Небольшая уютная комната с приглушённым светом. Посреди этой комнаты, составив свои стулья в круг, сидят люди. Один из них сидит чуть поодаль, как бы во главе. На его груди красуется значок с надписью: «12 лет без ...» (последнее слово написано неразборчивым вычурным шрифтом).

Ведущий: А теперь поприветствуем нового участника нашего клуба анонимных зависимых.

BarbedFrog: Здравствуйте. Меня зовут BarbedFrog и я анимешник.

Гробовая тишина. Все сочувственно и презрительно смотрят. Никто не хлопает.

Короче, посмотрел я тут одно аниме. Называется «Руки прочь от киноклуба». Может оно зайдёт не всем, так как тема там слишком специфична, и посвящена она рисованию аниме в школьном клубе двумя девочками под руководством третьей. «Охренеть как интересно!» — подумает кто-нибудь. Но на самом деле достаточно интересно. Офигенное аниме, всем советую. Возможно во мне говорит мой бэкграунд (одно время я довольно плотно интересовался 2D-анимацией. Не достиг успехов, но было интересно). Но, показалось, что зайдёт всем, даже не смотря на отсутствие увлечённости анимацией.

Так вот. Я почти не помню случаев, чтобы меня замотивировало на что-нибудь какое-нибудь произведение. Книга, фильм. анимация, игра — не важно. А вот это аниме замотивировало. Я решил сдуть пыль с 2D-анимации в моей голове и освежить свои навыки. Возможно этот импульс угаснет и ни к каким значимым результатам не приведёт. Но польза, возвращаясь к заголовку поста, от, казалось бы, бесполезного всё же есть. Просмотр аниме меня расшевелил и подвиг на свершения.

Освежал навыки я как обычно в обеденное время на работе (так же я изучал и Blender). Думал, сейчас сяду и что-нибудь нарисую. Дело на двадцать минут. Зашли и вышли. В реальности всё оказалось не так просто. Последний раз я 2D-анимацией занимался лет 10 назад. За это время программа, в которой я рисовал и анимировал, уже успела сменить название и владельцев. Да и я вообще всё забыл. Поэтому пришлось начинать с азов и смотреть уроки самого начального уровня (как нарисовать облачко, как заставить квадрат проехать с одной стороны экрана в другую). В итоге в этой анимации я закреплял  сразу несколько моментов: работу с масками, простая 2D-анимация с интерполяцией, покадровая анимация, анимация видимости слоёв, и самое главное, добавление 3D-объекта (тут-то мне и пригодился Блендер, не зря изучал).

Тон в рисунке.

Здесь мне будет немного сложно, так как эту тему я понимаю по большей части интуитивно. Мол как вижу, так и кладу тон.
Основной лайфхак – это разметить на рисунке границы трех основных тонов: тёмный, средний, светлый. Сюда ещё можно добавить блики.
На объектах бывает контраст между светом и тенью, то есть когда граница между ними чётко видна. А есть моменты, когда тёмный плавно перетекает в светлый. Такой участок называют полутенью. Она – среднее между тёмным и светлым.
Естественно, все зависит от натуры, но в начале пути можно рисовать так: сначала кладем темный, средний и светлый тон четко по линиям, а потом с помощью ластика и карандаша смазываем эти границы и создаем полутень.

Спойлер

Напомню, что ластик для таких операций нужен мягкий, кохинор со слоном не подойдет, он жесткий и будет просто смазывать карандаш. Я лично люблю ластики от deVente.

Тон и его влияние на цвет

Тон позволяет управлять взглядом зрителя. 
Его будет приковано к самым контрастным участкам, они станут зонами фокуса. А там, где тональности почти совпадают и смешиваются возникает «зона отдыха» — место, где наш взгляд берёт передышку и не наблюдает там событий.

Тон помогает передавать форму, пространство, настроение и помогает с определением цвета.

Тон влияет на настроение.
Картина в светлых тонах будет передавать спокойствие и умиротворение.
В темных - мистику, тревожность, напряженность

Если вы сомневаетесь, что ваша цветная работа тонально решена верно, то наведите на нее камеру и включите режим чб (из минусов, на мобиле может быть несколько таких режимов, в некоторых из них работа будет контрастной, а в других однотонной). У нас на первом курсе было упраждение: сделать растяжку (градиент) одного цвета (от темного к светлому), потом разрезать полоску на квадратики и сложить из них еще квадрат. Мы делали три квадрата: в одном все темное, в другом все светлое, в третьем все контрастное.

С чего тонировать?

С учебной точки зрения советуют тонировать или писать (для смертных - раскрашивать) работу, начиная со светлых оттенков (кроме живописи маслом), так как их легче затемнить, нежели осветлить темные (а в акварели это почти невозможно). Но я считаю, что все индивидуально, мне гораздо легче положить самые темные тона и потом, ориентируясь на них, делать тональную растяжку по всему рисунку, заканчивая светлыми тонами и бликами. Мне так легче, потому что темные моменты обозначают границы предметов, а в светлых участках я теряюсь, они у меня расплываются и сливаются с бумагой

Здесь могу посоветовать только пробовать. Можно вообще обозначить очень темные, очень светлые моменты и потом уже тонировать все остальное. 

Блик

Пояснение: в карандашном, угольном или другом монохромном рисунке блик - это незакрашенный участок бумаги. О рисунках на цветной бумаге не говорим, там много разных моментов и нюансов.

В цветном рисунке блик - участок белого цвета, в той же акварели он также не закрашивается. Я же не люблю чисто белые блики, как мне кажется, они могут нарушать общую цветовую гармонию. Поэтому я замешиваю (или выбираю на линейке цвета, если речь о диджитал рисунках) белый цвет с капелькой основного цвета предмета, на котором нарисую этот блик. Цвет почти не отличим от белого, но ощущение от палитры рисунка совсем другое.
Иногда блики могут быть двойными, например он белый и у него с одной стороны будет полупрозрачный кусок, либо весь блик может быть полупрозрачный. Все это зависит от стилизации или реализма в рисунке, задач, натуры, поэтому об этом потом (может быть).
Прикрепляю свои тональные работы, ну и на этом прощаюсь. В следующий раз расскажу о материалах, которыми можно рисовать (в основном о тех, которыми рисую я).

...то просто не надевайте его

Шью вышивочки и радуюсь жизни.

Не оформляю в рамки и как-то ещё, так как их покупают для подушек и одеял.

Доделала наконец эту вышивочку на пластиковой канве. Вообще у меня сделано ещё 4 вышивки, но они в стирке) потом покажу.

Изначально я взяла достаточно большую канву, поэтому боялась, что гитара будет громоздкая, особенно с учетом того, что в оригинальном дизайне нужно было брать канву гораздо меньше и гитара вышла бы длиной сантиметра 4, но в конечном итоге размер идеальный)

Дизайн пришлось чуть-чуть изменить, так как у автора чётко сказано, что вышивать нужно на пластике, но при этом там были стежки, которые возможны только на ткани (нужно было втыкать иглу в переплетения нитей). Но в остальном все хорошо! 

Во времена моего журналистского студенчества мы с ребятами часто писали стишки-пирожки, тренируя свой слог и фантазию. Позже от них откололся новый вид: стишки-порошки. Углубляться не буду, просто представлю вашему вниманию несколько интересных вариантов. 

Наконец я сделала эту миниатюру. Долго думала, но не решалась. Честно говоря, я ожидала, что получится хуже и корявее. Результатом довольна, как говорится "глаза бояться, руки делают". Смотрю и кайфую, кручу в руках. Общие размеры поделки 18*14,5 *13 см. 

Материалы: гофрокартон, зубочистки, туалетная бумага, сосновые иголки, мох, песок с детской площадки, акриловые краски.

Хотелось бы поставить рядом с замком героя на коне, но для этого нужен 3d принтер, которого у меня нет. Сама я точно слепить не смогу. А вообще в идеале сделать прям карту с замком, с лесопилкой, золотым рудником, деревьями и т.д. В общем, посмотрим. Пока надо немного отдохнуть, сил в эту поделку ушло очень много.

Серия магнитиков на холодильник, первым был космический кот. 

Видео в посте

Наброски для большой будущей работы тоже могут быть каракульными (а могут быть и нормальными). Как нам говорили, художники перед большой работой могут делать много подготовительных эскизов и скетчей. Примерять композицию, прорабатывать и решать какие-то отдельные моменты и задачи в работе. Не знаю, как много профессиональных или даже великих художников делали и делают эту работу, но я этот метод не одобряю)

Не смотря на то, что нас в вузе заставляют делать подготовительную работу перед живописью, я втихоря начинаю рисовать сразу на большом формате. Иначе уже на подготовительном этапе я потеряю интерес к натуре. Мне кажется, чем больше времени тратится на работу, тем более она будет замыленной и скучной.

В моих реалиях работа состоит из нескольких этапов:

Предварительные эскизы, чаще всего они ещё и с предварительным покрасом }:(

*Набросок/эскиз на большом формате

*Подмалевок (прости Господи, это такая гадость, когда заставляют разведенной жидкой краской размечать цвет на работе)

*Основной пласт работы (живопись или штрихование)

*Правки (50% от работы)

*а еще кисти помыть, краски убрать, палитру ополоснуть, ёлки палки. 

Я человек, который всеми руками за то, чтобы работа была более живой и подвижной. Поэтому из этого плана я вырезаю следующие моменты: предварительная работа, подмалевок и иногда набросок на большом формате.

Почему? Как я уже писала, план помогает остыть моему интересу и делает работу менее живой. А я упорно считаю, что первый набросок – это первое впечатление от работы, самое живое, самое интересное и самое правдивое её изображение. Поэтому я стараюсь сделать первый набросок сразу на холсте. К тому же в моих реалиях я очень ограничена по времени (пара-то полтора часа длится) и тратить хоть минуту на лишние действия, а потом в попыхах дописывать работу, делая все как попало, ой как не хочется. 

Почему предварительные эскизы кажутся мне плохой идеей? Скорее всего формат такого эскиза и формат листа будут отличаться, поэтому на большом формате придётся перекомпоновывать рисунок заново. У меня редко бывают проблемы с этим, в ситуации "не получается" обычно я просто рисую маленькую композицию в углу листа, а потом обвожу её в прямоугольник, чтобы понять, где и как мне расположить эту композицию.

А что не так с подмалевком? Как говорила моя преподавательница из художки, лучше всего ложится первый слой краски. Я с ней соглашусь, по моему мнению подмалевок портит бумагу, из-за воды она становится менее качественной, более шершавой, к тому же туда впитывается пигмент краски. Потом тёмное пятно такого вот подмалевка хуй чем светлым перекроешь (без шуток, если у пятна были нервные границы, а рядом нужно нарисовать что-то белое, то подмалевок вполне может светиться из-под белой краски).

Естественно, весь этот план работы даётся скорее всего для того, чтобы мы сделали максимально хорошую работу. Но, опять же, долгая работа над работой ой как заебывает, а это снижает её качество. Ну и если в рисовании для себя как раз таки не нужно заботиться о результате, то в моем положении результат – главное. А каким способом я его достигла, это не важно. Тем более, что никто на просмотре не будет оценивать проделанную мной работу, только результат и ничего, кроме него. 

Вообще некоторые преподаватели художественных школ, студий и послешкольных учебных заведений любят оперировать такими понятиями как "нельзя" и "недопустимо". Можете смело слать их нахуй от моего имени. В акварели нельзя использовать белила, однако был же художник, который писал с белилами акварелью. И аргумент "ну он же великий" не канает, так как не великим он родился, да и у вас все впереди (минутка мотивации).

В творчестве одно правило – если это красиво, то можно все.

На этом я заканчиваю, котятки-ребятки. Следующий пост уж точно будет о тонах, а послеследующий о красках. Так как я особенно люблю тему материалов. Так же думаю о том, чтобы затронуть тему мастер-классов, сразу говорю, что там я буду основываться на личном мнении. 

Вообще я обещала рассказать о тонах, но хочется поговорить немного о набросках. 

Художники в большинстве своем заботятся о результате. Я же считаю, что этого делать не стоит. Так как натуру следует рисовать не задумываясь о ней, как об известном нам предмете.

Любой рисунок нужно начинать с наброска. По другому никак. Вообще. Набросок следует делать импульсовно и быстро. Грубо говоря, берешь и рисуешь. Не изучая и не думая о натуре. Взял карандаш и сразу начинаешь её зарисовывать с чего угодно, первое – что попадётся на глаза, при этом не беспокоясь о том, получится у вас или нет. Скорее всего ваш мозг выделит самые интересные моменты в натуре. В целом, для набросков очень подходит практика, где нормально рисуются только интересные моменты, а все остальные изображаются схемозно или не изображаются вовсе.

Прикрепляю пример такого скетча. 

Есть ещё практика набросков, когда берётся карандаш в максимально свободной манере. Т.е. Вы можете взять его профессионально, как я показывала в прошлом посте, а можете ещё более свободно. Я лично складываю три пальчика вместе (похоже на положение руки, когда человек хочет щёлкнуть пальцами или собирается креститься) и вставляю в эту троицу "жопку" карандаша. Так, держа карандаш за пипку кончик, рисую набросок одной непрерывной быстрой линией. Да, она будет кривой. И что? Такая линия сделает сразу две вещи: поможет изобразить целостную объединенную форму натуры и запечатлеть интересные моменты в ней (например, какой-нибудь интересный изгиб).

Кстати, расскажу вам забавную штуку. Вы же наверняка видели фотографии красивых профессиональных набросков из какого-нибудь скетчбука какого-нибудь художника?

На самом деле такие наброски делаются с целью сделать набросок, а не привести его к полноценной работе. А если быть точнее, то такой набросок и есть в какой-то степени полноценная работа. Это достаточно быстрая техника рисования, которая помогает и прильнуть к творчеству, и не запариваться над сложной работой.

Такие наброски смело идут в инстаграм и получают кучу положительных отзывов. Но! За такими удачными набросками может стоять столько же неудачных, а иногда и больше.

Неудачны они скорее всего визуально. Так как "охотничьи" наброски (я их так называю) обычно служат для того, чтобы поймать что-то интересное, запечатлеть это и потом использовать в дальнейшей работе. Это не значит, что если я заскетчу человека, я потом нарисую этого человека. Это значит, что у него могут быть интересные черты лица, забавная прическа или классный костюм.

Такие наброски как правило выглядят как каракули, со стрелочками, какой-то грубой штриховкой и иногда подписями. Такое в инстаграм обычно не выкладывают. Подобные наброски похожи на записную книжку или сделанный для себя конспект.

Когда вы пишите красиво и разборчиво, то скорее всего вы пишите это со знанием того, что кто-то это увидит и будет читать. Свои конспекты вы скорее всего пишите сокращая, быстро, опять же со стрелочками, не всегда разборчиво, делая какие-то пометки, используя китайские иероглифы и так далее.

Естественно и для себя можно писать красиво, особенно, если на это есть время. Но у ходожника на это времени нет, так как натура изменчива, подвижна и динамична. Поза человека может измениться в любой момент, поэтому его нужно зарисовать как можно быстрее. А начинает он как раз с самого интересного, поэтому и выходят чаще всего каракули, которые в состоянии разобрать только сам художник. И ему этого достаточно, он по наброску с лёгкостью вспомнит свою натуру и передаст в последующей своей работе то, что он так усердно и отчаянно пытался запечатлеть в проходящем мимо.

А теперь посмотрите наброски на фото. Они уже закончены и вряд ли буду использоваться в дальнейшей работе. Почему? Потому что в них нет какой-то интересной, необычной детали, которая нужна была художнику. Позы стандартны и легко воспроизводятся из головы или по референсам в сети.

Все фигуры статичны (здесь натура малоизменчива) и изначально подбирались с целью долгого рисования (на быстрый набросок обычно даётся от 30 секунд до двух минут) и прорисовки деталей.

Поэтому совет. Если планируете делиться своим творчеством, то заведите два скетчбука, а не один. Первый – для красивых разгрузочных набросков (как я уже писала, это наброски для моментов, когда не хочется рисовать полноценную работу), а второй – что-то вроде черновика или записной книжки, с которым вы будете ходить на охоту и зарисовывать интересное.

Что такое охота? Это когда человек идёт рисовать с целью поиска идей. Нас в универе часто выгоняют на пленэр, чтобы мы зарисовывали людей и животных для дальнейшей переработки их в персонажей. И наша задача нарисовать как раз таки что-то интересное.

В следующем посте расскажу о ведении работы, так как она тесно связана с набросками. Выпущусь через пол часика примерно) 

Как рисовать? В первую очередь измените свое мышление (уууу, коучинг, инфоциганство, уууу). Нет, ну серьёзно. У вас есть внутренний диалог. И когда начинающих художник рисует, он чаще всего думает о том, что у него не получается нарисовать эту линию. А нужно вместо фразы "у меня не получается" задавать себе вопросы "как нарисовать эту линию?", "какой у неё характер, форма?". Задавайте вопросы натуре, с которой вы рисуете. Вопросы о её характере, форме, внешности, изгибах. Вы должны изучать натуру. Это первое, что помогло мне нарисовать работу на порядок лучше, чем раньше.

Запомнили? Закрепили. "У меня не получается" – идет нахуй. "Как лучше вести эту линию?" – э, брат, захади, дарагой, буд как дома, путник я ни в чем не откажу.

Второе. Держите карандаш правильно. Рука должна быть на весу, а лист желательно положить на что-то твёрдое и поставить почти вертикально, чутка отклоняя его верхнюю часть от себя (погуглите мольберт). Вернёмся к карандашу. Правильное держание карандаша на фото. По началу вам будет тяжело держать руку на весу да ещё и в таком положении, но вы быстро привыкните. Такая позиция позволяет рисовать более длинные линии и захватывать большую область листа. Правильно держать карандаш важно, даже при поступлении в универ у меня на собеседовании единственное, что у меня спросили умею ли я держать карандаш)) 

Однако, вы можете держать карандаш так как привыкли (как ручку), но только при проработке мелких деталей, например глаз или маленьких цветочков. 

Смотрите на натуру больше, чем на рисунок. Художники часто совершают такую ошибку и посвещают большую часть своего времени работе. Делаем так. 3 секунды на натуру, 2 на рисунок. Запомнили кусочек натуры и сразу зафиксировали его на листе бумаги.

Забудьте все, что знаете о натуре. Представьте, что это незнакомый вам предмет. Можете перевернуть фотографию вверх ногами, например.

И старайтесь рисовать его в точности так, как видите, не упрощая и не стилизуя. Не нужно пытаться нарисовать что-то от себя. И помните, что вы понятия не имеете, что рисуете. Вы изучает линии, задаёте им вопросы и рисуете их. Вы не знаете, что арбуз круглый, а коробка квадратная. Вы видите только линии и фигуры.

О фигурах. Разбейте натуру на фигуры/формы, а лучше на силуэты. Допустим у вас ваза с цветами. Не рисуйте сначала вазу, а потом цветы. Нарисуйте их вместе. Общей формой. Затем прорисовывайте более мелкие формы внутри. В нашем примере это будет форма вазы и общая форма цветов. Можно просто разделить их линией, а можно нарисовать форму вазы и форму цветов поверх нарисованной ранее общей формы. Затем рисуем ещё более мелкие формы. В цветах это будут формы листьев, формы стеблей и формы цветов. В вазе – какие нибудь узоры и детали.

Ластик и поиск линий. Не бойтесь наносить несколько линий на одно место. Так вы ищите правильную, и так укрепляется ваша рука.

Не стоит стирать каждую неправильную линию ластиком, так как новую вы скорее всего проведёте там же, где старую. Когда вы оставляете ошибочные линии на бумаге, вы рисуете другие рядом с ней, так повышаются шансы нарисовать правильную. Все лишние штрихи можно стереть тогда, когда закончите набросок. Помните, как рисуют дети? Одной чёткой жирной кривой линией. Вот так делать не надо. Не давите на карандаш и старайтесь проводить линию быстро. Так она будет намного ровнее.

Сравнивайте разные части натуры между собой. Так вы сможете прочувствовать пропорции и изобразить их правильно. Видели, как художники вытягивают вперёд карандаш, что-то фиксируют на нем большим пальцем и закрывают один глаз? Ваша задача сделать так же. Вернёмся к нашей вазе. Нам нужно понять на какой высоте от вазы рисовать цветы. То есть мы берём карандаш, вытягиваем его вперёд. Закрываем один глаз. Кончик карандаша пристраиваем к верхней линии вазы, а нижнюю фиксируем с помощью большого пальца на карандаше. Потом эту конструкцию (не отрывая пальца) подносим к цветам. Кончик карандаша – к самой верхней точке цветов, смотрим где низ цветов. Большой палец не дергаем, держем там, где фиксировали изначально. Допустим, у вас все удачно и нижняя точка цветов точно там же, где и ваш палец. С помощью карандаша так же отмечаем на листе длину вазы и сравниваем её с цветами. Ставим на бумаге отметинку, по которой мы будем рисовать цветы. Теперь мы знаем, что наши растения не должны быть далеки от этой точки. 

Если не планируете раскрашивать рисунок, то для передачи пространства сделайте те линии, которые на натуре ближе к вам более четкими и жирными, а те, что дальше от вас более светлыми и тонкими, можете пройтись по ним ластиком. Например, если вы рисуете бабочку, то одно её крыло будет ближе к вам, чем другое, его-то и нужно нарисовать более заметной линией.

Если планируете класть тон, то ждите следующий пост. Не знаю, когда его выпущу))

Так как в комментариях зашла речь о рисовании, попробую переодически рассказывать о том, что знаю, и с чего начинала.

Это будет микс прочитанных мной знаний, информации, вычерпанной из художки и универа, а так же капелька моих наблюдений.

С чего начать? С референса, карандаша hb-2b и бумаги. Разберу эти пункты чуть подробнее.

Референс. Возьмите фото с предметом или сюжетом, который вам нравится. На натуру можно переключиться уже на второй-третьей попытке, но первая пусть будет по фотографии. Сразу говорю, что если вы планируете первые потуги в искусство выгладывать в сеть, то лучше брать фото, за которые вас не нагиенят за авторские права: открытая лицензия (крейтив коммон), фотостоки, ваши фото, фото со специальных сайтов с референсами или из таких же групп/каналов в соц сетях.

А почему собсна с фото? Конечно же с натуры рисовать лучше, так как это очень быстро будет двигать ваши силы вперёд и вверх, но! Натура – это 3д пространство, которое внужно будет перенести на 2д, то бишь на бумагу. У неё есть такие шутки, как свет, тень, тон, рефлекс, цвет и прочие непонятные слова. Всё эти вещи вам придётся учитывать при рисовании и думать о том, как их изобразить на бумаге, к тому же это все очень изменчиво. На фото все эти вещи уже зафиксированы и решены за вас, поэтому вам не придётся напрягать свои мозги в этой области. Тем более это первая попытка.

Карандаш и что это за непонятные буквы. Буквы показывают степень твердости и мягкости карандаша. Могу объяснить, как это так выходит, что карандаши разной мягкости и шо там в составе, но думаю, это лишняя информация. Обозначения h (аш), h2, h3 и так далее говорят, что карандаш твёрдый, а чем больше цифра, тем твёрже карандаш. Такой карандаш годится для чертежей. Его линии тонкие, светлые, а сам карандаш может царапать бумагу. Чем твёрже, тем тоньше и светлее. 

Обозначения b(бэ), 2b, 4b и так далее говорят о том, что карандаши мягкие.

Чем больше цифра, тем мягче карандаш. Ими можно штриховать и делать тон на работе. Чем мягче карандаш, тем толще и темнее линия. Кстати, это факторы способствуют очень быстрому расходу карандаша, например на рисунок формата а2 (4 принтерных листа) у меня уходит весь карандаш b8.

И есть карандаш hb. Он универсал, им делают наброски и первый тон. Как класть тона я расскажу в другой раз. (есть ещё f, t, m, но это вроде старые буквы, я за них не шарю)

Карандашом hb советуют делать набросок и эскиз практически все. Я лично предпочитаю более мягкий карандаш: b или 2b.

Если сложно понять эти обозначения, представьте шкалу с цифрами, где hb = 0, аш'ки(h) будут равны отрицательным числам, а бэ' шки(b) положительным. 

Фирма карандаша. Говорят она важна, но я спешу сообщить, что вас наебывают. Не важна. Всё карандаши хороши, кроме тех зелененьких, которые кажутся пластиковыми. За них я лично приду и буду бить по рукам.

В карандаше может быть важно и дерево, если вы планируете точить карандаш ножом, но я советую купить механическую точилку. Стоит она в районе 400-800 рублей, но даже самой дешёвой вам хватит на несколько лет. У меня они живут около 5 лет каждая. И дерево для неё не важно.

Бумага. Рисовать можно на чем угодно (и не надо говорить, что это не так, я детской акварелью на офисной бумаге крутые работы делала, а плохому танцору, как говорится, яйца мешают), для первых шагов можете купить детский альбом.

Ещё может быть важен ластик. Кохинор хорошо закрепила себя, но я не советую их ластики со слоном. Хороший ластик – мягкий ластик, я лично покупаю дешманскую deVenta и радуюсь жизни.

На этом пока все. В следующем посте уже расскажу как начинать рисовать. Пост выпущу почти сразу))

Пс. 

На фото одна из моих первых работ, я бы сказала, первейших.