Всех с пятницей)

Самое время для пива и пасты

Поскольку в комментариях меня почему-то пинают, чтоб я выкладывал ещё рисунки - мне пришлось пойти на поводу у этих жестоких людей. Пожалуй, представлю главных героев. Биба и Боба, трудящиеся в службе эксплуатации одного не то, чтоб очень большого, но и не совсем маленького здания.

Остался только в таком виде, рисунок очень старый, а так это было нарисовано в фотошопе

Из недавних попыток рисовать в авторском мультяшном стиле.

Итак, Масленица:

Коляда: 

Купала:

Не уверена, что это тот уровень, который стоит публиковать, но почему бы и не поделиться. 

Может быть, эти рисунки так и останутся без дел, а может выльются в какую-нибудь более интересную задумку. Сейчас очень хочу разгрести свои рисовальные завалы и перевести эти картинки в вектор для последующей простенькой анимации. Но мои планы - такие мои... 

Портрет очень старый, но до сих пор люблю его больше других.

Нарисован акварельными карандашами

Наброски для большой будущей работы тоже могут быть каракульными (а могут быть и нормальными). Как нам говорили, художники перед большой работой могут делать много подготовительных эскизов и скетчей. Примерять композицию, прорабатывать и решать какие-то отдельные моменты и задачи в работе. Не знаю, как много профессиональных или даже великих художников делали и делают эту работу, но я этот метод не одобряю)

Не смотря на то, что нас в вузе заставляют делать подготовительную работу перед живописью, я втихоря начинаю рисовать сразу на большом формате. Иначе уже на подготовительном этапе я потеряю интерес к натуре. Мне кажется, чем больше времени тратится на работу, тем более она будет замыленной и скучной.

В моих реалиях работа состоит из нескольких этапов:

Предварительные эскизы, чаще всего они ещё и с предварительным покрасом }:(

*Набросок/эскиз на большом формате

*Подмалевок (прости Господи, это такая гадость, когда заставляют разведенной жидкой краской размечать цвет на работе)

*Основной пласт работы (живопись или штрихование)

*Правки (50% от работы)

*а еще кисти помыть, краски убрать, палитру ополоснуть, ёлки палки. 

Я человек, который всеми руками за то, чтобы работа была более живой и подвижной. Поэтому из этого плана я вырезаю следующие моменты: предварительная работа, подмалевок и иногда набросок на большом формате.

Почему? Как я уже писала, план помогает остыть моему интересу и делает работу менее живой. А я упорно считаю, что первый набросок – это первое впечатление от работы, самое живое, самое интересное и самое правдивое её изображение. Поэтому я стараюсь сделать первый набросок сразу на холсте. К тому же в моих реалиях я очень ограничена по времени (пара-то полтора часа длится) и тратить хоть минуту на лишние действия, а потом в попыхах дописывать работу, делая все как попало, ой как не хочется. 

Почему предварительные эскизы кажутся мне плохой идеей? Скорее всего формат такого эскиза и формат листа будут отличаться, поэтому на большом формате придётся перекомпоновывать рисунок заново. У меня редко бывают проблемы с этим, в ситуации "не получается" обычно я просто рисую маленькую композицию в углу листа, а потом обвожу её в прямоугольник, чтобы понять, где и как мне расположить эту композицию.

А что не так с подмалевком? Как говорила моя преподавательница из художки, лучше всего ложится первый слой краски. Я с ней соглашусь, по моему мнению подмалевок портит бумагу, из-за воды она становится менее качественной, более шершавой, к тому же туда впитывается пигмент краски. Потом тёмное пятно такого вот подмалевка хуй чем светлым перекроешь (без шуток, если у пятна были нервные границы, а рядом нужно нарисовать что-то белое, то подмалевок вполне может светиться из-под белой краски).

Естественно, весь этот план работы даётся скорее всего для того, чтобы мы сделали максимально хорошую работу. Но, опять же, долгая работа над работой ой как заебывает, а это снижает её качество. Ну и если в рисовании для себя как раз таки не нужно заботиться о результате, то в моем положении результат – главное. А каким способом я его достигла, это не важно. Тем более, что никто на просмотре не будет оценивать проделанную мной работу, только результат и ничего, кроме него. 

Вообще некоторые преподаватели художественных школ, студий и послешкольных учебных заведений любят оперировать такими понятиями как "нельзя" и "недопустимо". Можете смело слать их нахуй от моего имени. В акварели нельзя использовать белила, однако был же художник, который писал с белилами акварелью. И аргумент "ну он же великий" не канает, так как не великим он родился, да и у вас все впереди (минутка мотивации).

В творчестве одно правило – если это красиво, то можно все.

На этом я заканчиваю, котятки-ребятки. Следующий пост уж точно будет о тонах, а послеследующий о красках. Так как я особенно люблю тему материалов. Так же думаю о том, чтобы затронуть тему мастер-классов, сразу говорю, что там я буду основываться на личном мнении. 

Вообще я обещала рассказать о тонах, но хочется поговорить немного о набросках. 

Художники в большинстве своем заботятся о результате. Я же считаю, что этого делать не стоит. Так как натуру следует рисовать не задумываясь о ней, как об известном нам предмете.

Любой рисунок нужно начинать с наброска. По другому никак. Вообще. Набросок следует делать импульсовно и быстро. Грубо говоря, берешь и рисуешь. Не изучая и не думая о натуре. Взял карандаш и сразу начинаешь её зарисовывать с чего угодно, первое – что попадётся на глаза, при этом не беспокоясь о том, получится у вас или нет. Скорее всего ваш мозг выделит самые интересные моменты в натуре. В целом, для набросков очень подходит практика, где нормально рисуются только интересные моменты, а все остальные изображаются схемозно или не изображаются вовсе.

Прикрепляю пример такого скетча. 

Есть ещё практика набросков, когда берётся карандаш в максимально свободной манере. Т.е. Вы можете взять его профессионально, как я показывала в прошлом посте, а можете ещё более свободно. Я лично складываю три пальчика вместе (похоже на положение руки, когда человек хочет щёлкнуть пальцами или собирается креститься) и вставляю в эту троицу "жопку" карандаша. Так, держа карандаш за пипку кончик, рисую набросок одной непрерывной быстрой линией. Да, она будет кривой. И что? Такая линия сделает сразу две вещи: поможет изобразить целостную объединенную форму натуры и запечатлеть интересные моменты в ней (например, какой-нибудь интересный изгиб).

Кстати, расскажу вам забавную штуку. Вы же наверняка видели фотографии красивых профессиональных набросков из какого-нибудь скетчбука какого-нибудь художника?

На самом деле такие наброски делаются с целью сделать набросок, а не привести его к полноценной работе. А если быть точнее, то такой набросок и есть в какой-то степени полноценная работа. Это достаточно быстрая техника рисования, которая помогает и прильнуть к творчеству, и не запариваться над сложной работой.

Такие наброски смело идут в инстаграм и получают кучу положительных отзывов. Но! За такими удачными набросками может стоять столько же неудачных, а иногда и больше.

Неудачны они скорее всего визуально. Так как "охотничьи" наброски (я их так называю) обычно служат для того, чтобы поймать что-то интересное, запечатлеть это и потом использовать в дальнейшей работе. Это не значит, что если я заскетчу человека, я потом нарисую этого человека. Это значит, что у него могут быть интересные черты лица, забавная прическа или классный костюм.

Такие наброски как правило выглядят как каракули, со стрелочками, какой-то грубой штриховкой и иногда подписями. Такое в инстаграм обычно не выкладывают. Подобные наброски похожи на записную книжку или сделанный для себя конспект.

Когда вы пишите красиво и разборчиво, то скорее всего вы пишите это со знанием того, что кто-то это увидит и будет читать. Свои конспекты вы скорее всего пишите сокращая, быстро, опять же со стрелочками, не всегда разборчиво, делая какие-то пометки, используя китайские иероглифы и так далее.

Естественно и для себя можно писать красиво, особенно, если на это есть время. Но у ходожника на это времени нет, так как натура изменчива, подвижна и динамична. Поза человека может измениться в любой момент, поэтому его нужно зарисовать как можно быстрее. А начинает он как раз с самого интересного, поэтому и выходят чаще всего каракули, которые в состоянии разобрать только сам художник. И ему этого достаточно, он по наброску с лёгкостью вспомнит свою натуру и передаст в последующей своей работе то, что он так усердно и отчаянно пытался запечатлеть в проходящем мимо.

А теперь посмотрите наброски на фото. Они уже закончены и вряд ли буду использоваться в дальнейшей работе. Почему? Потому что в них нет какой-то интересной, необычной детали, которая нужна была художнику. Позы стандартны и легко воспроизводятся из головы или по референсам в сети.

Все фигуры статичны (здесь натура малоизменчива) и изначально подбирались с целью долгого рисования (на быстрый набросок обычно даётся от 30 секунд до двух минут) и прорисовки деталей.

Поэтому совет. Если планируете делиться своим творчеством, то заведите два скетчбука, а не один. Первый – для красивых разгрузочных набросков (как я уже писала, это наброски для моментов, когда не хочется рисовать полноценную работу), а второй – что-то вроде черновика или записной книжки, с которым вы будете ходить на охоту и зарисовывать интересное.

Что такое охота? Это когда человек идёт рисовать с целью поиска идей. Нас в универе часто выгоняют на пленэр, чтобы мы зарисовывали людей и животных для дальнейшей переработки их в персонажей. И наша задача нарисовать как раз таки что-то интересное.

В следующем посте расскажу о ведении работы, так как она тесно связана с набросками. Выпущусь через пол часика примерно) 

Как рисовать? В первую очередь измените свое мышление (уууу, коучинг, инфоциганство, уууу). Нет, ну серьёзно. У вас есть внутренний диалог. И когда начинающих художник рисует, он чаще всего думает о том, что у него не получается нарисовать эту линию. А нужно вместо фразы "у меня не получается" задавать себе вопросы "как нарисовать эту линию?", "какой у неё характер, форма?". Задавайте вопросы натуре, с которой вы рисуете. Вопросы о её характере, форме, внешности, изгибах. Вы должны изучать натуру. Это первое, что помогло мне нарисовать работу на порядок лучше, чем раньше.

Запомнили? Закрепили. "У меня не получается" – идет нахуй. "Как лучше вести эту линию?" – э, брат, захади, дарагой, буд как дома, путник я ни в чем не откажу.

Второе. Держите карандаш правильно. Рука должна быть на весу, а лист желательно положить на что-то твёрдое и поставить почти вертикально, чутка отклоняя его верхнюю часть от себя (погуглите мольберт). Вернёмся к карандашу. Правильное держание карандаша на фото. По началу вам будет тяжело держать руку на весу да ещё и в таком положении, но вы быстро привыкните. Такая позиция позволяет рисовать более длинные линии и захватывать большую область листа. Правильно держать карандаш важно, даже при поступлении в универ у меня на собеседовании единственное, что у меня спросили умею ли я держать карандаш)) 

Однако, вы можете держать карандаш так как привыкли (как ручку), но только при проработке мелких деталей, например глаз или маленьких цветочков. 

Смотрите на натуру больше, чем на рисунок. Художники часто совершают такую ошибку и посвещают большую часть своего времени работе. Делаем так. 3 секунды на натуру, 2 на рисунок. Запомнили кусочек натуры и сразу зафиксировали его на листе бумаги.

Забудьте все, что знаете о натуре. Представьте, что это незнакомый вам предмет. Можете перевернуть фотографию вверх ногами, например.

И старайтесь рисовать его в точности так, как видите, не упрощая и не стилизуя. Не нужно пытаться нарисовать что-то от себя. И помните, что вы понятия не имеете, что рисуете. Вы изучает линии, задаёте им вопросы и рисуете их. Вы не знаете, что арбуз круглый, а коробка квадратная. Вы видите только линии и фигуры.

О фигурах. Разбейте натуру на фигуры/формы, а лучше на силуэты. Допустим у вас ваза с цветами. Не рисуйте сначала вазу, а потом цветы. Нарисуйте их вместе. Общей формой. Затем прорисовывайте более мелкие формы внутри. В нашем примере это будет форма вазы и общая форма цветов. Можно просто разделить их линией, а можно нарисовать форму вазы и форму цветов поверх нарисованной ранее общей формы. Затем рисуем ещё более мелкие формы. В цветах это будут формы листьев, формы стеблей и формы цветов. В вазе – какие нибудь узоры и детали.

Ластик и поиск линий. Не бойтесь наносить несколько линий на одно место. Так вы ищите правильную, и так укрепляется ваша рука.

Не стоит стирать каждую неправильную линию ластиком, так как новую вы скорее всего проведёте там же, где старую. Когда вы оставляете ошибочные линии на бумаге, вы рисуете другие рядом с ней, так повышаются шансы нарисовать правильную. Все лишние штрихи можно стереть тогда, когда закончите набросок. Помните, как рисуют дети? Одной чёткой жирной кривой линией. Вот так делать не надо. Не давите на карандаш и старайтесь проводить линию быстро. Так она будет намного ровнее.

Сравнивайте разные части натуры между собой. Так вы сможете прочувствовать пропорции и изобразить их правильно. Видели, как художники вытягивают вперёд карандаш, что-то фиксируют на нем большим пальцем и закрывают один глаз? Ваша задача сделать так же. Вернёмся к нашей вазе. Нам нужно понять на какой высоте от вазы рисовать цветы. То есть мы берём карандаш, вытягиваем его вперёд. Закрываем один глаз. Кончик карандаша пристраиваем к верхней линии вазы, а нижнюю фиксируем с помощью большого пальца на карандаше. Потом эту конструкцию (не отрывая пальца) подносим к цветам. Кончик карандаша – к самой верхней точке цветов, смотрим где низ цветов. Большой палец не дергаем, держем там, где фиксировали изначально. Допустим, у вас все удачно и нижняя точка цветов точно там же, где и ваш палец. С помощью карандаша так же отмечаем на листе длину вазы и сравниваем её с цветами. Ставим на бумаге отметинку, по которой мы будем рисовать цветы. Теперь мы знаем, что наши растения не должны быть далеки от этой точки. 

Если не планируете раскрашивать рисунок, то для передачи пространства сделайте те линии, которые на натуре ближе к вам более четкими и жирными, а те, что дальше от вас более светлыми и тонкими, можете пройтись по ним ластиком. Например, если вы рисуете бабочку, то одно её крыло будет ближе к вам, чем другое, его-то и нужно нарисовать более заметной линией.

Если планируете класть тон, то ждите следующий пост. Не знаю, когда его выпущу))

...вот так: 

И вот, что из этого получилось:

Акварель + поталь

На Пикабу какое-то время часто случались срачи о том, является ли гиперреализм искусством. Я скорее не принимала гиперреалистичные картины: 

1. Я совершенно не понимаю, как можно рисовать по размеченной бумаге (без построения? Да вы с ума сошли)

2. Гиперреалистичные картины почти всегда очень скучные. 

Но чего я точно не могла принять в критике, так это утверждения, что рисовать гиперреализм легко. И вот как-то решила поставить эксперимент и нарисовать два портрета: один в силу своих способностей довести хотя бы до реализма, а второй по-своему стилизовать. 

Вот они:

и: 

Первый доводила до ума где-то полгода, второй максимально простой. 

Итак, почему эксперимент провалился? Да потому что ничего не получилось х) Я так и не дотянула портрет не то, чтобы до гиперреализма, но даже до хорошего реализма. Да и стилизованный спустя время(рисовала более года назад) вижу неудачным.

Зачем я все это делала? Проверить себя и посмотреть на реакцию публики. Было подозрение, что реалистичный портрет будет принят лучше стилизованного, не смотря на всеобщие осуждения.

Выводы, которые я смогла сделать(точнее, подтвердить) для себя: рисовать ни капли не легко. И даже если кажется, что что-то не требует особых усилий и таланта, обесценивать это очень глупо. 

Но чего я так и не поняла: как можно рисовать по размеченной бумаге??? Возможно, мой эксперимент был провален ещё и из-за того, что я делала построение лица... Но кто его знает...

Такой вот "авторский контент".
Спонсор этого рисунка - автозамена.

Масло, холст.

Ван Пис 

Как-то друзья надоумили нарисовать этот кадр маслом. Штош, намалевать какую-то странную фигню я всегда готова.