Мир знает немало ярких портретов, интересных образов и пейзажей, запечатлённых на картинах, но настоящей редкостью являются картины, пронизанные драматизмом и движением. Именно таким можно назвать творение Карла Брюллова «Последний день Помпеи».

Источником вдохновения для создания этой картины стали исторические события, произошедшие за много столетий до рождения художника. Несмотря на это, воображение Брюллова и его высокое мастерство сотворили истинный шедевр, наполненный динамикой, эмоциями и множеством образов. Какой же он – «Последний день Помпеи»? В декабре 1799 года в семье скульптора французского происхождения родился седьмой ребёнок, которого назвали Карл. Братья мальчика в дальнейшем стали живописцами и архитекторами, однако именно Карлу Брюллову судьба предоставила возможность прославиться благодаря своим шедеврам.

В июле 1827 года художник впервые посетил Неаполь, он побывал около вулкана Везувий, что и стал причиной трагедии, развернувшейся в далёкой древности. На тот момент история о гибели целого города находила отражение в творениях многих именитых мастеров. Когда в 1748 году военный инженер Рокке де Алькубьерре приступил к археологическим раскопкам, произошло открытие Помпеи, что была погребена под вулканическим пеплом и застывшей лавой. В начале XIX века появляются опера и роман, посвящённые этой трагедии.

Карл Брюллов. Дагерротип из собрания Эрмитажа.

Оказавшись на месте раскопок, Брюллов и предположить не мог, что история Помпей отразится в его творчестве, хотя не отметить особой атмосферы этого места он не мог.

«Нельзя пройти сии развалины, не почувствовав в себе какого-то совершенно нового чувства, заставляющего всё забыть, кроме ужасного происшествия с сим городом», – именно так писал Брюллов в своих заметках.

Я не сомневаюсь, что это жуткое ощущение и породило идею написать работу, посвящённую Помпеям. Решив приступить к созданию полотна, посвящённого этой непростой исторической теме, живописец детально изучал археологические источники. Более того, в самом творении Брюллов несколько отходит от привычного ему стиля, склоняясь к романтизму. Его картина рассказывает о трагедии не одного человека, а целого народа, города, заживо погребённого разрушительной мощью Везувия. В построении композиции заметны традиционные особенности классицизма.

Эскиз картины.

Брюллов, что было ему свойственно, старается заключить каждый небольшой сюжет в визуальный треугольник. Это помогает вникнуть в историю каждого персонажа. В процессе написания картины художник старался стоять лицом к вулкану, чтобы тот был виден на холсте (ведь именно он являлся причиной трагедии). Для образов картины «Последний день Помпеи» Брюллов использовал не только вымышленные портреты. Во время той судьбоносной поездки в Неаполь он познакомился с княгиней Юлией Самойловой, которая впоследствии была изображена в трёх образах.

Искусствовед Галина Леонтьева в своих очерках о Брюллове отмечает, что тогда, отправляясь в поездку, ни сам живописец, ни его спутница и представить не могли, что "это нечаянное путешествие приведёт художника к самой высокой вершине его творчества — созданию монументального исторического полотна «Последний день Помпеи»”. В 1833 году работа над полотном была завершена. Из Франции Брюллов отправил работу в Санкт-Петербург, где была преподнесена императору Николаю I, а затем размещена в Эрмитаже. Сегодня же она находится в Государственном Русском музее.

Карл Брюллов «Последний день Помпеи» Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

Далеко не все знаменитые картины наполнены таким количеством интереснейших, живых образов, какие продемонстрировал нам Брюллов в своём творении. Левая часть полотна открывает нам историю нескольких людей у гробницы Скавра. Рядом с ними – женщина, в глазах которой застыл ужас. Возле неё находится художник с красками в ящике, что поставил на голову, – это автопортрет Брюллова. Ближе к центру мы видим семейную пару с детьми. Мужчина пытается укрыть жену и малышей от разрушительной силы природы, но становится ясно, что все эти усилия не принесут результата.

В глубине картины – римский жрец, что пытается спасти ценные ритуальные предметы. Всадник с трудом удерживает коня, что поднялся на дыбы. Неподалёку от него можно увидеть испуганного жениха, что пытается привести в чувство свою невесту, на голове которой виден венок роз. Особенно пронзительными и драматичными мне кажутся образы двух сыновей, что несут своего старого отца на руках. Возле них мы видим юношу, что умоляет свою мать подняться и бежать от этого ужаса. Интересно, что в нём Брюллов показал Плиния Младшего, который действительно сумел спастись из обречённого города.

Спутница художника, Юлия Самойлова, была изображена в трёх ипостасях – разбившейся женщины, упавшей с колесницы, женщины с кувшином и матери, что обнимает двух своих дочерей. Все герои картины создают невероятное ощущение реалистичности происходящего. Зритель сопереживает каждому из участников этой трагедии, ведь кажется, что через мгновение тьма и пепел поглотят весь город, написанный на полотне.

Тот самый Плиний Младший, ставший свидетелем событий в Помпеях, позднее писал о них:

«Слышны были женские вопли, детский писк и крик мужчин, одни окликали родителей, другие детей или жен и старались узнать их по голосам. Одни оплакивали свою гибель, другие гибель близких, некоторые в страхе перед смертью молились о смерти».

Эмоции на картине «Последний день Помпеи».

Всё это мы видим на картине Брюллова «Последний день Помпеи», что переносит нас в далёкий 79 год, когда крупный и процветающий римский город навсегда исчез с лица земли, оставшись в истории и произведениях искусства.

Из серии триптих "Ад Барлоу"

Что вы представляете себе при слове Ад? 9 кругов Данте, где каждому кругу соответствуют свои грехи, а может набор арен, соединенных узкими коридорами, где вы в броне палача рока сокрушаете орды демонов? Или рождественский эпизод Звездных Войн? Так или иначе, Уэйн Барлоу имеет собственное, весьма жуткое, надо сказать, видение этой концепции.

Если вдруг вам покажется, что демоны из галереи выше выглядят как-то знакомо, то вы по сути не ошибаетесь. Если вы смотрели такие фильмы как «Блэйд» или «Хэллбой» от Гильермо дель Торо, то знайте – именно Барлоу приложил руку к дизайну персонажей этих франшиз. Его наиболее известной работой является триптих «Ад Барлоу», с которым вы уже ознакомились выше.

Работы Дариуша Завадского

Польский сюрреалист Дариуш Завадский (1958 года рождения) с самого детства воспринимал мир через призму фантазий, навеянных картинами сюрреалистов вроде Дали, чьими картинами был наполнен дом, а также книгами из родительской библиотеки. Преобладающим мотивом в творчестве художника является тема биомеханики как связующего звена между живым, органическим миром и миром машин.

И если при словах польский киберпанк вам представляется наполненный неоном город будущего, окруженный дикими степями, где балом правят кочевые племена, то у Дариуша Завадского другое мнение на этот счет. Особенностью его творчества также можно назвать и то, что вдохновение для своих работ он черпает исключительно из окружающего мира, а не из фильмов или книг. То, какой будет законченная картина, приходит к художнику не сразу, а в процессе ее создания, поэтому процесс создания больше напоминает проявку фотопленки.

Работы Стефана Койдль

Стефан Койдль – популярный художник-иллюстратор из Австрии. У себя на родине Стефан Койдль является очень востребованным иллюстратором, а его работы широко известны ценителям жанра по всему миру. Тема страха пропитывает их, и даже если вам кажется, что на первый взгляд на картине все нормально, то нужно лишь получше присмотреться, чтобы увидеть, что все не так, как может показаться. Картины художника вдохновлены городскими легендами, рассказами о существах из иных миров, классическими фильмами ужасов, лиминальными пространствами и прочими пугающими, но от того не менее притягательными явлениями, что будоражат умы любителей пощекотать себе нервы и просто случайных зрителей.

...Про свои картины метр говорил: «Я хотел бы рисовать в такой манере, словно это сфотографированные сны».

В конце 90-х годов для художника наступил крайне трагический период. В 1998 году умерла его жена София, которую он любил, а год спустя покончил с собой сын Томаш.

Тело сына нашёл сам Здзислав Бексиньский. Бексиньский не смог примириться со смертью сына и хранил конверт «для Томека в случае, если я протяну ноги» прикреплённым к стене.

22 февраля 2005 года художник был найден мёртвым в своей квартире в Варшаве. На теле Бексиньского было обнаружено 17 колотых ран, две из которых были смертельными. Вскоре после этого были арестованы несовершеннолетний сын коменданта его дома и его друг, которые позднее были признаны виновными. Известно, что незадолго до своей смерти Бексиньский отказался дать деньги в долг этому юноше.

Картина ниже была последней художника, он закончил её в день смерти. Может он предчувствовал свою смерть? Именно такие мысли посещают меня при просмотре его последнего полотна, спокойные тона и умиротворение.

Художник не получил специального образования в области художественного искусства. На самом деле Бексиньский изучал архитектуру в Кракове. В 50-х годах он несколько лет работал на различных строительных площадках в Кракове и Жешуве, проектировал корпусы автобусов и микроавтобусов на заводе Autosan.

Автобус SFW-1 – дизайн Бексиньского

Хотя работы Бексиньского часто выглядят мрачно, сам он был человеком приятным, остроумным и немного застенчивым. О нём больше говорили как о художнике, хотя Бексиньский был также фотографом, иллюстратором, скульптором и графическим дизайнером. Вот некоторые из его работ.

Портрет жены (фотомонтаж)

"Корсет садиста"

"Колыбельная"

"Зона II"

До середины 1980-х годов художник пребывал в периоде, который назвал «фантастическим». В это время он создал свои наиболее известные творения с тревожными образами в сюрреалистической и постапокалиптической среде с очень детализированными сценами смерти, распада и искажёнными фигурами.

Здзислав Бексиньский (Zdzisław Beksiński, 24 февраля 1929 — 22 февраля 2005 г.) - польский художник и фотограф. Если к творчеству какого-либо художника и можно в полной применить эпитет "мрачное искусство" то это только Здзислав Бексиньский. Каждая его работа это пропитана безысходностью, мраком, ужасом и гнетущей атмосферой, хотя сам автор считал, что многие его работы недопоняты, так как они достаточно оптимистичны и даже забавны. Бексиньский всегда выполнял свои работы в одной из двух манер, которые он называл баро́чной и готической.

Здзислав практически никогда (за редким исключением) не давал названия своим картинам. Обезличивая картины, художник не сковывал фантазию ценителя рамками заложенной идеи и позволил каждому создать свою уникальную интерпретацию.

"Король и королева", исключение

Художник приобрел широкую популярность не только на родине. В 80-х произведения художника получили известность во Франции, и он достиг серьёзной популярности в Западной Европе, Японии и США. Бексиньский единственный современный польский художник, который выставлялся в Музее искусств в Осаке (Япония).

На этой картине художник изобразил четырёх всадников, знаменующих Конец света. До сих пор нет единого мнения, что именно олицетворяет каждый из всадников, однако их часто именуют Чума, Война, Голод и Смерть. Эти воины призваны сеять хаос и разрушение в мире.

Виктор Васнецов «Воины Апокалипсиса», 1887 год.

Всадник Чума или Завоеватель восседает на белом коне. Оценка этого образа самая неоднозначная из всех. По одной из версий, этот наездник послан Иисусом для распространения веры. Однако, исходя из того, что остальные всадники явно олицетворяют зло, и принимая во внимание общий стиль появления и описания воинов, многие исследователи делают вывод, что первый всадник тоже олицетворяет зло.

Цитата из библии:

• «И я видел, что Агнец снял первую из семи печатей, и я услышал одно из четырёх животных, говорящее как бы громовым голосом: иди и смотри. Я взглянул, и вот, конь белый, и на нём всадник, имеющий лук, и дан был ему венец; и вышел он как победоносный, и чтобы победить».
• — Откр. 6:1-2

Второй всадник олицетворяет войну. Он мчит на огненно-рыжем коне, размахивая мечом, а за ним разгорается кровавый месяц.

Этот наездник подталкивает людей рваться в бой ради убийства своих собратьев, что приносит человечеству слёзы, боль и разрушения.

В Откровении Иоанна Богослова так рассказывается о нём:

• «И вышел другой конь, рыжий; и сидящему на нем дано взять мир с земли, и чтобы убивали друг друга; и дан ему большой меч».

Третий всадник олицетворяет голод. Его глаза безумны, тело худое и костлявое, напоминающее внешний облик и муки людей, умирающих такой кошмарной смертью.

• «И когда Он снял третью печать, я слышал третье животное, говорящее: иди и смотри. Я взглянул, и вот, конь вороной, и на нём всадник, имеющий меру в руке своей. И слышал я голос посреди четырёх животных, говорящий: хиникс пшеницы за динарий, и три хиникса ячменя за динарий; елея же и вина не повреждай». — Откр. 6:5-6

Замыкает четвёрку всадников Смерть, которая не щадит ни молодых, ни старых, ни бедных, ни богатых, ни грешников, ни праведников.

Каждый попадёт под копыта страшного коня этого воина. Его путь устлан мертвецами, а саван Смерти развевается подобно победному знамени Апокалипсиса.

• «И когда Он снял четвёртую печать, я слышал голос четвёртого животного, говорящий: иди и смотри. И я взглянул, и вот, конь бледный, и на нём всадник, которому имя «смерть»; и ад следовал за ним; и дана ему власть над четвёртою частью земли — умерщвлять мечом и голодом, и мором и зверями земными».
• — Откр. 6:7-8

Картина Виктора Васнецова «Воины Апокалипсиса» действительно вызывает массу эмоций, помогает находить немало важных деталей и символических образов. Несмотря на мрачный сюжет, она заставляет нас понять, насколько ценна жизнь, насколько важно любить её и радоваться возможности встречать каждый новый день.

Васнецов написал картину в 1887 году, когда уже являлся почётным членом Общества передвижников. Творение было преподнесено в качестве дара великому певцу Фёдору Шаляпину, о чём свидетельствует надпись: «Ф.И. Шаляпину В. Васнецов 1887 г.» В настоящее время полотно является частью коллекции Государственного музея истории религии в Санкт-Петербурге.

 «Демон сидящий» написанный Михаилом Врубелем - это произведение признано шедевром, оно действительно способно поразить воображение. При первом взгляде даже кажется, что перед нами не картина а панно – настолько своеобразной кажется техника живописца. Об этом демоническом творении до сих пор идут споры а искусствоведы высказывают новые предположения относительно идеи автора, заложенной в сюжете. Для многих людей «Демон сидящий» – образ борьбы, сомнений, силы человеческого духа. Но при этом он остаётся ярким мифическим персонажем. Что же вдохновило Врубеля написать столь необыкновенного героя, как сложились судьбы картины и художника?

Знаменитая картина русского художника Михаила Врубеля «Демон сидящий» была напрямую связана с юбилейным изданием поэмы М.Ю.Лермонтова «Демон». В 1891 году художник создал три десятка иллюстраций к этому сборнику. Подавляющее большинство творений относилось именно к демонической поэме. Как и любой живописец, Врубель начал написание картины с подготовки эскиза. Тот был создан в 1890 году, а сегодня хранится в Третьяковской галерее. Без сомнения, работа над новым творением вдохновляла художника. Врубель писал:

“Вот уже с месяц я пишу Демона, то есть не то чтобы монументального Демона, которого я напишу еще со временем, а демоническое — полуобнаженная, крылатая, молодая уныло-задумчивая фигура сидит, обняв колена, на фоне заката и смотрит на цветущую поляну, с которой ей протягиваются ветви, гнущиеся под цветами”.

Михаил Александрович Врубель, автопортрет, 1904 год. Местонахождение: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

Сложно дать более точное описание картины, чем это сделал сам её автор. Практически всё полотно занимает могучая фигура Демона. Атлетически сложенный молодой мужчина сцепил руки и вглядывается вдаль. Его глаза полны тревоги, поза крайне напряжённая, однако на фоне терзаний и сомнений чувствуется некая внутренняя сила, что заложена в нём. Вдали виднеются горы на фоне заката, но они не играют ведущей роли. Основа картины – фигура самого Демона. Кажется, она с трудом вмещается в рамки холста, которые слишком тесны для этого героя.

Михаил Александрович Врубель «Демон сидящий», 1890 год. Местонахождение: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

Далеко не всем известно, что у Врубеля была не одна картина а целая серия работ на демоническую тематику. После «Демона сидящего» живописец создаст «Демона летящего» со сверкающим горящим взглядом и «Демона поверженного» с опустошёнными глазами. В каждом из таких персонажей художник видел и стремился показать нечто большее, чем мифическую сущность и принадлежность к иному миру. Врубеля манило всё мистическое, и это прослеживается в его творчестве. Однако он видел таких потусторонних гостей нашего мира страдальцами, скорбящими посланниками, что вынуждены были известить людей о неизбежности чего-то горестного и ужасного.

Сам живописец говорил: “Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всём этом дух властный, величавый”. Согласитесь, подобный подход к демоническим персонажам крайне необычен. Но и судьба самого Врубеля отличалась от многих – увы, в трагическом контексте.

На момент написания «Демона сидящего» психическое состояние Врубеля было относительно нормальным. И всё-таки его знакомые отмечали, что с художником происходит что-то неладное. В письме сестре Надежда Забела, супруга Врубеля, отмечала: “В речах его никогда не было бессмыслицы, он узнавал всех, всё помнил. Он сделался лишь гораздо самоувереннее, перестал стесняться с людьми и говорил без умолку”.

Михаил Врубель со своей женой и музой Надеждой Забелой.

К сожалению, эта активность переросла в болезненное возбуждение. Через некоторое время живописец уже считал себя то Христом, то русским царём, то Пушкиным. Он заявлял, что слышит хоровые песнопения, которые были приняты в эпоху Возрождения, заявлял, будто является Микеланджело и Рафаэлем. Причиной ухудшения здоровья Врубеля, не отличавшегося стойкой психикой, стали перенапряжение, истощение, депрессивные расстройства. В значительной мере повлияло и неприятие обществом его работ. Даже родной отец Михаила, увидев первые наброски Демона, приказал уничтожить подобное творение. Публика находила картины Врубеля дьявольскими и уродливыми.

Однако постепенно общество стало менять своё отношение к работам Врубеля. В поддержку художника Бенуа и Дягилевым была организована выставка его картин, прошедшая в 1902 году. Теперь уже отзывы критиков были менее жёсткими, однако в выздоровление Врубеля мало кто верил. Врачи не давали положительных прогнозов. Тема Демона вновь захватила Врубеля спустя 9 лет.

Незавершённая картина «Демон летящий», 1899 год. Местонахождение: Государственный Русский музей, Санкт-Петербург, Россия.

Через полгода интенсивного лечения живописец, казалось бы, пошёл на поправку. Его состояние стало стабилизироваться, он уже планировал возвращение к нормальной жизни. Но теперь судьба приготовила новые потрясения – смерть сына. Этого удара художник перенести не мог. Он впал в депрессию, морил себя голодом, мечтая свести счёты с жизнью. Погрузившись в пучину безумия и ослепнув, Врубель провёл остаток своих дней в клинике для душевнобольных. До последнего дня он не мог вырваться из постоянных галлюцинаций.

 «Демон поверженный», 1902 год. Местонахождение: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

Несомненно, «Демон сидящий» был особенной картиной как для самого художника, так и для всей его жизни. Страшная судьба живописца и странные образы, созданные им, заставляют задуматься: где же проходит грань гениального и безумного? Какие образы преследовали живописца в последние годы его жизни? На этот вопрос мы не узнаем ответа, но наверняка эти персонажи были бы запечатлены в поистине гениальных и необыкновенных демонических творениях Врубеля.

Как думаете, что выйдет, если совместить мифологию и новейшие достижения науки? Вероятно, нечто совершенно неожиданное и Сальвадор Дали демонстрирует нам пример такого дикого симбиоза. Его картина «Атомная Леда» кажется одним из самых удивительных творений – как среди прочих работ Дали, так и вообще в мировой живописи. Леда, героиня древнегреческих преданий, на полотне Дали прекрасно сочетается с символами совершенно новой, другой эпохи. Вот только автор собирался показать вовсе не контрасты или продвижение технического и культурного прогресса. Идея Дали была куда глубже, причём она остаётся актуальной и в наши дни. Так что же зашифровал живописец на своей картине и о чём предупреждает нас «Атомная Леда»?

«Атомная Леда», это необыкновенное произведение Дали, после своего появления на свет немало удивило даже ценителей творчества мастера. Гладкие линии, томность и изысканность, некая математическая правильность позы – всё это было так несвойственно испанскому сюрреалисту. Интересно, что прежде живописец предпочитал писать лишь фрагменты тел, некие детали, не составляющие единого целого, но пребывающие в некой гармонии друг с другом. Здесь же всё-таки можно увидеть немало логичных и узнаваемых элементов, причём образ Леды кажется полностью завершённым и правильно выстроенным. Но что заставило художника отказаться от прежних принципов?

Сальвадор Дали, 1939 год / © Карл Ван Вехтен.

В 1940 году Сальвадор Дали отправился в Америку, его знакомые говорили, что за океан уехал сюрреалист а возвратился исследователь и философ. Вероятно, так оно и было. В те бурные, сложные и даже страшные годы живописец многое переосмыслил, поменялись его взгляды на жизнь и конечно, это отразилось в творчестве. Ни для кого не секрет, что прошлый век стал порой технического развития и научных достижений. Дали решил отразить всё это, теперь, после возвращения из Америки, он заявил, что объединит классицизм, религию и… квантовую физику. Да-да, он не скрывал, что последнее прямо-таки очаровывает его:

«Меня завораживает всё непонятное. В частности, книги по ядерной физике – умопомрачительный текст».

Сальвадор Дали «Атомная Леда», 1949 год. Местонахождение: Театр-музей Дали, Фигерас, Испания.

Но если в квантовой физике Дали не слишком разбирался, то геометрию можно по праву назвать его сильной стороной. Созданная им «Атомная Леда» отвечала не только принципам живописи, но и неким математическим основам, использованным Дали. Интересно, что фигура Леды размещена на картине так, что если поместить её в пентаграмму, она идеально впишется. Дали всегда придерживался правила золотого сечения, причём гордился своим умением сочетать художественное мастерство и геометрию. Есть предположение, что рождение «Атомной Леды» было своего рода реакцией художника на известие о бомбардировке Хиросимы и Нагасаки. Теперь мир видел, что человечество изобрело поистине страшное оружие, способное в одно мгновение уничтожить миллионы людей. Это осознание отражено и на картине, сам Сальвадор Дали писал:

«Эти взрывы потрясли меня до самых глубин моего естества. Отныне любимой моей темой сделался атом. Многие из пейзажей, написанных мной в тот период, отчетливо выражают глубочайшее чувство страха, который я испытал, узнав о взрывах».

Вдохновлённый информацией о структуре атома, частицы которого разделяет пустота, причём они никогда не соприкасаются, Дали решил создать нечто подобное и в живописи. Посмотрите на «Атомную Леду» – на картине предметы находятся в воздухе, они не наложены друг на друга (как на многих других полотнах мастера). Здесь даже море отделено от земли, что выглядит странно, но вполне логично, если следовать атомной теме.

Бомбардировки Хиросимы и Нагасаки потрясшие Дали.

Изображённая на полотне Леда, персонаж древнегреческих мифов, является возлюбленной Зевса, который обратился в лебедя, чтобы соблазнить свою избранницу. Можно заметить, что от фигуры Леды (писал её Дали, конечно, со своей музы и супруги Галы) и лебедя исходит свечение. Чем дальше от них, тем темнее становятся тона, они – символ жизни и света. При этом пространство вокруг Леды явно напоминает нам о хаосе и разрушениях, которые может вызвать атомный взрыв.

Со своей картины Сальвадор Дали словно бы обращается к каждому из нас, предупреждая: с открытиями и научными достижениями следует быть крайне осторожными, ведь среди них есть те, что способны погубить человечество и вообще всё живое на нашей планете. При этом Дали не пытается нас устрашать или рисовать жуткие образы последствий ядерного удара. Нет, однако в его случае образы столь красноречивы, что прочесть их можно без знания принципов художника.

Так, например в «Атомной Леде» мы видим трон, на котором восседает сама красавица, вот только он парит над землёй. Так мастер показывает разорванность атомной материи, здесь же присутствует разбитая яичная скорлупа. Она служит и олицетворением расщепления атомного ядра при взрыве, и символом уничтоженной жизни.

Конечно, Сальвадор Дали – один из самых необычных и уникальных художников в истории всей мировой живописи. Порой на его картинах можно увидеть сложные, трудночитаемые и фантастические образы. Но как раз в «Атомной Леде» он предельно открыт с каждым из нас. С помощью полотна Дали предостерегает людей от скоропостижных решений и роковых шагов. Атомные технологии прекрасны, как та самая Леда, они открывают новые возможности, но могут оказаться губительными для всего на земле и об этом никогда нельзя забывать.

Выставка "Атомная Леда" и другие образы Гала. Музей Фаберже.

Честно признаюсь, что увидев впервые картину Уильяма Блейка «Великий архитектор», я был и поражен, и восхищён одновременно. Яркость красок и столь необычная подача образа здесь действительно производят ошеломляющее впечатление. Каких только отзывов не получала эта гравюра! Её называли и шедевром, и богохульством, однако Блейку удалось главное – он не оставил равнодушным никого из тех, кому хотя бы раз доводилось видеть «Великого архитектора». И хотя основой сюжета произведения мастера является религиозная тематика, Блейк сумел виртуозно продемонстрировать ветхозаветную историю – так, как не делал никто. Итак, кто же изображён на картине «Великий архитектор» и каковы в этом творении главные изюминки Блейка?

Уильям Блейк был знаменитым английским поэтом, художником и гравером. Он не приобрёл признания при жизни, однако стал популярен уже после смерти. Этот тот самый случай, когда творческий человек поражает нас романтизмом своего мастерства, находящегося где-то между созиданием и разрушением. Известно, что у него случались галлюцинации и странные видения, некоторые из которых он переносил на свои полотна и гравюры. Как истинный творец, Блейк искал новые техники. Он изобрёл рельефный оттиск, который использовал для своих книг и картин. Самой известной серией работ в таком стиле стали многочисленные иллюстрации к Библии.

Томас Филлипс, Портрет Уильяма Блейка, 1807 год. Местонахождение: Национальная портретная галерея, Лондон, Великобритания.

В 1794 году у Уильяма Блейка родился замысел изобразить того, кто и является тем самым «Великим архитектором», а именно – Бога. Первоначальным названием гравюры стало «Ветхий днями» (The Ancient of Days). Это не просто красивое определение, а одно из имён Бога, которое можно встретить в книге пророка Даниила. Именно там указывается настолько подробное описание Творца, что просто поражает воображение:

“Видел я, наконец, что поставлены были престолы, и воссел Ветхий днями; одеяние на Нём было бело, как снег, и волосы главы Его — как чистая волна; престол Его — как пламя огня, колёса Его — пылающий огонь”.

Уильям Блейк «Великий архитектор», 1794 год. Местонахождение: Британский музей, Лондон, Великобритания.

Вторым названием картины стало «Великий архитектор». Здесь, наверное, объяснять не стоит – Бог действительно является создателем Вселенной. Вот только у Блейка мы видим крайне необычное его воплощение. Более того, сам художник называет его Уризен. Это имя – производное от английского слова, означающего разум. Выходит, что в интерпретации Блейка создателем является как сам Господь, так и некий высший разум, воплощением которого Бог является.

Картина «Великий архитектор» – это не просто одно из произведений мастера, а сложное и невероятно гармоничное выражение всех его религиозных чувств. Поразительно, что при жизни автора на эту гравюру практически не обращали внимание, заинтересовались «Великим архитектором» позднее. При этом современные искусствоведы заявляют, что часто замечают в этом творении Блейка новые детали и символы, которых прежде учёные не видели. Вот уж поистине – особенное произведение! Чем же интересна его картина? Первое, что поражает в ней – образ Бога. Это не величественный создатель, а настоящий мастер во время своего серьёзного дела. Нам приходилось видеть его на картинах других живописцев и расслабленным, и суровым, но Бог в интерпретации Блейка – сосредоточен и погружён в себя. «Великий архитектор» – это изображение Бога в момент наиболее напряжённой и кропотливой работы, требующей абсолютной точности. Поскольку в его руках – измерительный инструмент, можно понять, что именно сейчас Творец занимается тем, о чём сказано в Ветхом завете – созданием мира. Более того, здесь нет и речи о неограниченной свободе. Напротив, Блейк показывает нам, что Бог стремится чётко определить рамки и границы. Именно он устанавливает порядок и принципы, по которым будет существовать Вселенная. Здесь нет речи о полной свободе или, тем более, вседозволенности.

В случае с «Великим архитектором» Блейка заметны и иные интересные особенности. Как может показаться, блейковский Бог более всего напоминает ветхозаветного Яхве. С другой стороны, стоит обратить внимание на задний план гравюры. Мы видим, что Бог показан на фоне солнца, яркого и пылающего. Казалось бы, что здесь общего? Однако именно здесь автор отсылает нас к древнейшим языческим временам, когда верховные божества выступали демиургами. «Все религии одинаковы», – заявлял живописец.

Он явно подразумевал некие общие черты, которые действительно можно проследить во многих религиях мира. Практически в каждой из них есть высший разум, творец, тот самый «Великий архитектор», который некогда сотворил мир. И пусть именуют его по-разному, образ верховного бога не слишком изменился со временем, а в верованиях различных народов не слишком выделяется какими-либо уникальными чертами.

Бог показан на фоне солнца, яркого и пылающего.

«Великий архитектор» – гравюра Уильяма Блейка, которая не оставляет равнодушным ни одного зрителя. И хотя по достоинству она была оценена уже после смерти автора, даже в наши дни продолжаются споры относительно символов, изображённых живописцем, и их трактовки. Подача Блейка и его воплощение Бога до сих пор удивляют нас, а потому «Великий архитектор» не теряет своей популярности, о которой, вероятно, сам автор не мог и мечтать.

Виктор Михайлович Васнецов родился 15 мая 1848, Лопьял, Уржумский уезд, Вятская губерния, Российская империя. Умер 23 июля 1926, Москва, СССР) — русский художник-живописец и архитектор, мастер исторической и фольклорной живописи.

В самом начале 1896 года Виктор Васнецов закончил картину "Сирин и Алконост. Песнь радости и печали". Уже через два дня её доставили в дом великого князя Сергея Александровича и его жены Елизаветы Федоровны, с которыми художник был дружен.

Виктор Васнецов. Сирин и Алконост. Песнь радости и печали, 1896 год.

В основе сюжета картины Виктора Васнецова лежат образы, созданные народной фантазией славян. Но более глубокие истоки восходят к восточной и греческой мифологиям. На картине изображены мифические птицы Сирин и Алконост, которые в византийских и русских средневековых легендах символизировали райских птиц. Условно картину можно поделить на две части: левую - темную и правую - светлую. Так повелось в русской традиции, что левая сторона всегда была дурной, связанной с печалью и увяданием. Правая, наоборот была хорошей, воплощала надежду, радость и наслаждение.

Этой традиции придержался и Васнецов в своей работе. Слева, в темном образе, он изобразил птицу Сирин. В славянской традиции Сирины - это полулюди-полуптицы, обоеполые, поющие настолько сладкие песни, что слышавший их теряет рассудок, идёт на голос, не замечая пути, падает в воду и умирает. Даже по своему звучанию имя этих птиц напоминает древнегреческих сирен, губивших отважных моряков своими сладкоголосыми песнями. На картине Васнецова оперение птицы Сирин темное, её голова склонилась вниз а лицо искажено страданием.

Напротив, птицу Алконост Васнецов изобразил в светлых тонах. У Алконоста светлое оперение, румяное лицо, раскрывающиеся крылья. Песни птицы считались утешительными и ассоциировались с радостью.

Но обратите внимание, птицы сидят на ветвях одного дерева а за их спинами фоном изображен рассвет. Они как бы неразделимы друг от друга. И неизвестно, что принесет новый день - радость или печаль. Какая птица перепоет другую. Обе девы-птицы едины и неделимы - вечные спутники жизни каждого человека. И в этом великая гармония жизни.

Фриз жизни: поэма о любви, жизни и смерти — цикл работ норвежского художника Эдварда Мунка, задуманный им с целью отобразить все основные аспекты человеческого бытия. Первые работы цикла были созданы им в начале 1890-х годов, однако в таком виде, каким его задумал художник, фриз демонстрировался только в 1902 году в галерее Берлинского сецессиона.

В этот замечательный день, я хочу ознакомить вас с историей самой центральной картины всего цикла - "Танец жизни" и показать картины первой и самой прекрасной части цикла - "Рождения Любви".

Танец Жизни 1899-1900 год. C 1910 года находится в Национальной галерее в Осло.

На картине изображён летний праздник: юноши и девушки танцуют парами на берегу моря в лунную ночь (на картине узнаётся реальное место в Осгорстранне, где регулярно устраивались танцы). Среди празднующих выделяются три женские фигуры в платьях символических цветов — белом, красном и чёрном. Девушка в белом стоит слева, поодаль от танцующих, рука её тянется к цветку на высоком стебле. Женщина в красном танцует с мужчиной, которому художник придал собственные черты: они изображены в самом центре картины. Наконец, женщина в чёрном стоит возле правого края картины: у неё, как и у девушки в белом, нет партнёра, и она ревниво смотрит на танцующих. Сюжетно такая композиция перекликается с другой картиной Мунка — "Тремя возрастами женщины" (известной также как Сфинкс), которой в первоначальном варианте Фриза жизни предназначалось место, впоследствии занятое "Танцем жизни": женщина на ней изображена в трёх ипостасиях — как юная девственница в белом, соблазнительная обнажённая красавица и скорбная бледная фигура в траурном одеянии.

Исследователи творчества Мунка предполагают, что сюжет новой картины был подсказан Мунку пьесой датского символиста Хельге Роде «В вихре вальса». Сам художник утверждал, что в основу «Танца жизни» легли воспоминания о его первой любви, Милли Таулов: "В центре большой картины, написанной этим летом, я танцую со своей первой любовью; эта картина — воспоминание о ней. Слева белокурая девушка с улыбкой безнаказанности тянется за цветком любви. Справа женщина в трауре тревожно следит за танцующей парой. Она исключена из веселья — как был исключён и я, когда они танцевали". Биограф Мунка Атле Нэсс, однако, полагает, что большее влияние на содержание полотна должны были оказать отношения художника с Туллой Ларсен, ещё продолжавшиеся на момент написания картины: женские фигуры справа и слева каждая по-своему...в деталях напоминают её портрет, написанный Мунком в начале их отношений... Женщина в белом, стоящая слева — это молодая Тулла, которая всё еще надеется с помощью своей всепоглощающей любви выманить его наружу... Женщина в чёрном, постарше — это Тулла, признавшая своё поражение.

Список картин первой части фриза жизни, Рождение Любви:

Голос 1893 год.

Красное и белое 1894 год.

Глаза в глаза (известна также как Влечение) 1895 год.

Танец на берегу 1900 год.

Поцелуй 1892 год.

Мадонна 1894 год.

          P.S. Уважайте, любите, берегите и цените свои половинки, несмотря ни на что и будьте счастливы, ведь жизнь так коротка... С Днём Святого Валентина, пипмэйнеры! <3 Ах да, чуть не забыл.. и со средой мои чуваки.

Константин Флавицкий прожил короткую жизнь. В 35 лет, в 1866 году, он умер от чахотки, зародившейся в Италии и развившейся в петербургском климате. Художник мечтал о славе, о бессмертии, о картине, которая оставила бы о нём память на века. Но он не знал, что такой картиной станет его последнее произведение которое он писал уже безнадёжно больным. Это всем хорошо известная картина "Княжна Тараканова".

Константин Флавицкий. Княжна Тараканова, 1864 год. Третьяковская галерея.

Картина была написана в 1864 году, и в этом же году впервые выставлена на выставке Академии художеств. Владимир Стасов, известный критик того времени, назвал полотно Флавицкого "чудесной картиной, славой нашей школы, блистательнейшим творением русской живописи".

Полотно сразу заметил Павел Третьяков и захотел купить его для своей коллекции. Он предлагал художнику 3000 рублей (очень большие деньги по тем временам), но тот хотел не меньше 5000, нужны были средства на лечение в Европе. Третьяков не сдавался, стоял на своём, но они так и не смогли договориться. После смерти Павла Флавицкого, Третьякову поступило предложение от братьев художника. За картину теперь просили не меньше 12 с половиной тысяч рублей, но Третьяков снова не соглашался. В итоге он всё же купил картину, братья художника оказались на гране нищеты и продали её за 2.500 рублей.

Сейчас она занимает почётное место в знаменитой Третьяковской галерее в Москве. Многие её видели, все её знают, но не всем, вероятно, известен тот факт, что Флавинский создал несколько вариантов Княжны Таракановой. В Третьяковсой галерее находится самый поздний вариант картины, ещё один принадлежит Пензенской областной картинной галерее имени К. А. Савицкого, она меньше по размеру той, что в Третьяковке. А вот на право владеть, предположительно, первоначальным вариантом картины, написанном в 1862 году, выступает Екатеринбургский музей изобразительных искусств.

Константин Флавицкий. Княжна Тараканова, 1862 год. Екатеринбургский музей изобразительных искусств.

На обеих картинах, на первый взгляд очень похожих, изображен один и тот же сюжет. Смерть княжны Таракановой, самозванки, выдававшей себя за дочь императрицы Елизаветы Петровны, в казематах Петропавловской крепости. Не буду пересказывать историю жизни этой, как её называют, авантюристки, о ней много написано и без меня, не буду также определять правдивость и историческую достоверность того, что изобразил Флавинский, об этом тоже много сказано. Хочу только сравнить эти две картины, так похожие и вместе с тем, не похожие друг на друга. Между их созданием лежит два года, первую Флавинский писал сразу после возвращения из Италии, когда болезнь только-только начинала давать о себе знать. И первая картина получилась более светлой и красочной, вторая - более мрачная, более трагичная. Художник уже чувствует приближение и своего конца, пугающего и всё-таки дающего надежду освобождения от муки болезни.

Посмотрите на окна каземата, на первой картине всего лишь серый, мрачный, пасмурный петербургский день. А из окна на второй картине словно льется яркий свет, какой-то потусторонний, зовущий. Да и образ самой героини картины изменился.

Если на первой картине мы видим пышущую здоровьем даму, написанную в стиле Брюллова, которым Флавинский восхищался и которого пытался превзойти, то на второй - Тараканова предстаёт перед нами измождённый, потерявшей всяческую надежду. Достаточно сравнить лишь лица, на втором уже виден явный отпечаток смерти.

И ещё одна интересная деталь. Предметы, стоящие на столе, на второй картине хлеб и кружка внизу словно прозрачные. Это не брак репродукции и это не случайность, перед нами символ уходящей жизни, растворение в небытие.

Недаром и сама Тарканова одета в белое, подвенечное платье. Она - невеста смерти а красная накидка - это символ мученичества. Так что под маской исторического сюжета Флавицкий создал нечто большее. Он написал картину о победе над страхом смерти, историю о собственной борьбе, о надежде, что там, за чертой, ждёт что-то светлое.

Нейросеть сгенерировала арт изображая его старым. Такие люди несомненно заслуживают на долгую и счастливую жизнь.

В великой войне богов, которую ныне называют титаномахией, как известно, победу одержали олимпийцы во главе с Зевсом. "Историю пишут победители"... Вот и историй о победителях сохранилось значительно больше, чем о побежденных. Да и что о них писать. Олимпийцы одержали победу с помощью циклопов и гекатонхейров, а побежденных титанов Зевс с помощью Афины, Аполлона и Артемиды, сбросил прямиком в Тартар. Всех, да не всех. Из участников сражения на земле остался Атлант, которому Зевс положил на плечи и голову небесный свод.

Гверчино. Атлант 1646 год.

Римский писатель Гигин в своих Мифах пишет:

• Атланту же, который был их вождём, он бросил на плечи небесный свод и тот, как говорят, до сих пор поддерживает небо.

Кем же был Атлант? Сведений о нем сохранилось немного, да и те, что сохранились во многом разнятся. Но наиболее популярной является та, в которой сообщается, что Атлант был сыном титана Иапета и океаниды Климены, т.е. титаном во втором поколении. И если придерживаться этой версии, то родным братом всем известного Прометея, кстати выступившего на стороне Зевса и поэтому не сброшенного в Тартар. У Прометея тоже в последствии оказалась нелегкая судьба, но её не сравнишь, конечно, с тяжелой судьбой Атланта,  причем, тяжелой в самом прямом смысле. Держать на своих плечах небо - та еще задачка.

Рубенс 1636 год.

Бернар Пикар, Атлант держит небеса на своих плечах 1731 год.

Тим Хильдебрандт.

Борис Валеджо.

В греческой мифологии имя Атланта встречается в двух мифах. Во-первых, в мифе о Персее. После того, как Персей победил Медузу Горгону, судьба его занесла к Атланту. Он приказал не мешать ему и уходить, но Персей, гордый своей победой над Горгоной, показал ему страшную голову и превратил Атланта в каменную статую. Атлант окаменел, волосы с бородой превратились в леса, плечи и руки в горный хребет Атласских гор, а голова стала горной вершиной.

Эдвард Бёрн-Джонс, Серия «Персей: Атлант, обращенный в камень» 1878 год.

Гиллис Койнет. Персей и Атлант 16 век.

Второй миф связан с другим известным древнегреческим героем - Гераклом, с его подвигом по похищению яблок Гесперид. Атлант был отцом Гесперид и стоял с небом на плечах недалеко от волшебного сада Гесперид.

Джон Сингер Сарджент. Атлант и Геспериды 1925 год.

Геракл, проходя мимо Атланта, предложил ему подержать за него небосвод.

Уолтер Крейн. Геракл и Атлант 1852 год.

За это он просил его достать золотые яблоки, что Атлант и сделал. Но когда он принес яблоки, подумал, что держать небесный свод ему больше не хочется.

Лукас Кранах Старший. Геракл и Атлант 1537 год.

Тогда Геракл попросил на время его сменить, чтобы сделать себе подушку под голову. Атлант положил яблоки на землю и заменил Геракла. Тот в свою очередь забрал их и ушёл, оставив обманутого Атланта и дальше удерживать небосвод. Вот так и держит, говорят, до сих пор.

Стэнтон Макдональд-Райт. Атлант 1965 год.

Томас Макнайт. Атлант 20 век.

Это картина нидерландского художника Питера Ластмана (1583-1633), известного тем, что у него композиции и живописному историческому повествованию учился сам Рембрандт. Картина называется "Юнона обнаруживает Юпитера с Ио" нарисована в 1618 году. Сейчас она находится в Национальной галерее в Лондоне.

Сюжет картины, думаю многим известен. Сластолюбец Юпитер (он же - Зевс) воспылал страстью к дочери речного бога Инаха по имени Ио, бывшей жрицей его жены богини Юноны (она же - Гера). Согласно мифу, Юпитер превратился в облако, опустился к Ио и овладел ею. Влюбчивым был Юпитер, потому и "злой шутник, озорник" Купидон всегда поблизости.

Но причём тут изображённая на картине корова? Темболее она почти главный персонаж картины. Ведь только корова смотрит прямо на зрителя, словно говоря с ним, рассказывая свою историю.

Посмотрите, какие красивые и печальные у коровы глаза. Недаром часто её называют "Самая красивая корова". А потому что это и есть та самая Ио, которую возжелал Юпитер а потом превратил в корову.

А всё потому, что его, как сейчас говорят, "застукала" жена, ревнивая Юнона.

На колеснице, запряжённой павлинами (павлины - символ Юноны), обманутая жена прорвалась через облако и гневно воззрилась на супруга.

Струхнул конечно Юпитер. Он хотя и главный бог, но жену свою побаивался. Очень уж виноватым он выглядит на картине.

Чтобы скрыть от жены свои шалости, быстро превратил Ио в белую корову. И на вопрос жены: "А это кто?", находчиво ответил: "Красивая корова". Соврал шельмец. И чтобы показать, что Юпитер врёт жене, глядя прямо ей в глаза, Ластман изобразил рядом с ним мужчину, Аллегорию Обмана.

На лице у мужчины маска лжи, вместо пояса - лиса, символ обмана. "Ах, значит красивая корова, - воскликнула умная Юнона, сытая по горло враньём мужа. - Тогда подари мне её". И ничего не оставалось Юпитеру, как подарить корову жене. И начались после этого мучения бедной Ио, которой ревнивая Юнона жестоко мстила. А ведь невиновной была девушка, да разве с богами поспоришь?

А вот ещё произведение в виде стиха:

Эдвард Мунк родился 12 декабря 1863 года в Лётене, Хедмарк - это норвежский живописец и график, один из первых представителей экспрессионизма. Его творчество охвачено мотивами смерти, одиночества, но при этом и жаждой жизни. Самым узнаваемым образом стала картина "Крик" о которой и пойдёт речь в данной статье.

Этот непреходящий образ получил наследие ужасов благодаря повторяющимся чертам в популярной культуре и послужил источником вдохновения для множества различных средств массовой информации. Даже в 21 веке шедевр ужасов Мунка всё ещё жив и вероятно, будет существовать ещё много столетий.

Существует пять различных версий "Крика": три картины, пастель и литография, созданные между 1893 и 1917 годами. Они были частью серии картин, известной как "Фриз жизни".

С самого раннего возраста Эдвард Мунк был поглощён горем и несчастьем, которые повлияли на его годы становления и часто обременяли его глубокой депрессией. Его собственное душевное состояние часто отражается в его работах, в которых регулярно фигурируют темы страха, боли и смерти. Источник вдохновения для сцены на картине был подробно описан самим художником в дневниковой записи от 22 января 1892 года. Согласно этой записи, Мунк гулял с двумя друзьями во время заката и внезапно остановился, чтобы поглядеть красный цвет неба. Его сердце наполнилось тоской и болью, и он был вынужден прислониться к забору, дрожа от беспокойства. Именно в этот момент он почувствовал великий, бесконечный крик, пронзающий природу.

Это почти в точности та сцена, что изображена на картине, где под кроваво-красным небом можно увидеть центральную фигуру, стоящую у забора и пытающуюся заткнуть уши, чтобы заглушить звук крика. В то время как некоторые интерпретируют эту сцену как имеющую некоторую связь с извержением вулкана Кракатау в 1883 году и возникшими в результате природными явлениями, другие видят в ней просто излияние экзистенциальной тревоги, возникшей в результате измученного и беспокойного душевного состояния художника. Леденящее кровь, ужасающее лицо на картине, лишённое большинства человеческих черт, устрашающе похоже на мумию народа чачапойя в Перу. Ещё интереснее то, что подробные сканы версии картины «Крик», выставленной в Норвегии, обнаруживают надпись в верхнем левом углу «Может быть написана только сумасшедшим», которая, как позже выяснилось, была написана самим Мунком. Учитывая критику и общественное сомнение в отношении его здравомыслия после того, как картина была впервые показана, это кажется саркастическим поклоном художника своим критикам.

Шедевр ужасов Мунка неоднократно проникал в массовую культуру, как благодаря вдохновлённым  произведениям в различных средах, так и захватывающей истории самой картины, которая была украдена не один а два раза. Самой известной производной работой, безусловно, будет «Крик (по мотивам Мунка)» Энди Уорхола, урезанная версия картины, созданной в стиле Уорхола. Пожалуй, самая известная и самая устойчивая дань уважения картине Мунка "Крик" принадлежит кинорежиссеру Уэсу Крэйвену и его серии фильмов ужасов "Крик". Как гласит история, ужасающая маска-скелет, которую знают и любят поклонники ужасов во всем мире, изначально была разработана Бриджит Слейртен, создательницей костюмов, как дань уважения видению Мунка. Уэс Крэйвен, столкнувшийся с этим творением, сразу увидел его потенциал и оно стало основным реквизитом для его хоррор-пародии "Крик". Именно устойчивый образ этой пустой, бездушной маски закрепляет наследие живописи Мунка в поп-культуре ужасов.

Помимо Крэйвена, другие режиссёры также по-своему отдали дань уважения Мунку. Примечательно, что Тим Бертон помнит и вспоминает шедевр Мунка в своём фильме 1982 года «Винсент» . Ещё один важный намёк можно увидеть в популярном сериале «Доктор Кто», где злодеи-гуманоиды, известные как «Молчание», являются почти реальным изображением картины. На самом деле, многие люди также предполагают, что Лорд Волан-де-Морт, наводящий страх злодей из серии о Гарри Поттере, также был смоделирован по образцу главного героя из "Крика" Мунка. Помимо фильмов, картина много раз упоминалась в мультфильмах, анимационных сериалах, манге и других средствах массовой информации и даже послужила источником мемов и товаров, таких как пальчиковые куклы.