Посетила свою художечку родную. нарисовала красивую картиночку

если бы ваш друг приставил пистолет к вашей голове? 

"не тот ствол ты поднёс к моему лицу" 

 «Демон сидящий» написанный Михаилом Врубелем - это произведение признано шедевром, оно действительно способно поразить воображение. При первом взгляде даже кажется, что перед нами не картина а панно – настолько своеобразной кажется техника живописца. Об этом демоническом творении до сих пор идут споры а искусствоведы высказывают новые предположения относительно идеи автора, заложенной в сюжете. Для многих людей «Демон сидящий» – образ борьбы, сомнений, силы человеческого духа. Но при этом он остаётся ярким мифическим персонажем. Что же вдохновило Врубеля написать столь необыкновенного героя, как сложились судьбы картины и художника?

Знаменитая картина русского художника Михаила Врубеля «Демон сидящий» была напрямую связана с юбилейным изданием поэмы М.Ю.Лермонтова «Демон». В 1891 году художник создал три десятка иллюстраций к этому сборнику. Подавляющее большинство творений относилось именно к демонической поэме. Как и любой живописец, Врубель начал написание картины с подготовки эскиза. Тот был создан в 1890 году, а сегодня хранится в Третьяковской галерее. Без сомнения, работа над новым творением вдохновляла художника. Врубель писал:

“Вот уже с месяц я пишу Демона, то есть не то чтобы монументального Демона, которого я напишу еще со временем, а демоническое — полуобнаженная, крылатая, молодая уныло-задумчивая фигура сидит, обняв колена, на фоне заката и смотрит на цветущую поляну, с которой ей протягиваются ветви, гнущиеся под цветами”.

Михаил Александрович Врубель, автопортрет, 1904 год. Местонахождение: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

Сложно дать более точное описание картины, чем это сделал сам её автор. Практически всё полотно занимает могучая фигура Демона. Атлетически сложенный молодой мужчина сцепил руки и вглядывается вдаль. Его глаза полны тревоги, поза крайне напряжённая, однако на фоне терзаний и сомнений чувствуется некая внутренняя сила, что заложена в нём. Вдали виднеются горы на фоне заката, но они не играют ведущей роли. Основа картины – фигура самого Демона. Кажется, она с трудом вмещается в рамки холста, которые слишком тесны для этого героя.

Михаил Александрович Врубель «Демон сидящий», 1890 год. Местонахождение: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

Далеко не всем известно, что у Врубеля была не одна картина а целая серия работ на демоническую тематику. После «Демона сидящего» живописец создаст «Демона летящего» со сверкающим горящим взглядом и «Демона поверженного» с опустошёнными глазами. В каждом из таких персонажей художник видел и стремился показать нечто большее, чем мифическую сущность и принадлежность к иному миру. Врубеля манило всё мистическое, и это прослеживается в его творчестве. Однако он видел таких потусторонних гостей нашего мира страдальцами, скорбящими посланниками, что вынуждены были известить людей о неизбежности чего-то горестного и ужасного.

Сам живописец говорил: “Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всём этом дух властный, величавый”. Согласитесь, подобный подход к демоническим персонажам крайне необычен. Но и судьба самого Врубеля отличалась от многих – увы, в трагическом контексте.

На момент написания «Демона сидящего» психическое состояние Врубеля было относительно нормальным. И всё-таки его знакомые отмечали, что с художником происходит что-то неладное. В письме сестре Надежда Забела, супруга Врубеля, отмечала: “В речах его никогда не было бессмыслицы, он узнавал всех, всё помнил. Он сделался лишь гораздо самоувереннее, перестал стесняться с людьми и говорил без умолку”.

Михаил Врубель со своей женой и музой Надеждой Забелой.

К сожалению, эта активность переросла в болезненное возбуждение. Через некоторое время живописец уже считал себя то Христом, то русским царём, то Пушкиным. Он заявлял, что слышит хоровые песнопения, которые были приняты в эпоху Возрождения, заявлял, будто является Микеланджело и Рафаэлем. Причиной ухудшения здоровья Врубеля, не отличавшегося стойкой психикой, стали перенапряжение, истощение, депрессивные расстройства. В значительной мере повлияло и неприятие обществом его работ. Даже родной отец Михаила, увидев первые наброски Демона, приказал уничтожить подобное творение. Публика находила картины Врубеля дьявольскими и уродливыми.

Однако постепенно общество стало менять своё отношение к работам Врубеля. В поддержку художника Бенуа и Дягилевым была организована выставка его картин, прошедшая в 1902 году. Теперь уже отзывы критиков были менее жёсткими, однако в выздоровление Врубеля мало кто верил. Врачи не давали положительных прогнозов. Тема Демона вновь захватила Врубеля спустя 9 лет.

Незавершённая картина «Демон летящий», 1899 год. Местонахождение: Государственный Русский музей, Санкт-Петербург, Россия.

Через полгода интенсивного лечения живописец, казалось бы, пошёл на поправку. Его состояние стало стабилизироваться, он уже планировал возвращение к нормальной жизни. Но теперь судьба приготовила новые потрясения – смерть сына. Этого удара художник перенести не мог. Он впал в депрессию, морил себя голодом, мечтая свести счёты с жизнью. Погрузившись в пучину безумия и ослепнув, Врубель провёл остаток своих дней в клинике для душевнобольных. До последнего дня он не мог вырваться из постоянных галлюцинаций.

 «Демон поверженный», 1902 год. Местонахождение: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

Несомненно, «Демон сидящий» был особенной картиной как для самого художника, так и для всей его жизни. Страшная судьба живописца и странные образы, созданные им, заставляют задуматься: где же проходит грань гениального и безумного? Какие образы преследовали живописца в последние годы его жизни? На этот вопрос мы не узнаем ответа, но наверняка эти персонажи были бы запечатлены в поистине гениальных и необыкновенных демонических творениях Врубеля.

Как думаете, что выйдет, если совместить мифологию и новейшие достижения науки? Вероятно, нечто совершенно неожиданное и Сальвадор Дали демонстрирует нам пример такого дикого симбиоза. Его картина «Атомная Леда» кажется одним из самых удивительных творений – как среди прочих работ Дали, так и вообще в мировой живописи. Леда, героиня древнегреческих преданий, на полотне Дали прекрасно сочетается с символами совершенно новой, другой эпохи. Вот только автор собирался показать вовсе не контрасты или продвижение технического и культурного прогресса. Идея Дали была куда глубже, причём она остаётся актуальной и в наши дни. Так что же зашифровал живописец на своей картине и о чём предупреждает нас «Атомная Леда»?

«Атомная Леда», это необыкновенное произведение Дали, после своего появления на свет немало удивило даже ценителей творчества мастера. Гладкие линии, томность и изысканность, некая математическая правильность позы – всё это было так несвойственно испанскому сюрреалисту. Интересно, что прежде живописец предпочитал писать лишь фрагменты тел, некие детали, не составляющие единого целого, но пребывающие в некой гармонии друг с другом. Здесь же всё-таки можно увидеть немало логичных и узнаваемых элементов, причём образ Леды кажется полностью завершённым и правильно выстроенным. Но что заставило художника отказаться от прежних принципов?

Сальвадор Дали, 1939 год / © Карл Ван Вехтен.

В 1940 году Сальвадор Дали отправился в Америку, его знакомые говорили, что за океан уехал сюрреалист а возвратился исследователь и философ. Вероятно, так оно и было. В те бурные, сложные и даже страшные годы живописец многое переосмыслил, поменялись его взгляды на жизнь и конечно, это отразилось в творчестве. Ни для кого не секрет, что прошлый век стал порой технического развития и научных достижений. Дали решил отразить всё это, теперь, после возвращения из Америки, он заявил, что объединит классицизм, религию и… квантовую физику. Да-да, он не скрывал, что последнее прямо-таки очаровывает его:

«Меня завораживает всё непонятное. В частности, книги по ядерной физике – умопомрачительный текст».

Сальвадор Дали «Атомная Леда», 1949 год. Местонахождение: Театр-музей Дали, Фигерас, Испания.

Но если в квантовой физике Дали не слишком разбирался, то геометрию можно по праву назвать его сильной стороной. Созданная им «Атомная Леда» отвечала не только принципам живописи, но и неким математическим основам, использованным Дали. Интересно, что фигура Леды размещена на картине так, что если поместить её в пентаграмму, она идеально впишется. Дали всегда придерживался правила золотого сечения, причём гордился своим умением сочетать художественное мастерство и геометрию. Есть предположение, что рождение «Атомной Леды» было своего рода реакцией художника на известие о бомбардировке Хиросимы и Нагасаки. Теперь мир видел, что человечество изобрело поистине страшное оружие, способное в одно мгновение уничтожить миллионы людей. Это осознание отражено и на картине, сам Сальвадор Дали писал:

«Эти взрывы потрясли меня до самых глубин моего естества. Отныне любимой моей темой сделался атом. Многие из пейзажей, написанных мной в тот период, отчетливо выражают глубочайшее чувство страха, который я испытал, узнав о взрывах».

Вдохновлённый информацией о структуре атома, частицы которого разделяет пустота, причём они никогда не соприкасаются, Дали решил создать нечто подобное и в живописи. Посмотрите на «Атомную Леду» – на картине предметы находятся в воздухе, они не наложены друг на друга (как на многих других полотнах мастера). Здесь даже море отделено от земли, что выглядит странно, но вполне логично, если следовать атомной теме.

Бомбардировки Хиросимы и Нагасаки потрясшие Дали.

Изображённая на полотне Леда, персонаж древнегреческих мифов, является возлюбленной Зевса, который обратился в лебедя, чтобы соблазнить свою избранницу. Можно заметить, что от фигуры Леды (писал её Дали, конечно, со своей музы и супруги Галы) и лебедя исходит свечение. Чем дальше от них, тем темнее становятся тона, они – символ жизни и света. При этом пространство вокруг Леды явно напоминает нам о хаосе и разрушениях, которые может вызвать атомный взрыв.

Со своей картины Сальвадор Дали словно бы обращается к каждому из нас, предупреждая: с открытиями и научными достижениями следует быть крайне осторожными, ведь среди них есть те, что способны погубить человечество и вообще всё живое на нашей планете. При этом Дали не пытается нас устрашать или рисовать жуткие образы последствий ядерного удара. Нет, однако в его случае образы столь красноречивы, что прочесть их можно без знания принципов художника.

Так, например в «Атомной Леде» мы видим трон, на котором восседает сама красавица, вот только он парит над землёй. Так мастер показывает разорванность атомной материи, здесь же присутствует разбитая яичная скорлупа. Она служит и олицетворением расщепления атомного ядра при взрыве, и символом уничтоженной жизни.

Конечно, Сальвадор Дали – один из самых необычных и уникальных художников в истории всей мировой живописи. Порой на его картинах можно увидеть сложные, трудночитаемые и фантастические образы. Но как раз в «Атомной Леде» он предельно открыт с каждым из нас. С помощью полотна Дали предостерегает людей от скоропостижных решений и роковых шагов. Атомные технологии прекрасны, как та самая Леда, они открывают новые возможности, но могут оказаться губительными для всего на земле и об этом никогда нельзя забывать.

Выставка "Атомная Леда" и другие образы Гала. Музей Фаберже.

Когда вышла новая экранизация «Мастера и Маргариты», по всему интернету вспыхнули горячие обсуждения. И хотя я не смотрела сериал, жар пылающих седалищ был слишком велик, чтобы оставить его без внимания. Одно мнение особенно меня заинтересовало – мол, нельзя так сексуализировать дьявола, он ведь зло. Если коротенько – льзя. Всю историю существования христианского Сатаны люди этим и занимались.

Сразу небольшой дисклеймер: в этой статье я рассматриваю христианство как мифологию, подверженную влиянию других культур, лишённую единого канона и имеющую сотни различных версий. Суть дьявола и причина его свержения с небес неоднократно менялись, и вдаваться в богословские детали – скучно и нудно. Я здесь чтобы показывать нюдисы Люцифера, а не рассуждать о признанных церквями канонах.

Так вот, вернёмся ненадолго к истокам.

Образ бога, свергнутого с небес за какой-то грех, был весьма распространён в культуре южной Европы и того, что сейчас зовётся Ближним Востоком. Считается, что Люцифер пришёл в христианство из греко-римской мифологии, где он был воплощением Венеры – утренней звезды (Венера-планета и Венера-звезда считались разными объектами у древних римлян, поэтому имели разных божеств).

Все же помнят, как греко-римляне изображали своих богов и героев?

Мне не удалось нагуглить статую взрослого греко-римского Люцифера, поэтому вот рандомный фавн для примера.

Дохристианский Люцифер был сыном Кефала – бога настолько прекрасного, что Аврора (Эос), богиня зари, похитила его и спрятала в своих владения, чтобы безраздельно обладать им. Надо полагать, сынок унаследовал черты своих родителей.

Что любопытно, по другим версиям (греко-римская мифология тоже не славится наличием единого канона) сына Кефала и Авроры звали Фаэтон – тот самый, который пытался стать Солнцем, но вёл огненную колесницу слишком низко к земле. От её жара запылали растения, и Зевс, дабы решить проблему, сбросил Фаэтона с неба.

В христианство Люцифер пришёл в первом веке нашей эры, удачно наложившись на уже существовавший еврейский миф о свергнутом с небес ангеле.

Версий, почему же его свергли, было много. То он хотел сам стать творцом, то отказался пасть ниц перед Адамом, не признав человека венцом творения… По одной из них, Сатану и других падших ангелов отправили в ад за то, что они спускались на землю, чтобы блудить с человеческими женщинами.

Так или иначе падение ничуть не повредило внешности Люцифера. В Раннем Средневековье его изображали таким же как и верных ангелов.

Стоит отметить, что когда пала Римская империя и закончился Древний Мир, искусство знатно деградировало, и даже прекрасных ангелов изображали далёкими от стандартов красоты и реалистичности.

Эта мозаика VI века считается первым (сохранившимся до наших дней) христианским изображением Люцифера. В центре Иисус отделяет овец-праведников от козлов-грешников, а справа от него, в синем, сидит Люцифер.

Впрочем, довольно быстро этот образ вытеснило другое представление Сатаны – как рогатого козлоногого чёрта.

Одна из причин этих изменений – подчеркнуть его похоть. Похоть и сексуальность в те времена считались пороком, уродством души. А уродство души должно влечь за собой уродство внешнее.

Добродетель в христианстве соседствовала с целомудрием и целибатом. Чем дальше человек от мирского, тем ближе он к богу. Старцы-скопцы и монахини, до смерти хранившие девственность, стали образцом праведности. Человек должен отказаться от животных позывов сношаться со всеми подряд, а секс должен преследовать только одну богоугодную цель – зачатие детей. Без зачатия и тем более ради удовольствия он греховен.

Соответственно Сатана должен олицетворять противоположность этому – страсть и сексуальность, стремление к низменным животным желаниям и греховным удовольствиям. Пробираться в кельи и соблазнять монашек, тусить на шабашах с ведьмами и уводить от пути божьего благочестивых братьев.

А кто является лучшей иллюстрацией для этого, нежели Пан и его похотливые сатиры? Версия, что греческий бог стал прототипом рогатого чёрта не самая основательная — изображений главного дьявола Раннего Средневековья сохранилось очень мало, и в его истории получился резкий скачок от человекоподобного ангела к звериной хтони.

Однако связь Люцифера с козлоногоми прослеживается и на вышеупомянутой мозаике VI века, где козлами изображены грешники. А ведь царь греха и сам должен им уподобляться. Поэтому художники рисовали его с животными чертами, с каждым веком всё более гротескно и сюрреалистично.

Он обрастал рогами и лицами по всему телу – особенно на заду и в паху, что намекало на «греховный поцелуй» (оральный секс). Сменил крылья из перьев на кожистые как у летучей мыши, чему немало способствовала «Божественная комедия» Данте. Она же популяризировала образ трёхликого Дьявола – насмешку над триединством Бога.

Много веков официальное христианство пыталось донести толпе, что плотские утехи – уродство души, и тот, кто ими увлекается, внешне должен быть столь же уродлив. Впрочем, это не останавливало ни реальных людей от блуда, ни авторов от сочинения многочисленных историй о развлечениях ведьм на шабашах.

А потом Средневековье закончилось, началась Эпоха Возрождения и задала тренды на много столетий вперёд. Церковь с её догматами отошла на второй план, и мирское возобладало над духовным. Дьявол из пугалки для грешников превратился в объект искусства.

А искусство вернулось к истокам – к античным представлениям о красоте.

Кому-то может показаться, что это оргия культуристов, но на самом деле это падшие ангелы - падают. 

Мускулистые качки, минимум одежды и эстетичные позы, чтобы они могли в полной мере демонстрировать накачанность своих мышц.

Церковь и её меценаты, главные заказчики произведений искусства на религиозные темы, внезапно (не очень внезапно на самом деле, период перехода растянулся на несколько поколений) стали совсем не против, а очень даже за то, чтобы расписывать стены изображениями обнажённых молодых людей.

Сексуализировать стали всё. Абсолютно всё. Нарисовать истину или грех в виде обнажённой женщины? Почему бы и да. Использовать своих любовников как натуру для святых? Сам титан возрождения занимался этим. Мифические герои, правосудие, смерть – никто не избежал этой участи.

Даже Иисус.

Что уж говорить про ангелов, которые считались чистейшим образцом красоты.

Не забыли творцы и про Люцифера – хоть он и падший, но всё-таки ангел. А значит выглядеть должен соответствующе. Отчего некоторые фрески и картины, изображающие борьбу добра со злом, начали напоминать сцены из гачимучи (видимо греху чревоугодия предавались только женщины, да и то без энтузиазма).

Немалую роль в сексуализации Дьявола сыграла поэма Джона Мильтона «Потерянный рай». Автор использовал до сих пор обожаемый девочками троп непонятого антигероя, который идёт к благой цели неблагими средствами. В общем, выставил Люцифера страдающим красавчиком, который на самом деле желал добра.

В некотором роде, это задало тон многим последующим произведениям о демонах — от романтизма, вроде лермонтовского «Демона», до «Мастера и Маргариты» или современных сериалов, вроде «Люцифера».

Многочисленные иллюстрации к поэме изображали главаря падших ангелов соответствующе.

Некоторые богословы одобряли такой подход. Появилась даже версия, что дьявол должен быть таким – с идеальным телом, сексуальным и обаятельным, дабы соблазнять людей и уводить их с истинного пути. Он ведь князь лжи, а значит и облик его должен быть фальшивым, прятать рогатую морду под прекрасным ангельским лицом.

Но были и те, кто считал иначе. С тех самых пор ведутся разговоры, допустимо ли делать Люцифера настолько привлекательным. Не приведёт ли это к тому, что зрители и читатели соблазнятся и начнут почитать его больше, чем бога? Не уводит ли к греху чтение книг и разглядывание картин?

По большей части это были споры фанатиков — подобные тому, как сейчас «Гарри Поттера» или видеоигры обвиняют прославлении сатанизма и прочих некультурностей.

Впрочем, некоторые творцы заметно перегибали, и делали владыку ада слишком горячим. Особенно забавным был случай двух братьев-скульпторов Гефсов. Церковь заказала младшему Йозефу поверженного Люцифера для комплекса, который должен был показывать торжество светлых сил над злом. И Йозеф сделал.

«Гений зла» сидел у подножья комплекса, растерянный и печальный. Только «небрежно наброшенный» шарфик прикрывал его наготу.

Шёл XIX век, к стройным обнажённым юнцам в церквях уже все привыкли, и статую приняли без вопросов. Но потом выяснилось, что этот Сатана уж слишком соблазнителен. Молодые прихожанки не могли думать о высоком в его присутствии и предавались греховным мыслям.

Поэтому церковь собрала комиссию для решения – может ли дьявол быть настолько сексуальным. И комиссия постановила – нет, статую надо заменить.

Замену поручили сделать брату Йозефа – Гийому. Но то ли церковь не дала ему внятное ТЗ, то ли скульптор неправильно его понял… Гийом вероятно решил, что первый Люцифер был отвергнут, потому что недостаточно горяч.

Второй «Гений зла» был старше, тряпочка на нём больше и греховных мыслей он наверняка тоже вызывал больше. Однако его церковь заменять уже не стала — то ли не хотела тратить деньги на ещё одного скульптора, то ли её удовлетворило возросшее число прихожан — к тому времени история о слишком горячем Люцифере уже стала известной, и люди шли поглазеть на него из любопытства.

***

Разумеется, это только одна сторона искусства на библейские темы, ограниченная моим опытом. Художников много, и представления о дьяволе были очень разными. Пока одни рисовали его молодым красавцем, другие делали его рогатым и уродливым. Пока одни использовали его для создания романтических сюжетов, другие делали из него устрашение для верующих.

К чему всё это? К тому, сексуализировать дьявола люди начали много веков назад, и новые сериалы лишь продолжают старые традиции. Можно было написать эту мысль и короче, но тогда не хватило бы места для всех этих картин и статуй.

Листая давеча гугл в поисках известного мема «Хоспаде, а разговоров-то было…», я обнаружила, что на картине в правом верхнем углу есть круг из звёзд. Мне стало интересно, что это такое – символ? Престолы Яхве? Инопланетяне? Какой тайный смысл в нём сокрыт?

В общем, результаты моих поисков я несу вам – а то чего это я одна потратила полчаса своей жизни на сию бесполезную информацию.

Как многим, наверное, известно – это картина итальянского художника Гвидо Рени, написанная в 17-м веке. Называется она «Вакх и Ариадна» и изображает довольно популярный в живописи сюжет из греческой мифологии.

Ариадна, как известно тем, кто усердно учился в пятом классе и читал сборники Куна, помогла Тесею выбраться из лабиринта Минотавра, дав ему клубок ниток, чтобы отмечать пройденный путь. С её помощью герой победил челобыка и, прихватив с собой влюблённую в него Ариадну, уплыл с острова.

А вот что было дальше каждый древний грек описывал по-своему. Одни писали, что Ариадна жила с Тесеем долго и счастливо до первых родов, во время которых и умерла. Другие — что её застрелила Артемида за то, что парочка недостаточно уважала богов.

Однако нас интересует версия, которая изображена на картине. Согласно ей, Тесей оказался неблагодарным ушлёпком. Потешившись вволю с беззащитной девушкой, он бросил её одну на маленьком острове и уплыл на поиски приключений.

Собственно, белые треугольнички у правого края – это корабли Тесея, покидающие остров.

На счастье Ариадны мимо проходил Бахус (он же Вакх, он же Дионис) – бог вина, вдохновения и беспорядочных половых связей. А разве может греческий бог равнодушно пройти мимо обнажённой женщины?

Картина Гвидо Рени изображает их первую встречу.

Посмотрите на эту позу:

Уверенность, мощь, красный плащ победителя, пухлые бочка, свидетельствующие о том, что у их владельца нет проблем с финансами – парниша явно подкатывает к даме. Согласно мифу, он приехал к ней на колеснице, запряжённой тиграми, намекая, что он лучше какого-то жалкого смертного Тесея.

И намерения у него тоже серьёзные – влюбившись в Ариадну с первого взгляда, Бахус сразу предложил ей свадьбу. Что для бога вакханалий и вакханок уже нечто немыслимое.

Поза Ариадны, вопреки расхожему мнению и сути мема, отнюдь не выражает её отношение к размерам достоинства жениха. Вся её фигура обращена к уплывающим кораблям – она ещё горюет по бросившему её Тесею и тянется к нему. Однако взгляд Ариадны обращён в небо – на тот самый круг из семи звёзд.

Далее по сюжету мифа она согласится на предложение Бахуса. Боги устроят шикарную свадьбу. Богиня красоты Афродита (или Гефест – тут греки снова не определились с каноном) подарит ей сияющий венец, сам Зевс сделает её бессмертной, и будет она жить со своим мужем долго и счастливо, пока её не убьёт мимопроходящий херой Персей.

После чего умирающую Ариадну (или только её венец, или её, венец и Бахуса – снова расхождения в каноне) боги унесут на небо, где она станет созвездием – Северной короной, венцом Ариадны.

Девушка на картине всё ещё тянется к Тесею, но взгляд её обращён в небо, где она видит круг из звёзд – знамение будущего, счастливой жизни вместе с Бахусом и вполне приемлемой по меркам древнегреческих мифов смерти.

Намёк, что несмотря на тоску по бывшему и маленькость Бахуса, она уже готова согласиться на его предложение руки и сердца (или что там предлагали древние греки).

Звёздная корона часто встречается в картинах с этим сюжетом (а их много, очень много). Где-то таким же созвездием в небе – как, например, на картине Тициана, который изобразил её в перспективе под наклоном, то бишь овалом.

На ней же Бахус явился Ариадне при полном параде, вместе с колесницей, вакханками, фавнами, свиной ножкой и странным чуваком, который решил вместо одежды использовать змей.

У других художников Бахус сам даёт Ариадне корону из звёзд, как доказательство своих серьёзных намерений.

Некоторые изображали крону более физической — не звёзды в небе, а обычный металлический венец. А заодно заменяли вакханок на похотливых фавнов.

А кто-то делал и то, и другое. Ещё один итальянец — Франческо Солимена – изобразил как Афродита дарит Ариадне свадебный венец, а корона из звёзд сияет в небе.

Иронично, что в его версии Тесей даже не успел далеко уплыть – стоит в правой части картины и офигивает от того, что стоило только отвернуться, как к его девушке набежали боги и устроили вакханалию.

А вот на некоторых мемах короны из звёзд нет.

Отчасти потому, что и на оригинальной картине она едва видна — стоит чуть потыкать настройки яркости/контрастности, пережать во славу места на сервере и вот уже корона исчезла. Отчасти потому, что некоторые берут для мема не оригинал, а современные копии картины Гвидо Рени. А копировальщики почему-то часто пропускают эту деталь. Отчасти потому, что и те и другие часто обрезают верхний край картины, делая её более квадратной.

Сегодня весь день туплю в Твиттер и несу вам коттент оттуда

(Автор котов)

Картины "Морская болезнь 1" и "Морская болезнь 2" (если гугл правильно перевёл название с французского) от Bruno Pontiroli

Авокады акварельные на бумаге зернистой форматов а5

Бумаг дешёвый, известный, госзнак. По 17 рублёв за лист огромный.

Страница из второго моего скетчбука (да, я до сих пор его не закончила) 

...то просто не надевайте его

Картина Наннет Воннегут, дочери моего любимого американского писателя Курта Воннегута.

"Too much coffee"