ветхозаветного Яхве. С другой стороны, стоит обратить внимание на задний план гравюры. Мы видим, что Бог показан на фоне солнца, яркого и пылающего. Казалось бы, что здесь общего? Однако именно здесь автор отсылает нас к древнейшим языческим временам, когда верховные божества выступали демиургами. «Все религии одинаковы», – заявлял живописец.

Он явно подразумевал некие общие черты, которые действительно можно проследить во многих религиях мира. Практически в каждой из них есть высший разум, творец, тот самый «Великий архитектор», который некогда сотворил мир. И пусть именуют его по-разному, образ верховного бога не слишком изменился со временем, а в верованиях различных народов не слишком выделяется какими-либо уникальными чертами.

Бог показан на фоне солнца, яркого и пылающего.

«Великий архитектор» – гравюра Уильяма Блейка, которая не оставляет равнодушным ни одного зрителя. И хотя по достоинству она была оценена уже после смерти автора, даже в наши дни продолжаются споры относительно символов, изображённых живописцем, и их трактовки. Подача Блейка и его воплощение Бога до сих пор удивляют нас, а потому «Великий архитектор» не теряет своей популярности, о которой, вероятно, сам автор не мог и мечтать.

Виктор Михайлович Васнецов родился 15 мая 1848, Лопьял, Уржумский уезд, Вятская губерния, Российская империя. Умер 23 июля 1926, Москва, СССР) — русский художник-живописец и архитектор, мастер исторической и фольклорной живописи.

В самом начале 1896 года Виктор Васнецов закончил картину "Сирин и Алконост. Песнь радости и печали". Уже через два дня её доставили в дом великого князя Сергея Александровича и его жены Елизаветы Федоровны, с которыми художник был дружен.

Виктор Васнецов. Сирин и Алконост. Песнь радости и печали, 1896 год.

В основе сюжета картины Виктора Васнецова лежат образы, созданные народной фантазией славян. Но более глубокие истоки восходят к восточной и греческой мифологиям. На картине изображены мифические птицы Сирин и Алконост, которые в византийских и русских средневековых легендах символизировали райских птиц. Условно картину можно поделить на две части: левую - темную и правую - светлую. Так повелось в русской традиции, что левая сторона всегда была дурной, связанной с печалью и увяданием. Правая, наоборот была хорошей, воплощала надежду, радость и наслаждение.

Этой традиции придержался и Васнецов в своей работе. Слева, в темном образе, он изобразил птицу Сирин. В славянской традиции Сирины - это полулюди-полуптицы, обоеполые, поющие настолько сладкие песни, что слышавший их теряет рассудок, идёт на голос, не замечая пути, падает в воду и умирает. Даже по своему звучанию имя этих птиц напоминает древнегреческих сирен, губивших отважных моряков своими сладкоголосыми песнями. На картине Васнецова оперение птицы Сирин темное, её голова склонилась вниз а лицо искажено страданием.

Напротив, птицу Алконост Васнецов изобразил в светлых тонах. У Алконоста светлое оперение, румяное лицо, раскрывающиеся крылья. Песни птицы считались утешительными и ассоциировались с радостью.

Но обратите внимание, птицы сидят на ветвях одного дерева а за их спинами фоном изображен рассвет. Они как бы неразделимы друг от друга. И неизвестно, что принесет новый день - радость или печаль. Какая птица перепоет другую. Обе девы-птицы едины и неделимы - вечные спутники жизни каждого человека. И в этом великая гармония жизни.