Из серии триптих "Ад Барлоу"

Что вы представляете себе при слове Ад? 9 кругов Данте, где каждому кругу соответствуют свои грехи, а может набор арен, соединенных узкими коридорами, где вы в броне палача рока сокрушаете орды демонов? Или рождественский эпизод Звездных Войн? Так или иначе, Уэйн Барлоу имеет собственное, весьма жуткое, надо сказать, видение этой концепции.

Если вдруг вам покажется, что демоны из галереи выше выглядят как-то знакомо, то вы по сути не ошибаетесь. Если вы смотрели такие фильмы как «Блэйд» или «Хэллбой» от Гильермо дель Торо, то знайте – именно Барлоу приложил руку к дизайну персонажей этих франшиз. Его наиболее известной работой является триптих «Ад Барлоу», с которым вы уже ознакомились выше.

Работы Дариуша Завадского

Польский сюрреалист Дариуш Завадский (1958 года рождения) с самого детства воспринимал мир через призму фантазий, навеянных картинами сюрреалистов вроде Дали, чьими картинами был наполнен дом, а также книгами из родительской библиотеки. Преобладающим мотивом в творчестве художника является тема биомеханики как связующего звена между живым, органическим миром и миром машин.

И если при словах польский киберпанк вам представляется наполненный неоном город будущего, окруженный дикими степями, где балом правят кочевые племена, то у Дариуша Завадского другое мнение на этот счет. Особенностью его творчества также можно назвать и то, что вдохновение для своих работ он черпает исключительно из окружающего мира, а не из фильмов или книг. То, какой будет законченная картина, приходит к художнику не сразу, а в процессе ее создания, поэтому процесс создания больше напоминает проявку фотопленки.

Работы Стефана Койдль

Стефан Койдль – популярный художник-иллюстратор из Австрии. У себя на родине Стефан Койдль является очень востребованным иллюстратором, а его работы широко известны ценителям жанра по всему миру. Тема страха пропитывает их, и даже если вам кажется, что на первый взгляд на картине все нормально, то нужно лишь получше присмотреться, чтобы увидеть, что все не так, как может показаться. Картины художника вдохновлены городскими легендами, рассказами о существах из иных миров, классическими фильмами ужасов, лиминальными пространствами и прочими пугающими, но от того не менее притягательными явлениями, что будоражат умы любителей пощекотать себе нервы и просто случайных зрителей.

...Про свои картины метр говорил: «Я хотел бы рисовать в такой манере, словно это сфотографированные сны».

В конце 90-х годов для художника наступил крайне трагический период. В 1998 году умерла его жена София, которую он любил, а год спустя покончил с собой сын Томаш.

Тело сына нашёл сам Здзислав Бексиньский. Бексиньский не смог примириться со смертью сына и хранил конверт «для Томека в случае, если я протяну ноги» прикреплённым к стене.

22 февраля 2005 года художник был найден мёртвым в своей квартире в Варшаве. На теле Бексиньского было обнаружено 17 колотых ран, две из которых были смертельными. Вскоре после этого были арестованы несовершеннолетний сын коменданта его дома и его друг, которые позднее были признаны виновными. Известно, что незадолго до своей смерти Бексиньский отказался дать деньги в долг этому юноше.

Картина ниже была последней художника, он закончил её в день смерти. Может он предчувствовал свою смерть? Именно такие мысли посещают меня при просмотре его последнего полотна, спокойные тона и умиротворение.

Художник не получил специального образования в области художественного искусства. На самом деле Бексиньский изучал архитектуру в Кракове. В 50-х годах он несколько лет работал на различных строительных площадках в Кракове и Жешуве, проектировал корпусы автобусов и микроавтобусов на заводе Autosan.

Автобус SFW-1 – дизайн Бексиньского

Хотя работы Бексиньского часто выглядят мрачно, сам он был человеком приятным, остроумным и немного застенчивым. О нём больше говорили как о художнике, хотя Бексиньский был также фотографом, иллюстратором, скульптором и графическим дизайнером. Вот некоторые из его работ.

Портрет жены (фотомонтаж)

"Корсет садиста"

"Колыбельная"

"Зона II"

До середины 1980-х годов художник пребывал в периоде, который назвал «фантастическим». В это время он создал свои наиболее известные творения с тревожными образами в сюрреалистической и постапокалиптической среде с очень детализированными сценами смерти, распада и искажёнными фигурами.

Здзислав Бексиньский (Zdzisław Beksiński, 24 февраля 1929 — 22 февраля 2005 г.) - польский художник и фотограф. Если к творчеству какого-либо художника и можно в полной применить эпитет "мрачное искусство" то это только Здзислав Бексиньский. Каждая его работа это пропитана безысходностью, мраком, ужасом и гнетущей атмосферой, хотя сам автор считал, что многие его работы недопоняты, так как они достаточно оптимистичны и даже забавны. Бексиньский всегда выполнял свои работы в одной из двух манер, которые он называл баро́чной и готической.

Здзислав практически никогда (за редким исключением) не давал названия своим картинам. Обезличивая картины, художник не сковывал фантазию ценителя рамками заложенной идеи и позволил каждому создать свою уникальную интерпретацию.

"Король и королева", исключение

Художник приобрел широкую популярность не только на родине. В 80-х произведения художника получили известность во Франции, и он достиг серьёзной популярности в Западной Европе, Японии и США. Бексиньский единственный современный польский художник, который выставлялся в Музее искусств в Осаке (Япония).

 «Демон сидящий» написанный Михаилом Врубелем - это произведение признано шедевром, оно действительно способно поразить воображение. При первом взгляде даже кажется, что перед нами не картина а панно – настолько своеобразной кажется техника живописца. Об этом демоническом творении до сих пор идут споры а искусствоведы высказывают новые предположения относительно идеи автора, заложенной в сюжете. Для многих людей «Демон сидящий» – образ борьбы, сомнений, силы человеческого духа. Но при этом он остаётся ярким мифическим персонажем. Что же вдохновило Врубеля написать столь необыкновенного героя, как сложились судьбы картины и художника?

Знаменитая картина русского художника Михаила Врубеля «Демон сидящий» была напрямую связана с юбилейным изданием поэмы М.Ю.Лермонтова «Демон». В 1891 году художник создал три десятка иллюстраций к этому сборнику. Подавляющее большинство творений относилось именно к демонической поэме. Как и любой живописец, Врубель начал написание картины с подготовки эскиза. Тот был создан в 1890 году, а сегодня хранится в Третьяковской галерее. Без сомнения, работа над новым творением вдохновляла художника. Врубель писал:

“Вот уже с месяц я пишу Демона, то есть не то чтобы монументального Демона, которого я напишу еще со временем, а демоническое — полуобнаженная, крылатая, молодая уныло-задумчивая фигура сидит, обняв колена, на фоне заката и смотрит на цветущую поляну, с которой ей протягиваются ветви, гнущиеся под цветами”.

Михаил Александрович Врубель, автопортрет, 1904 год. Местонахождение: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

Сложно дать более точное описание картины, чем это сделал сам её автор. Практически всё полотно занимает могучая фигура Демона. Атлетически сложенный молодой мужчина сцепил руки и вглядывается вдаль. Его глаза полны тревоги, поза крайне напряжённая, однако на фоне терзаний и сомнений чувствуется некая внутренняя сила, что заложена в нём. Вдали виднеются горы на фоне заката, но они не играют ведущей роли. Основа картины – фигура самого Демона. Кажется, она с трудом вмещается в рамки холста, которые слишком тесны для этого героя.

Михаил Александрович Врубель «Демон сидящий», 1890 год. Местонахождение: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

Далеко не всем известно, что у Врубеля была не одна картина а целая серия работ на демоническую тематику. После «Демона сидящего» живописец создаст «Демона летящего» со сверкающим горящим взглядом и «Демона поверженного» с опустошёнными глазами. В каждом из таких персонажей художник видел и стремился показать нечто большее, чем мифическую сущность и принадлежность к иному миру. Врубеля манило всё мистическое, и это прослеживается в его творчестве. Однако он видел таких потусторонних гостей нашего мира страдальцами, скорбящими посланниками, что вынуждены были известить людей о неизбежности чего-то горестного и ужасного.

Сам живописец говорил: “Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всём этом дух властный, величавый”. Согласитесь, подобный подход к демоническим персонажам крайне необычен. Но и судьба самого Врубеля отличалась от многих – увы, в трагическом контексте.

На момент написания «Демона сидящего» психическое состояние Врубеля было относительно нормальным. И всё-таки его знакомые отмечали, что с художником происходит что-то неладное. В письме сестре Надежда Забела, супруга Врубеля, отмечала: “В речах его никогда не было бессмыслицы, он узнавал всех, всё помнил. Он сделался лишь гораздо самоувереннее, перестал стесняться с людьми и говорил без умолку”.

Михаил Врубель со своей женой и музой Надеждой Забелой.

К сожалению, эта активность переросла в болезненное возбуждение. Через некоторое время живописец уже считал себя то Христом, то русским царём, то Пушкиным. Он заявлял, что слышит хоровые песнопения, которые были приняты в эпоху Возрождения, заявлял, будто является Микеланджело и Рафаэлем. Причиной ухудшения здоровья Врубеля, не отличавшегося стойкой психикой, стали перенапряжение, истощение, депрессивные расстройства. В значительной мере повлияло и неприятие обществом его работ. Даже родной отец Михаила, увидев первые наброски Демона, приказал уничтожить подобное творение. Публика находила картины Врубеля дьявольскими и уродливыми.

Однако постепенно общество стало менять своё отношение к работам Врубеля. В поддержку художника Бенуа и Дягилевым была организована выставка его картин, прошедшая в 1902 году. Теперь уже отзывы критиков были менее жёсткими, однако в выздоровление Врубеля мало кто верил. Врачи не давали положительных прогнозов. Тема Демона вновь захватила Врубеля спустя 9 лет.

Незавершённая картина «Демон летящий», 1899 год. Местонахождение: Государственный Русский музей, Санкт-Петербург, Россия.

Через полгода интенсивного лечения живописец, казалось бы, пошёл на поправку. Его состояние стало стабилизироваться, он уже планировал возвращение к нормальной жизни. Но теперь судьба приготовила новые потрясения – смерть сына. Этого удара художник перенести не мог. Он впал в депрессию, морил себя голодом, мечтая свести счёты с жизнью. Погрузившись в пучину безумия и ослепнув, Врубель провёл остаток своих дней в клинике для душевнобольных. До последнего дня он не мог вырваться из постоянных галлюцинаций.

 «Демон поверженный», 1902 год. Местонахождение: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

Несомненно, «Демон сидящий» был особенной картиной как для самого художника, так и для всей его жизни. Страшная судьба живописца и странные образы, созданные им, заставляют задуматься: где же проходит грань гениального и безумного? Какие образы преследовали живописца в последние годы его жизни? На этот вопрос мы не узнаем ответа, но наверняка эти персонажи были бы запечатлены в поистине гениальных и необыкновенных демонических творениях Врубеля.

Как думаете, что выйдет, если совместить мифологию и новейшие достижения науки? Вероятно, нечто совершенно неожиданное и Сальвадор Дали демонстрирует нам пример такого дикого симбиоза. Его картина «Атомная Леда» кажется одним из самых удивительных творений – как среди прочих работ Дали, так и вообще в мировой живописи. Леда, героиня древнегреческих преданий, на полотне Дали прекрасно сочетается с символами совершенно новой, другой эпохи. Вот только автор собирался показать вовсе не контрасты или продвижение технического и культурного прогресса. Идея Дали была куда глубже, причём она остаётся актуальной и в наши дни. Так что же зашифровал живописец на своей картине и о чём предупреждает нас «Атомная Леда»?

«Атомная Леда», это необыкновенное произведение Дали, после своего появления на свет немало удивило даже ценителей творчества мастера. Гладкие линии, томность и изысканность, некая математическая правильность позы – всё это было так несвойственно испанскому сюрреалисту. Интересно, что прежде живописец предпочитал писать лишь фрагменты тел, некие детали, не составляющие единого целого, но пребывающие в некой гармонии друг с другом. Здесь же всё-таки можно увидеть немало логичных и узнаваемых элементов, причём образ Леды кажется полностью завершённым и правильно выстроенным. Но что заставило художника отказаться от прежних принципов?

Сальвадор Дали, 1939 год / © Карл Ван Вехтен.

В 1940 году Сальвадор Дали отправился в Америку, его знакомые говорили, что за океан уехал сюрреалист а возвратился исследователь и философ. Вероятно, так оно и было. В те бурные, сложные и даже страшные годы живописец многое переосмыслил, поменялись его взгляды на жизнь и конечно, это отразилось в творчестве. Ни для кого не секрет, что прошлый век стал порой технического развития и научных достижений. Дали решил отразить всё это, теперь, после возвращения из Америки, он заявил, что объединит классицизм, религию и… квантовую физику. Да-да, он не скрывал, что последнее прямо-таки очаровывает его:

«Меня завораживает всё непонятное. В частности, книги по ядерной физике – умопомрачительный текст».

Сальвадор Дали «Атомная Леда», 1949 год. Местонахождение: Театр-музей Дали, Фигерас, Испания.

Но если в квантовой физике Дали не слишком разбирался, то геометрию можно по праву назвать его сильной стороной. Созданная им «Атомная Леда» отвечала не только принципам живописи, но и неким математическим основам, использованным Дали. Интересно, что фигура Леды размещена на картине так, что если поместить её в пентаграмму, она идеально впишется. Дали всегда придерживался правила золотого сечения, причём гордился своим умением сочетать художественное мастерство и геометрию. Есть предположение, что рождение «Атомной Леды» было своего рода реакцией художника на известие о бомбардировке Хиросимы и Нагасаки. Теперь мир видел, что человечество изобрело поистине страшное оружие, способное в одно мгновение уничтожить миллионы людей. Это осознание отражено и на картине, сам Сальвадор Дали писал:

«Эти взрывы потрясли меня до самых глубин моего естества. Отныне любимой моей темой сделался атом. Многие из пейзажей, написанных мной в тот период, отчетливо выражают глубочайшее чувство страха, который я испытал, узнав о взрывах».

Вдохновлённый информацией о структуре атома, частицы которого разделяет пустота, причём они никогда не соприкасаются, Дали решил создать нечто подобное и в живописи. Посмотрите на «Атомную Леду» – на картине предметы находятся в воздухе, они не наложены друг на друга (как на многих других полотнах мастера). Здесь даже море отделено от земли, что выглядит странно, но вполне логично, если следовать атомной теме.

Бомбардировки Хиросимы и Нагасаки потрясшие Дали.

Изображённая на полотне Леда, персонаж древнегреческих мифов, является возлюбленной Зевса, который обратился в лебедя, чтобы соблазнить свою избранницу. Можно заметить, что от фигуры Леды (писал её Дали, конечно, со своей музы и супруги Галы) и лебедя исходит свечение. Чем дальше от них, тем темнее становятся тона, они – символ жизни и света. При этом пространство вокруг Леды явно напоминает нам о хаосе и разрушениях, которые может вызвать атомный взрыв.

Со своей картины Сальвадор Дали словно бы обращается к каждому из нас, предупреждая: с открытиями и научными достижениями следует быть крайне осторожными, ведь среди них есть те, что способны погубить человечество и вообще всё живое на нашей планете. При этом Дали не пытается нас устрашать или рисовать жуткие образы последствий ядерного удара. Нет, однако в его случае образы столь красноречивы, что прочесть их можно без знания принципов художника.

Так, например в «Атомной Леде» мы видим трон, на котором восседает сама красавица, вот только он парит над землёй. Так мастер показывает разорванность атомной материи, здесь же присутствует разбитая яичная скорлупа. Она служит и олицетворением расщепления атомного ядра при взрыве, и символом уничтоженной жизни.

Конечно, Сальвадор Дали – один из самых необычных и уникальных художников в истории всей мировой живописи. Порой на его картинах можно увидеть сложные, трудночитаемые и фантастические образы. Но как раз в «Атомной Леде» он предельно открыт с каждым из нас. С помощью полотна Дали предостерегает людей от скоропостижных решений и роковых шагов. Атомные технологии прекрасны, как та самая Леда, они открывают новые возможности, но могут оказаться губительными для всего на земле и об этом никогда нельзя забывать.

Выставка "Атомная Леда" и другие образы Гала. Музей Фаберже.

Честно признаюсь, что увидев впервые картину Уильяма Блейка «Великий архитектор», я был и поражен, и восхищён одновременно. Яркость красок и столь необычная подача образа здесь действительно производят ошеломляющее впечатление. Каких только отзывов не получала эта гравюра! Её называли и шедевром, и богохульством, однако Блейку удалось главное – он не оставил равнодушным никого из тех, кому хотя бы раз доводилось видеть «Великого архитектора». И хотя основой сюжета произведения мастера является религиозная тематика, Блейк сумел виртуозно продемонстрировать ветхозаветную историю – так, как не делал никто. Итак, кто же изображён на картине «Великий архитектор» и каковы в этом творении главные изюминки Блейка?

Уильям Блейк был знаменитым английским поэтом, художником и гравером. Он не приобрёл признания при жизни, однако стал популярен уже после смерти. Этот тот самый случай, когда творческий человек поражает нас романтизмом своего мастерства, находящегося где-то между созиданием и разрушением. Известно, что у него случались галлюцинации и странные видения, некоторые из которых он переносил на свои полотна и гравюры. Как истинный творец, Блейк искал новые техники. Он изобрёл рельефный оттиск, который использовал для своих книг и картин. Самой известной серией работ в таком стиле стали многочисленные иллюстрации к Библии.

Томас Филлипс, Портрет Уильяма Блейка, 1807 год. Местонахождение: Национальная портретная галерея, Лондон, Великобритания.

В 1794 году у Уильяма Блейка родился замысел изобразить того, кто и является тем самым «Великим архитектором», а именно – Бога. Первоначальным названием гравюры стало «Ветхий днями» (The Ancient of Days). Это не просто красивое определение, а одно из имён Бога, которое можно встретить в книге пророка Даниила. Именно там указывается настолько подробное описание Творца, что просто поражает воображение:

“Видел я, наконец, что поставлены были престолы, и воссел Ветхий днями; одеяние на Нём было бело, как снег, и волосы главы Его — как чистая волна; престол Его — как пламя огня, колёса Его — пылающий огонь”.

Уильям Блейк «Великий архитектор», 1794 год. Местонахождение: Британский музей, Лондон, Великобритания.

Вторым названием картины стало «Великий архитектор». Здесь, наверное, объяснять не стоит – Бог действительно является создателем Вселенной. Вот только у Блейка мы видим крайне необычное его воплощение. Более того, сам художник называет его Уризен. Это имя – производное от английского слова, означающего разум. Выходит, что в интерпретации Блейка создателем является как сам Господь, так и некий высший разум, воплощением которого Бог является.

Картина «Великий архитектор» – это не просто одно из произведений мастера, а сложное и невероятно гармоничное выражение всех его религиозных чувств. Поразительно, что при жизни автора на эту гравюру практически не обращали внимание, заинтересовались «Великим архитектором» позднее. При этом современные искусствоведы заявляют, что часто замечают в этом творении Блейка новые детали и символы, которых прежде учёные не видели. Вот уж поистине – особенное произведение! Чем же интересна его картина? Первое, что поражает в ней – образ Бога. Это не величественный создатель, а настоящий мастер во время своего серьёзного дела. Нам приходилось видеть его на картинах других живописцев и расслабленным, и суровым, но Бог в интерпретации Блейка – сосредоточен и погружён в себя. «Великий архитектор» – это изображение Бога в момент наиболее напряжённой и кропотливой работы, требующей абсолютной точности. Поскольку в его руках – измерительный инструмент, можно понять, что именно сейчас Творец занимается тем, о чём сказано в Ветхом завете – созданием мира. Более того, здесь нет и речи о неограниченной свободе. Напротив, Блейк показывает нам, что Бог стремится чётко определить рамки и границы. Именно он устанавливает порядок и принципы, по которым будет существовать Вселенная. Здесь нет речи о полной свободе или, тем более, вседозволенности.

В случае с «Великим архитектором» Блейка заметны и иные интересные особенности. Как может показаться, блейковский Бог более всего напоминает ветхозаветного Яхве. С другой стороны, стоит обратить внимание на задний план гравюры. Мы видим, что Бог показан на фоне солнца, яркого и пылающего. Казалось бы, что здесь общего? Однако именно здесь автор отсылает нас к древнейшим языческим временам, когда верховные божества выступали демиургами. «Все религии одинаковы», – заявлял живописец.

Он явно подразумевал некие общие черты, которые действительно можно проследить во многих религиях мира. Практически в каждой из них есть высший разум, творец, тот самый «Великий архитектор», который некогда сотворил мир. И пусть именуют его по-разному, образ верховного бога не слишком изменился со временем, а в верованиях различных народов не слишком выделяется какими-либо уникальными чертами.

Бог показан на фоне солнца, яркого и пылающего.

«Великий архитектор» – гравюра Уильяма Блейка, которая не оставляет равнодушным ни одного зрителя. И хотя по достоинству она была оценена уже после смерти автора, даже в наши дни продолжаются споры относительно символов, изображённых живописцем, и их трактовки. Подача Блейка и его воплощение Бога до сих пор удивляют нас, а потому «Великий архитектор» не теряет своей популярности, о которой, вероятно, сам автор не мог и мечтать.

Да, я знаю, что уже изобрели телефон с камерой. Нет, мне так удобнее

Константин Флавицкий прожил короткую жизнь. В 35 лет, в 1866 году, он умер от чахотки, зародившейся в Италии и развившейся в петербургском климате. Художник мечтал о славе, о бессмертии, о картине, которая оставила бы о нём память на века. Но он не знал, что такой картиной станет его последнее произведение которое он писал уже безнадёжно больным. Это всем хорошо известная картина "Княжна Тараканова".

Константин Флавицкий. Княжна Тараканова, 1864 год. Третьяковская галерея.

Картина была написана в 1864 году, и в этом же году впервые выставлена на выставке Академии художеств. Владимир Стасов, известный критик того времени, назвал полотно Флавицкого "чудесной картиной, славой нашей школы, блистательнейшим творением русской живописи".

Полотно сразу заметил Павел Третьяков и захотел купить его для своей коллекции. Он предлагал художнику 3000 рублей (очень большие деньги по тем временам), но тот хотел не меньше 5000, нужны были средства на лечение в Европе. Третьяков не сдавался, стоял на своём, но они так и не смогли договориться. После смерти Павла Флавицкого, Третьякову поступило предложение от братьев художника. За картину теперь просили не меньше 12 с половиной тысяч рублей, но Третьяков снова не соглашался. В итоге он всё же купил картину, братья художника оказались на гране нищеты и продали её за 2.500 рублей.

Сейчас она занимает почётное место в знаменитой Третьяковской галерее в Москве. Многие её видели, все её знают, но не всем, вероятно, известен тот факт, что Флавинский создал несколько вариантов Княжны Таракановой. В Третьяковсой галерее находится самый поздний вариант картины, ещё один принадлежит Пензенской областной картинной галерее имени К. А. Савицкого, она меньше по размеру той, что в Третьяковке. А вот на право владеть, предположительно, первоначальным вариантом картины, написанном в 1862 году, выступает Екатеринбургский музей изобразительных искусств.

Константин Флавицкий. Княжна Тараканова, 1862 год. Екатеринбургский музей изобразительных искусств.

На обеих картинах, на первый взгляд очень похожих, изображен один и тот же сюжет. Смерть княжны Таракановой, самозванки, выдававшей себя за дочь императрицы Елизаветы Петровны, в казематах Петропавловской крепости. Не буду пересказывать историю жизни этой, как её называют, авантюристки, о ней много написано и без меня, не буду также определять правдивость и историческую достоверность того, что изобразил Флавинский, об этом тоже много сказано. Хочу только сравнить эти две картины, так похожие и вместе с тем, не похожие друг на друга. Между их созданием лежит два года, первую Флавинский писал сразу после возвращения из Италии, когда болезнь только-только начинала давать о себе знать. И первая картина получилась более светлой и красочной, вторая - более мрачная, более трагичная. Художник уже чувствует приближение и своего конца, пугающего и всё-таки дающего надежду освобождения от муки болезни.

Посмотрите на окна каземата, на первой картине всего лишь серый, мрачный, пасмурный петербургский день. А из окна на второй картине словно льется яркий свет, какой-то потусторонний, зовущий. Да и образ самой героини картины изменился.

Если на первой картине мы видим пышущую здоровьем даму, написанную в стиле Брюллова, которым Флавинский восхищался и которого пытался превзойти, то на второй - Тараканова предстаёт перед нами измождённый, потерявшей всяческую надежду. Достаточно сравнить лишь лица, на втором уже виден явный отпечаток смерти.

И ещё одна интересная деталь. Предметы, стоящие на столе, на второй картине хлеб и кружка внизу словно прозрачные. Это не брак репродукции и это не случайность, перед нами символ уходящей жизни, растворение в небытие.

Недаром и сама Тарканова одета в белое, подвенечное платье. Она - невеста смерти а красная накидка - это символ мученичества. Так что под маской исторического сюжета Флавицкий создал нечто большее. Он написал картину о победе над страхом смерти, историю о собственной борьбе, о надежде, что там, за чертой, ждёт что-то светлое.

Нейросеть сгенерировала арт изображая его старым. Такие люди несомненно заслуживают на долгую и счастливую жизнь.

Оказывается существует проект как "Выставка кошачьего искусства", я первый раз слышу о нем сегодня, поэтому не смог пройти мима и не поделиться. Так вот,  чтобы отметить свои 10 лет существования выставка возвращается в Лос-Анджелес, и дарит тепло и пушистость всего кошачьего. “Грация, их постоянно меняющихся личности в сочетании с красотой внешности дают художникам богатый материал для работы”, - говорит куратор и основатель Сьюзан Михалс. Каждый год часть средств выручки идет на помощь организациям которые помогают пушистикам.

За один уик-энд посетители смогут ознакомиться с работами почти 50 художников со всего мира, среди которых Мэтью Грабельски или Колин Робертс. Ну а мы сможем увидеть, благодаря интернету конечно, многоглазого котенка Лолы Дюпре по кличке “Сквитс” и дружелюбных “мисс Питч и Ферл” Энни Монтгомери, и других кошастых  такими как “раздраженный разрушитель мебели” Ванессы Стокард или "Une Chat".

Выставка кошачьего искусства проходит с 19 по 21 января в Wallis Annenberg PetSpace в Лос-Анджелесе. 

Ванесса Стокард, “Доверяйте процессу”.

Бритт Эрингер, “Коби врывается в королевство котят”

Лола Дюпре, “Сквитс”

Лола Дюпре, “Сквитс” (детали)

Энни Монтгомери, “Мисс Питч и Фурл”

Лео Форест, “Кошка”

Клеон Паттерсон, “Сделка”

Колин Робертс, “Чеширский кот”

Юсуке Ханаи, “Рика и Окаю”

Эрик Хейз, “Одноглазый Джек”

Ночной дозор — название, под которым известна знаменитая картина Рембрандта "Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга". Картина написана в 1642 году. Это одна из самых известных и самая большая (379,5 × 453,5 см) картина золотого века голландской живописи. Экспонируется в отдельном зале Рейксмюсеума в Амстердаме.

Картина была заказана в 1639 году капитаном Франсом Баннингом Коком и семнадцатью его кловенирами, членами отряда Стрелкового общества гражданского ополчения Нидерландов. Восемнадцать имён заказчиков начертаны на щите, добавленном в 1715 году в правой части картины. Всего изображено 34 персонажа. Рембрандту заплатили за картину 1600 гульденов, что по тем временам было большой суммой. Это была одна из семи картин, заказанных разным художникам ротами стрелков, пожелавшими украсить своими групповыми портретами недавно построенное здание Зала встреч стрелков-ополченцев в Амстердаме.

«Ночной дозор». Скульптурная композиция А. Таратынова и М. Дронова на площади Рембрандта в Амстердаме. 2005 года.

Историки предполагают, что поводом для заказа Рембрандту и другим художникам групповых портретов стал визит в Амстердам в 1638 году французской королевы Марии Медичи. Несмотря на то что королева вынуждена была бежать из Франции, её прибытие было встречено с большим энтузиазмом.

Картину Рембрандта вначале поместили в Большом зале или Доме встреч стрелков-ополченцев в Амстердаме. В 1715 году картину перенесли в здание городской Ратуши, из-за чего она была обрезана с трёх сторон. Предположительно, это было сделано для того, чтобы картина поместилась между двумя колоннами. Обрезка картин была обычной практикой того времени. Это изменение привело к потере двух персонажей с левой стороны, верхней части арки, балюстрады и края ступеньки. Сохранилась копия картины XVII века живописца Геррита Люнденса (хранится в Лондонской Национальной галерее), по которой можно судить об утраченной части картины.

Когда Наполеон Бонапарт в 1806 году оккупировал Нидерланды, магистраты переместили картину в Триппенхёйс (здание семьи оружейников в Амстердаме). Наполеон приказал вернуть картину, но после того, как в 1813 году оккупация закончилась, произведение Рембрандта снова поместили в Триппенхёйс, где разместилась Голландская академия наук. Картина оставалась там до тех пор, пока не переехала в новый Рейксмюсеум, после того как его строительство было закончено в 1885 году.

В сентябре 1939 года с началом Второй мировой войны картину вынули из рамы, свернули в рулон и вывезли, но она попала в руки нацистов. Некоторое время находилась в свёрнутом виде в специальном хранилище, устроенном в пещерах горы Св. Петра в Маастрихте. После окончания войны полотно было отреставрировано и возвращено в Рейксмюсеум.

Когда в апреле 2013 года был завершён ремонт помещений музея, картина после пребывания в разных помещениях была помещена в специальный Зал Ночного дозора. На протяжении большей части своего существования картина была покрыта тёмным лаком, что создавало неверное впечатление, будто на ней изображена ночная сцена, что и привело к названию, под которым она теперь широко известна. В июле 2019 года началась долгая и кропотливая реставрация. Она проходила публично, в специально построенном стеклянном футляре, размещённом в музее, и транслировалась в прямом эфире.

В 2021 году картину в течение трёх месяцев демонстрировали посетителям с воссозданными фрагментами: как она выглядела до обрезки, с использованием свёрточных нейронных сетей, алгоритма искусственного интеллекта, основанного на копии Люнденса.

Интересная деталь, продемонстрировавшая открытость Рембрандта к экспериментам. В картине Ночной дозор во время очередного научного исследования обнаружили свинцовый слой – это дало ответ на то, откуда на поверхности произведения периодически появлялись кристаллы свинца. Исследователи впервые применили вместе рентгеновские лучи, спектроскопию образца краски и цифровую 3D-реконструкцию. Говорят, это первая картина Рембрандта, в которой обнаружили свинцовый слой.

Рембрандт и его современники-художники обычно начинали работу над картиной с того, что покрывали холст слоем клея для придания жесткости, а затем наносили базовый слой пигмента для грунтовки холста. Но на картине Ночной дозор клеевого слоя не было. Возможно, вместо него Рембрандт использовал свинцовый слой, который дополнительно защищал холст от разрушения. По словам ведущего автора исследования Фредерика Броерса, научного сотрудника отдела микроскопии Рейксмюсеума в Амстердаме, где выставлен Ночной дозор, идея укрепить холст свинцом могла прийти Рембрандту из публикации о химии живописи, написанной примерно в то время врачом из Женевы Теодором де Майерном, или из разговоров с коллегами, которые обсуждали данный метод.

На протяжении многих лет поклонники ужасов часто находили радость и волнение в звездных и ужасающих произведениях искусства. Эти знаменитые мрачные картины в большинстве случаев являются отражением темноты их жизни или темных времен, в которых они жили.

Многие из этих картин вдохновили других художников и создателей на создание своих собственных ужасающих творений во многих средствах массовой информации.

Давайте взглянем на три важные знаменитые темные картины, созданные некоторыми из самых почитаемых мастеров, которые подняли тему ужаса в искусстве на совершенно новый уровень.

Любители искусства, возможно, знают маэстро современного искусства Поля Сезанна по его спокойным, но оживленным натюрмортам. Работы Сезанна, хотя и не всегда соответствовали художественным темам постимпрессионистского периода, в основном состояли из блестяще выполненных натюрмортов. Тем не менее, артисту удалось добавить в свой репертуар неоспоримые черты хоррора с легендарной «Пирамидой черепов».

На закате своей жизни Сезанн увлекся смертью и начал противостоять своей смертности. В этот период он также увлекся изображением черепов в своих картинах. Хотя большая часть его работ, посвященных черепам, не фокусируется на них напрямую, Пирамида черепов резко контрастирует с ними. Здесь груда черепов разного возраста сидит, прижавшись друг к другу спереди и в центре, и в кадре больше ничего нет. Мастерство Сезанна в создании натюрмортов выражается в невероятном уровне детализации черепов. В их суровом присутствии зрители сталкиваются с реальностью смерти и разложения и вынуждены размышлять о своем собственном конце времен. Это грубое пробуждение, которое может перерасти в поистине ужасающее чувство для большинства, кто увидит картину.

Этот шедевр, написанный в 1938 году известной мексиканской художницей Фридой Кало, является поистине ужасающей частью ее знаменитой коллекции из 55 автопортретов. Ее работы этого периода отражают особенно бурное время ее жизни и, следовательно, часто изображают темные и ужасающие темы. Это особенно очевидно в ее мрачном шедевре «Девушка в посмертной маске (Она играет одна)».

На картине художница изображает себя молодой девушкой, стоящей на большом открытом пространстве с холмами и курганами. В то время как девочка носит красивое платье и держит в руке цветок, ее лицо закрыто мрачной маской-черепом, которая скрывала всю невинность и красоту детства и придавала ей холодный, пустынный вид. Чтобы подчеркнуть эту тему, у ее ног лежит еще одна маска — ужасающая морда зверя с большими зубами и пустыми глазами. Этой картиной Кало пробуждает в своих зрителях не только необходимость противостоять смерти и тьме, но и странное предчувствие леденящей тайны. Зрители понятия не имеют, почему девушка стоит одна в маске, а у ее ног лежит еще одна ужасная маска. Они могут только догадываться о содержании разума, проецирующего на холст такую тьму.

Во второй половине 20-го века Энди Уорхол создал волну благодаря своему авангардному подходу к искусству, став пионером в живописи с использованием акрила и шелкографии. Долгое время Уорхол затрагивал в своих картинах бытовые темы и популярных деятелей того времени. Однако в 1960-х годах дела приняли мрачный оборот, когда он начал создавать серию «Смерть и катастрофа».

Это время, когда многие работы Уорхола демонстрируют глубокое и несколько болезненное увлечение трагедией и смертью. На создание «Большого электрического стула» повлияла реальная обстановка: фотография, изображающая тюремную камеру, где произошла нашумевшая казнь Юлиуса и Этель Розенберг, печально известных советских шпионов. На картине изображена пустынная тюремная камера с отключенным электрическим стулом, который, очевидно, недавно использовался. Блеклые тона сепии усиливают очевидную пустоту большей части кадра, придавая картине оттенок безнадежного отчаяния. Метод шелкографии придает кадру дополнительную реалистичность, и зрители не упускают ни одной детали, включая отсоединенные кабели и потертый вид устройства смерти.

Зрители не могут не восхищаться темными местами в сознании этих художников, породивших эти шедевры. С другой стороны, они вынуждены быстро думать о темноте своей собственной жизни и неизбежной реальности возможной смерти. Таким образом, эти мощные и знаменитые темные картины оказывают влияние во многих отношениях и вызывают у зрителей дискомфорт и беспокойство.

Хотя это лишь малая часть целого множества знаменитых темных картин, которые терроризировали зрителей во всем мире, эти картины представляют собой образец власти, которой может обладать тьма, если она занимает видное место в искусстве.

Уже как-то приносила сюда своих русалок, вот и новая 

Первая неделя (с 02.10.23 по 08.10.23)

Тема первой недели: СТРАШНЫЙ ЛЕС

ПЯТНИЦА!!!

Страшно? Нет? А должно быть! Впереди выходные, а многие так и не приняли участие в Артлоуине, а мы ведь ждём ваших рисунков, поделок, фотографий и т.д. (особенно админ ждёт, я вас уверяю). Так что все, кто ещё не поучаствовал, скорее карандаши/стилусы/ручки/фотоаппараты/клей/ножницы в руки и алга!

Пост с условиями и правилами здесь: pipmy.ru/3091-artlouin.html